乐海书讯

詹湛

一本容量惊人的音乐史、乐器史著作——容我妄下断论。

在地域上，作者将东亚乐器的发展划分为几个大的文化圈（中亚、中国、印度、东南亚等），并强调每一个圈子都有独立和互相重叠的部分；在乐器种类上，他参照了权威方法，分为体鸣、皮鸣、弦鸣和气鸣乐器四个大类；在每一件乐器的考证和介绍上，充分使用古代壁画、雕刻等稀有的乐器图像资源，突出它的演变和传播历程，并尽可能地完整复原其演奏手法与音律特点，为此付诸的寻访与研究热忱可谓巨大，单单素描手绘的插图部分就是一大笔文化遗产。

作者林谦三是二十世纪日本著名的音乐理论家，特别是对中国古谱、古乐器研究与中日音乐比较研究方面成就卓越，而译者钱稻孙也是中国现代文学史上的日本古典文学翻译大家。此书之前在1962年与1999年各有一版问世，而这次新版的编者曾维德也再次做了必要的修正与补注，这本厚厚著作的再版，对于二十世纪那两位博洽多闻的前辈而言，也算是一次心愿的了却吧。

本书虽然有六章，但真正能体现出斯特拉文斯基思想精髓的部分，笔者认为是第二、第三和第四章，即音乐现象、音乐创作和音乐类型学三个部分，第五章俄罗斯音乐以及第六章音乐表演只是浅浅带过。

斯特拉文斯基此书的一个重要理论基础就是对节奏的强调和对调性的蔑视。他认为，与“绘画是空间的艺术”类似，音乐艺术的本质被事先决定为时间中的某种组织设计，它规律的运动需要稳定的度量标准：节拍。除了规则的节拍以外，不规则的、隐形的节奏创新往往是听者快感的源泉，但是后者必须建立在与前者的相对关系之中，否则就无意义。书中的另一个重点是对音乐风格和类型的划分，他反对“自由夸张”，推崇赋格般严谨形式感的倾向跃然纸上。这些基础议题因为放到了斯特拉文斯基这个处于时代风口浪尖的人物身上，就格外有着神秘色彩与阅读的吸引力了。只是，由于斯特拉文斯基写作思路的跳跃性很大，东一笔西一笔，所以要读懂这本轻薄小书得费点功夫。

《布鲁斯之声》（The Voice of the Blues）作者： 吉姆·奥尼尔（Jim O’Neal）埃米·范·辛格尔（Amy Van Singel）

这其实是一本美国布鲁斯音乐家的访谈合集，其中涉及的音乐家，如穆迪·沃特斯（Muddy Waters）、约翰·李·胡克等人已经在布鲁斯界享有盛名了，但从他们所谈的内容来看，仍然是鲜活的、有旺盛生命力的第一手罕见资料。

除了絮絮叨叨一些布鲁斯乐手们在聚光灯下的音乐生活，他们还会告诉你聚会上玩什么游戏，平时做什么饭，甚至在农场摘棉花的工作以及与其他社会阶层发生的不愉快经历等等。比如，乐手吉米·瑞德分享了他早期的工作日程——在瓦利铸铁厂上班，轮班制，每天三班轮换，有时只能休息两个小时，但起床后的第一件事情就是练吉他，由此慢慢练就了同时弹吉他、吹奏口琴和歌唱的本事。而吉他手休斯顿·斯塔克豪斯（Houston Stackhouse）则抱怨为唱片公司白白录制了歌曲，最后没能发行，也没一分钱报酬。全书文字具有优美地道的美国文学特色，主要是因为被采访者的回答也与美式演奏风格相似，豪爽而直接，所以读起来颇为惬意。每段访谈开始前的背景叙述也堪称点睛之笔。