20世纪西方服饰图案上的现代艺术流派

(福建师范大学 350007)

艺术带有广泛的共性，从风格上讲服饰图案的风格流派理所当然地受到艺术思潮的冲击与影响，现代派的艺术思潮从19世纪末印象主义的风格中就表现出明显的趋向，突破传统、创造新的艺术理念成为不可阻挡之势，整个20世纪各种艺术流派,后印象主义、装饰主义、超现实主义、波普艺术、欧普艺术等艺术流派前赴后继、此起彼伏，影响到方方面面，服饰图案创作和流行也不例外。

19世纪中期“高级定制时装之父”查理·沃斯在没有照相术与印刷不流通的情况下最佳的灵感来源是17世纪末法兰德斯画家华托、18世纪中叶法国洛可可风装饰画家法兰斯·布歇与肖像画家弗拉格拉尔等人的绘画作品，沃斯不断从绘画里寻找服装设计的创作灵感，在当时造成一股复古风潮，让流行时尚与艺术创作有了交集与互动。19世纪末的新艺术运动至晚期具有明显的商业化倾向，在受到商业和大众青睐的同时开始式微，由此也催生了“装饰艺术运动”的产生与发展。受新艺术运动、毕加索的立体主义、包豪斯设计理念、俄罗斯佳吉列夫的芭蕾舞、埃及艺术、美洲印第安艺术、早期古典艺术及东方艺术等影响而产生的装饰艺术以1925年在巴黎举办的“国际现代装饰与工业艺术博览会”为契机而得名，该展览集中了当时法国最优秀的设计师和艺术家、手工艺师的作品，其中就有保罗·波烈（20世纪第一位被称为“革命家”的服装设计大师）、朗万（风格浪漫而优雅，特别是以绘画为题材的“绘画女装”和从中世纪教堂的彩色玻璃画获得灵感的“朗万兰”十分出名）、可可·夏奈尔制作的服装，画家杜飞设计的衣料等，这些作品不仅以其豪华富丽体现了法国上层阶级对于装饰的兴趣，而且试图将现代主义设计中常采用的严格的几何形式与人们对豪华的需求结合在一起，标志着习惯历史传统风格的上流社会开始接受新的设计形式和美学风格。不少设计师把“装饰艺术”风格的一些特征比如古埃及和中国风格图案、简单的几何风格造型、明快的色彩等引入到服饰图案的设计中去。

从沃斯开始服装创作的艺术性不断地被彰显，让流行服装成为艺术创作的一项发展到了20世纪30年代已不容质疑，野兽派、立体派、古典派、现代派及超现实主义流派等作为表达手法广泛出现在时装上。当时的超现实主义艺术家与设计师夏帕瑞丽相濡以沫的创作关系为流行服装与艺术之间找到相融相亲的轨迹且对后来整个20世纪的流行服装艺术化的创作观影响甚巨，艺术家不同风格的纹样与色彩、表现方法等不断被运用到纺织品设计中。野兽派画家杜飞的写意花卉纺织品设计被称为“杜飞花样”，色彩明快鲜艳，造型大胆夸张和变形；装饰艺术优美的几何线条借鉴了米罗抽象绘画的风格且赋予花卉、植物、动物、风景和几何图案以工业化和工业机械的美感；马蒂斯画中的剪纸风格被用于纺织品的花样设计；以毕加索、布拉克等画家为代表的立体主义艺术流派以抽象主义的语言，单纯的几何线条和注重比例的色彩块面达到概括、抽象的艺术表现效果，利用立体主义绘画风格设计的印花几何图案具有都市时髦感和空间感。

超现实主义是两次大战之间的一种艺术与文学运动，其特点是创造超现实的形象，把梦境、幻觉、潜意识作为创意的源泉，由于作品独具的视觉冲击力和心理上的震撼力给予设计师极大的创造和想象空间，是现代图形的重要创造形式。超现实主义对流行服装的影响可说超乎我们想象，我们从超现实主义创作所呈现的意象与表现方式里发现被现代服装设计师大量采用如弗洛伊德心理学派的潜意识思维：大自然景观里的植物、动物、昆虫、海底中鱼类、龙虾、贝壳等各种生物；各种乐器如小提琴、黑管、喇叭、琴键、音符；人们各部位的器官等这些意象在不同年代、不同设计师那里不断地被拿来作为创作的素材。夏帕瑞丽与当时超现实主义、立体派、未来派、达达主义的艺术家相交至深，他们的艺术风格对她的服饰创作影响甚巨，夏帕瑞丽为冒险型女性设计前卫、古怪的独特服装，这些服装大朵廓形简单、易于穿着，唯装饰细节趣味横生：腰部的口袋是女性的红唇；胸部的西装口袋像是箱子的抽屉；羊毛衫上绣有假的领子、克夫或领线；纽扣是花生、羊头、金鱼或人型；手套是一双有着指甲的手或是一直沿向肩部的袖子；包宛如一只鸟笼等。夏帕瑞丽是把超现实主义运用到时装上最成功的设计师，她的超现实主义的饰品、各种装饰性极强的纽扣、幽默的风格形成了一种“丑陋的极致”，北非风格的设计、蝴蝶、龙等图案是她的标志之一。夏帕瑞丽不仅只是模仿艺术形式的创作方式来呈现，使得服装创作的艺术性深受肯定，也让超现实主义烙印在流行时尚领域里。

自夏帕瑞丽之后到了60年代又在圣·洛朗的推波助澜下服装创作结合了生活领域与应用艺术，彼此之间相濡以沫的创作关系不断发展。圣·洛朗承袭了夏帕瑞丽对艺术创作的热爱，他的作品宛如现代艺术的立体展示，他说：“每一种艺术都有自己的表达方式，我的艺术是用服装来表达。”圣·洛朗擅于将艺术、文化等多元因素融于服装设计中，他在1965年将荷兰风格派画家蒙德里安的《红黄白》作品中几何图案印在服饰上，充分展现了抽象画派冷静的形式美；1966年推出“波普艺术”系列，服装的图案造型来自安迪·沃霍尔；1979年的“毕加索”主题系列其云纹图案源自毕加索；在1988年推出的“立体艺术”系列，他将毕加索的作品以立体拼贴或印染镶嵌的方式呈现；梵高的向日葵在圣·洛朗的服装中出现时其色彩的华美和造型的简洁都臻于极致。圣·洛朗也相当醉心于超现实主义里的意象，如身体中的眼睛、嘴唇、腿，海底生物的鱼鳞等图案都曾出现在他的作品中。

后现代主义时期时装设计师们的灵感“触须”伸向了所有能想象得到的角落，从前代或当代艺术家的绘画作品中吸取创作灵感是常胜不败的“宝典”之一。加里亚诺经常会到博物馆或艺术馆等地方“拜访”各个时期艺术家的作品，然后取其神或形神兼备地将其巧妙运用于自己的设计中，极大地增加了时装的艺术性。充满爆发力的设计“鬼才”戈蒂埃信手拈来皆是艺术创作素材，他在1998年曾以墨西哥女画家弗里达的造型风格作为创作的原型，2000年再度以安迪·沃霍尔将大众偶像猫王、玛丽莲·梦露等人的照片重复印在画布上的手法作为他这一季主要的图案风格，只是戈蒂埃印的是耶稣和拉丁美洲革命英雄切·格瓦拉。我们从其他设计师2000年作品里也可以找到不少创作灵感来源，如普拉达排排站的口红图案宛若安迪·沃霍尔的绿色可口可乐瓶子；阿玛尼的晚礼服系列图案和色彩则以康定斯基非具象的几何形式图案为主要构图；马蒂斯的剪纸和色纸拼贴的创作形式可以在夏奈尔的服装里找到以相似手法呈现的花朵图案。

波普艺术以一种乐观的态度对待流行时代与信息时代的文化并通过服装等现实的媒介拉近了艺术与公众的距离，通过塑造那些夸张的丑陋和比现实生活更典型的形象来表现一种实实在在的写实主义，应用在服饰设计中大量采用发光发亮、色彩鲜艳的人造皮革、涂层织物和塑料制品等。明星的形象最先被印上了T恤；涂鸦式的字母画到了旅行箱上；更多的服装上画满了汽水瓶商标和影视角色如玛丽莲·梦露和麦当娜的头像、菲利普斯香艳的沙滩女郎、理查德香烟盒等图形，处处都是波普艺术的影子。沃霍尔以毫无感觉的态度画100个可口可乐瓶子或牛肉面条汤罐头甚至百元美钞，1962年他在一套红色女装上印有“易碎品小心轻放”的字样，在一条女裙上配上一家洗涤公司的标志Brillo，他好像要重复的加强人们对这些日常所见东西的印象。将波普与时装结合得天衣无缝的设计师非范思哲莫属，没有人忘记得了1991年他让模特穿着印刷有梦露肖像的低胸连衣裙走上T台，堪称风华绝代。

世纪末近10年里在时装、艺术等领域里文化精英们困惑于神秘而不循于正轨的潮流，越是粗糙和深奥就越受欢迎，于是设计师们转向波普文化中寻找灵感，伴随着音乐、电影和绘画将波普艺术带入高雅的社交场所和潮流变换的街头。波普文化构成了服饰图案的重磅要素，将夸张的卡通、幽默的标语、报纸印刷图案，随手的涂鸦，连环画或是肖像拼贴等图案、文字、色彩、线条运用到服饰上加以夸张和变化便是个性鲜明的波普艺术。

视幻艺术主要特点是利用几何图案和色彩对比造成各种形与色光的骚动使人产生视错觉，黑白构图为其典型，常用圆形、直线、曲线和三角形等几何纹样的组合。最初欧普视觉效果仅被运用在平面设计与绘画上，设计师独辟蹊径将时装与光效应艺术融合在一起成为创作灵感的源泉，圣·洛朗于1966年将欧普艺术的精神融入到设计中，此外传统面料中的人字呢和格子呢也有这种视幻效果。

欧普艺术强调视觉效果的服装配色具有律动感，所涉及的服装成为一件随人体到处走动的画面，这一创举把服装的艺术领域向前推进了一步。70年代许多设计师将“视觉学”应用在面料上使其具有极大的优势，一是它的图案形式无规则排列利于面料大批量生产；二是图案分布的无限性应用于服装仍能完整地体现其艺术魅力；三是图案的具体造型体现了时代特征，隐喻了高科技、超信息、机械化、快节奏的生活。米索尼是欧普艺术最典型的代表，她把欧普艺术的精神和理念逐一消化并使之与电脑结合设计出大量的欧普新作。随着人们心态与观念的不断变化欧普艺术又多了几分实用性，设计师利用它的动感和视觉性来掩盖人体的缺陷，它的曲线和几何图案也颇受青年人的喜爱，成为设计师们反复演绎的主题。

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