论声乐表演者的四大艺术修养

唐 敏

(华南理工大学 艺术学院，广东 广州 510006)

声乐表演是主要音乐门类，声乐表演者(或称歌唱者)的艺术修养是指建立在基本声乐技能和音乐素质基础上，在艺术理论、知识和语言、思想、生活体验等方面经过长期训练和培养所形成的具备一定水平的艺术素质。歌唱者的艺术修养大致可以包括基本声乐技术和技巧、音乐素质、艺术领域的综合拓展能力、生活体验与人生感悟等四大方面。当前，一些歌唱者忽视长期的艺术修养，认为单凭自身某些优势条件和歌唱技术就足够了，这种急功近利的做法不利于歌唱者自身艺术修养的提高，也不利于我国声乐表演艺术的长足进步。

一、基本声乐技能是歌唱的基石

声乐表演艺术无疑需要扎实的技能做基石，基本声乐技能一方面是指能通过对人体发声器官的训练使之能具备的能力和技巧，以满足表现声乐艺术作品或形象的作用，另一方面则是指演唱者应具备的能轻松自如并精确表达乐谱和作品所指明的旋律、词句等的能力。声乐学习往往从模仿开始，而声乐技巧的训练一般开始于正规声乐教育的基础阶段，并贯穿歌唱者学习和表演生涯的始终。毫无疑问，任何演唱者都必须充分重视基本声乐技能的培养和终身的完善。

值得注意的是，声乐技巧和艺术表现是相辅相成的两个方面，没有扎实的声乐技巧，艺术表现就无从谈起;而忽视艺术表现，单凭高超的演唱技巧也难以真正感染受众。

1.发声训练是声音塑造的基础

声乐教育家周小燕曾指出，“学习声乐还有一项较乐器演奏者更为艰巨复杂的工作，必须在学习过程中完成——‘铸造’自己的乐器”［1］。另一位声乐教育家金铁霖也指出，“声音是唱歌中最重要的一个环节，这其中要先讲共性，才讲个性。”这里的“共性”实际就是指声乐技巧。意大利米兰斯卡拉歌剧院声乐教师巴拉也认为，声乐学习的头两年应完全用于调整“歌唱乐器”，然后是研究歌唱技巧——各种控制声音的形式，最后是风格［2］。

一副“好嗓子”可能有很大天生的成分，但更多是靠后天科学的方法和长期艰苦的磨练才能造就。发声训练是贯穿歌唱学习各个阶段的基本训练，其目的是通过练声达到熟练掌握呼吸、共鸣等发声技术，建立正确的声音概念。发声器官的生理构造，如横膈膜的肌肉、喉内的大部分肌肉的训练如同运动员的训练一样，各种技巧的协调性是在反复训练中达到的。发声训练的方法很多，反映出声乐学习的复杂性与多样性，其答案往往不是唯一的，但大都包括三方面基本内容:一是以发长音为主的气息训练;二是以a、e、i、o、u为核心而在同一发声位置长期进行的元音练习;三是以组合音阶和分解音阶为主的音阶练习，同时配合元音和辅音的各种变化。高难度的发声技术要靠老师启发，但主要还是靠个人细心揣摩。

2.声乐知识技能是歌唱的基本功

基本声乐技能指识谱、音准、节奏等的训练。学习歌唱，要先掌握音乐的一般知识，如乐理、视唱练耳、钢琴键盘基础等。如果一个歌唱者连简单的乐理常识都不懂，甚至不认识简谱和五线谱，只能靠听磁带、收音机来模仿学习，就会极大限制歌唱水平的提高。对听觉敏锐的人来讲，靠模仿或许能凑合学会几首歌，但大多是唱得似是而非，有时甚至把原作唱得面目全非。乐理常识是音乐的基础，学会识谱(包括五线谱、简谱)，懂得音程、和弦、调式、调号、节奏、节拍、速度，熟悉各种乐谱记号等是歌唱者的基本功。视唱练耳是音乐学院一门重要的必修基础课，它包括对耳朵的训练和音准、节奏的训练。具备一副音乐的耳朵是非常重要的，它包括歌者对自身声音的辨别和听者对外来音响的感受。只要经过较长时间的正规训练，是能够提高对音高、节奏的鉴别能力的。音准问题是歌唱中首先要解决的问题，如果音不准甚至唱跑调，即便有再好的音质，也不能给人美的享受，反而会成为噪音。有些初学者不重视音准，特别是对半音3—＞4(#4)，7—i唱不准，对临时升降号则更无能为力，这就严重破坏了旋律的美感和作品的风格。

训练音准必须多练习、多巩固，形成固定的音高概念。可以自己在琴上弹不同的单音、音程、和弦和歌曲的旋律，然后跟着琴一遍一遍地仔细唱准，这个方法虽然“笨”，确实很有效的。节奏在歌唱中也占了重要的地位，魏良辅在《曲律》中提到曲有三绝，板正就是其中一绝，有些歌者在歌唱时不重视节奏，一会儿快，一会儿慢，失去了平稳感。应注意把节奏均匀的重要性当作我们心脏跳动一样重要。节奏练习可用手敲击桌面将一段歌曲的拍子打出来，嘴里打这段歌曲的节奏。要手嘴配合一致，先短后长，先易后难［3］。

只要经常地、有意识地找些歌谱来练，渐渐便可熟能生巧。钢琴弹得好的学生在歌唱的节奏、音准上的掌握一般都比不会弹琴的学生要好很多。所以，多弹琴也可以使节奏，音准进步很快。经常练习一些钢琴乐曲，可以使歌唱者所需要掌握的节奏得以巩固和提高。

二、音乐素质是提升歌唱水准的关键

声乐表演必须立足于一定的个体条件，而扎实的音乐素质是以歌唱为职业的人必须具备的专业基础，在综合艺术素质中占有重要地位。

很多歌唱者在音乐修养上不够下功夫，演唱把握不了内涵，显得苍白，没有感染力。有些歌唱者具有很好的声乐表现力与技巧，但到了一个层面就很难再进一步。除了其它方面的原因，个人的音乐修养不够是制约歌唱水平提升的一个重要原因［4］。

1.应注重从音乐史中汲取营养

学习历史能在时间跨度上发现过去、体味当前并探索未来。对音乐史的学习，特别是对声乐历史的学习，其价值绝不仅限于拓展本专业领域内的知识，更有助于歌唱者建立自己的艺术价值观、宏观的音乐艺术视野，并启发自己未来努力的方向。

歌唱者应了解各个时期各种音乐流派，品味和思索它们的风格特点。如欧洲巴罗克(Baroque)时期的音乐风格庄严、雄伟、辉煌，演唱时要严整，不在节奏音准上随意自由，也不可乱加滑音。维也纳古典乐派时期的风格要求庄重典雅、有激情，但力度和速度的变化处理不可过分。浪漫派的主要特点是旋律个性化，调性变化自由，和声色彩对比强烈，声音的音量、音色有大幅度的变化能力等。掌握了各个作曲家各个流派的特点，对于音乐作品的领悟力和理解力，对于音乐和审美力和感受力也会进一步加强和提高。从而获得整个音乐修养和演唱水平的提高。

另一方面，音乐史上灿烂的群星，无疑会给歌唱者带来艺术的启迪和人生的感悟，也是他们参考的坐标和行动的榜样。如“乐圣”贝多芬对疾病和命运折磨的坚强毅力以及崇高的人文理想，又如男高音之王帕瓦罗蒂的光辉的声乐生涯，等等。

2.体味音乐作品的表现力

体味音乐作品的丰富而细微的表现力，需要歌唱者具有坚强而有柔软的心灵，也需要热情奔放而又细腻平和的艺术性格，还需要反复揣摩的刻苦与必要的音乐感悟能力。这是一个歌者音乐艺术修养水平高低的集中表现。

歌曲的表现力是建立在一定音乐知识水平基础之上的，也与歌唱者的艺术鉴赏力和对歌曲的理解能力密不可分的。歌者要把纸面上的作品塑造成感人的艺术形象，就必须善于理解和运用音乐作品中的各种音乐语言，如旋律、节奏、节拍、音高、速度、力度、和声、调式、调性等，并且恰当地把这些音乐要素揉进美妙而运用自如的声音中去，以此表达作品的内涵，再现作品的艺术形象［5］。

歌唱者在演唱一首歌曲时，要善于思考。这种思考包括两个方面:一是对歌唱方法发声技能生理机能感受调节的思考;二是对音乐作品诸要素的分析和思考，其中有对歌词内容的理解，对作品思想内涵的深入探究，对语言逻辑重音的推敲和安排;也有对音乐风格、曲式结构的分析，高潮安排的研究等等。如在演唱《黄河怨》时，要仔细分析一下这首歌曲:"风啊，云啊”这是一种背景的描写，也是以景色描写内心，他的心情就好像当时的风云，伴奏用不间断的六连音写成，为一种压抑的感情作了铺垫。所以在开始演唱时声音要压抑要连贯，又如最后一句:“你要替我把这笔血债清还”这是这首歌曲的高潮部分，在演唱时要打开喉咙，呼吸要深，用很强的力度唱出来，才能深刻地表现主人公的悲愤情感。经过音色、强弱、吐字的抑扬顿挫等处理后，字字句句都闪烁着歌唱者创造的无穷魅力，体现了歌唱者的音乐艺术修养。

3.通过作品的积累提高艺术修养

艺术实践对于歌唱者，就像田径场对于田径运动员一样。不能设想一个人坐在家里仅凭他的理论知识和思想修养就可以成为一个优秀的运动员。声乐学习需要大量的实践。才能保证得心应手地充分展示音乐修养的内涵。

古今中外各个不同时期、不同风格的杰出歌剧作品、艺术歌曲和各国民歌，蕴含着丰富的知识信息和文化内涵。演唱不同的音乐作品就是不断丰富音乐修养的过程。好的音乐修养为演唱时分析歌曲打下了良好的基础。

音乐作品本身就是音乐修养的知识来源。通过对演唱曲目的积累，可以促使歌唱者实践从“量变”到“质变”的过程。最伟大的声乐艺术家们都拥有大量的个人保留曲目，如一代大师卡鲁索主演过五十多部歌剧，而普拉西多·多明戈出演过114个不同的歌剧角色，录制过93部全本歌剧。要知道普通歌唱演员排演一部歌剧往往需要一年甚至几年的努力，能主演这么多部歌剧，当然表明大师们卓越的艺术天赋，但更重要的是让我们看到了大师们幕后工作的努力和艰辛。也启发我们，不经过勤奋工作，不可能有什么必然的“天才”［6］。

三、拓展知识领域是提高艺术综合能力的途径

声乐表演是对声乐作品“再创作”的过程，这种“无形的时间艺术”同创作者——歌唱者的艺术观乃至世界观有着密不可分的关系，杰出的歌唱者往往不会把自己局限在声乐艺术或音乐领域，往往都有其它艺术领域的涉猎、感悟和修练。如流行歌星周杰伦钢琴和舞蹈都很了得，京剧演员出身的屠洪纲、花鼓戏演员出身的李谷一的演唱都深得戏剧的精髓。

很多与声乐貌似相距甚远的其它艺术形式，就其本质来看，也与声乐有着不解之缘。比如音乐与建筑从来就有“建筑是凝固的音乐”和“音乐是流动的建筑”这样的经典论述。音乐是在时间中展开空间，建筑则是在空间中展开时间。两者之间的结构，存在不少相似的美学法则。

音乐，尤其是声乐，与文学、诗歌从来就是紧密联系的，如我国古代歌、舞、乐三位一体的同构关系。音乐在释意与表达方面常常与文学有许多共性与联系。如歌剧作为西方主要的音乐表现形式之一，是一种文学与音乐的“形神合一体”，而贝多芬《第九交响曲》与席勒的《欢乐颂》的关系则是这种“形神合一体”的经典之作。绘画是一种比较直观的艺术形式，音乐在其表达效果方面，对于欣赏者来说更容易与绘画联系起来。音乐体裁中的交响音画、交响素描等形式显然是受绘画创作的影响，如印象派作曲家德彪西的三首交响素描、俄国作曲家鲍罗丁的交响音画等，都用优美动听的旋律、生动形象的音乐语言使人通过听觉建立起“视觉”上的享受。从艺术的哲学本质而言，各种艺术形式往往存在艺术规律明显的相似性、互通性和可比拟性［7］。善于从姊妹艺术中汲取艺术养分，是一个有成就的声乐家艺术修炼的重要内容。

拓展知识领域，提高文学和艺术综合素质，对于提升歌唱者的艺术综合能力至关重要。如电视连续剧《三国演义》主题曲《滚滚长江东逝水》，此曲创造性地运用美声唱法，运用浑厚宽广的音色音域，并融入中国昆曲、古曲的民族元素，曲调雄浑壮阔、波澜起伏，颇为感人。可惜的是，“词的旨意是一位看破红尘的白发隐者在渔樵之余，对三国兴亡的‘是非成败’发出‘转头空’的感叹，他在‘笑谈中’流露的是一种消极的情绪，这怎么能与三国人物积极进取的英雄气概协调呢?而且，曲调是那么雄浑壮丽，与歌词相配，形同水火，岂能交融?”［8］傅如一教授对这首主题曲的上述批评也从相反一面有力地说明，深厚的文学功底和艺术修养对曲作者、对歌手是何等的重要。

学习声乐的人，不但要多听歌唱家的演唱，琢磨他们的歌唱发声方法，观察他们的艺术表现，还要多看舞蹈、戏剧表演，听器乐演奏，参观画展及各种艺术展览。其它形式的艺术作品，也是艺术家们根据生活而创造的成果，其中不乏有对生活中各种经验的，描述和体验。善于向其它姐妹艺术学习，一来可以丰富自己的生活积累，二来可以观察其他艺术家们是如何体验生活描述生活，并从中得到启迪和感染，从而进一步加强自己对音乐语言和歌词文学语言的理解和把握能力。

四、增强艺术感受是提升歌唱生命力的源泉

社会生活是艺术的源泉和根基，艺术来源于生活，又高于生活。在生活中提炼艺术是唯物主义的艺术观的重要原则，声乐艺术也不例外。欧洲的声乐艺术除了来源于贵族和宫廷生活，也来源于广泛的民间生活，如歌曲创作之王舒伯特的作品充满了民间生活的趣味。我国近现代经典声乐作品有很多创作者深入生活“民间采风”的经历，如西部歌王王洛宾的《达坂城的姑娘》、《在那遥远的地方》等经典作品;《同桌的你》这首歌经久不衰，是创作者对校园生活的深刻体验与大量受众产生共鸣的结合。

生活是一部无穷的教科书，歌唱者的成长过程必然伴随着人生阅历的增长和人生体验的逐渐丰厚，这经常能成为歌唱者宝贵的精神积淀和艺术财富。电视剧《四世同堂》主题曲《重整河山待后生》是汲取了京韵大鼓的精华而创作的，是一首带有很强流行音乐元素的歌曲，剧组选择生活和文化阅历丰厚的著名音乐家雷振邦主持作曲，由当时已年逾七十的京韵大鼓名家骆玉笙先生演唱。这个作品经骆玉笙苍润、浑厚、开阔的音色和丰富表现力的演绎，成就了声乐作品的一个高峰。据曲作者之一雷蕾回忆作品录制的经历时提到，骆先生的演唱从头至尾一气呵成。乐曲结束后，整个录音棚非常静，过了几十秒以后，才爆发出热烈的掌声。她和总导演林汝为都激动地掉下了眼泪。很难想象一个没有丰厚艺术修养和人生阅历的歌唱者能像骆玉笙先生达到如此的艺术高度。电视剧《霍元甲》的主题歌是用粤语创作和演唱的，如果一个不懂广东话、不了解南粤文化的歌手去演唱，总感到味道不足，可见生活和文化阅历对于歌唱是非常重要的。

综上所述，只有打下坚实的发声技巧基础、拥有基本歌唱技能和丰厚的音乐修养才能声情并茂，使演唱具有艺术感染力;只有不断丰富自己的音乐修养，并注意从各种艺术形式中汲取养分，才能拓展歌唱者的艺术视野，提升演唱的艺术品格;而只有长期深入生活、体验生活才能使歌唱艺术具有持久的生命力。

［1］ 王玉健.追求“美声之美”——声乐教学中的一点体会［J］.南京艺术学院学报(音乐及表演版)，1999，(1):17-18.

［2］ 于佳.诌议歌唱的艺术表现［J］.西南民族大学学报(人文社会科学版)，2004，(10):453-454.

［3］ 李维渤.声乐训练中有关音乐修养的几个问题［J］.中央音乐学院学报，1990，(1):55-60.

［4］ 陶立玲.声乐教学再探［J］.交响，1991，(1):57-59.

［5］ 赵梅伯.歌唱的艺术［M］.上海:上海音乐出版社，2008.

［6］ 杰罗姆·汉涅斯著，黄伯春译.大歌唱家谈精湛的演唱技巧［M］.北京:中国青年出版社，1996.

［7］ 余笃刚.声乐艺术美学［M］.北京:人民音乐出版社，2005.

［8］ 傅如一，魏晓虹.金庸小说的艺术魅力［J］.山西大学学报(哲学社会科学版)，2004，(1):31-33.