浅谈贝里尼艺术歌曲

[摘 要] 贝里尼作为19世纪意大利伟大的浪漫主义作曲家，他创作的美声歌曲同强调秩序、平衡和克制的古典主义时期相比，更加推崇自由、幻想和激情的表达。他创作的歌曲旋律悠扬婉转、细腻柔美，并富有忧郁的基调，每每听完都有余音绕梁之意。其许多歌剧中的咏叹调至今被奉为“美声唱法”的经典教材。《游移的月亮》是一首抒情歌曲，忧郁中旋律更加优美，气息宽广的演唱风格更加展现出诗情画意的美感。

[关 键 词] 贝里尼；艺术歌曲；声乐演唱

一、引言

本文采用音乐美学叙述法分析《游移的月亮》艺术特征，有利于当代歌曲的创作，论证其演唱技巧，更对当代艺术处理和歌曲细节处理具有借鉴和参考价值；也可以激发声乐学习者、演唱者和声乐爱好者对贝里尼歌曲艺术性的深层思考，可以更好地在演唱实践中提高自身的音乐素养，为之后的音乐创作和演绎提供有益的参考。

二、贝里尼及其声乐作品

文森佐·贝里尼是19世纪意大利杰出的浪漫主义作曲家，以歌剧创作而闻名，被称为“意大利的夜莺”。贝里尼出生在一个音乐家庭，他的祖父是宗教音乐和歌剧的作曲家，他从很小的时候开始学习音乐，6岁开始写宗教音乐，是一个早熟的音乐天才，他的创作比罗西尼的作品具有更多的浪漫气息。在注重旋律表现力的基础上，贝里尼在咏叹调的风格上追求肖邦作品式的温柔、伤感和诗意的气质。贝里尼重视音乐与语言的关系，并强调音乐的表情作用，认为“唱就是在有感情地说话”。他一生作有歌剧11部，主要有《梦游女》《清教徒》等，迄今依然被上演的有《梦游女》和《诺玛》；也有以表现爱情，大多是以忧郁、伤感为主的艺术歌曲，如小咏叹调《热切的希望》《游移的月亮》等[1]。他的作品《离弃》后来影响了肖邦、柏辽兹、瓦格纳等人，肖邦称贝里尼为“旋律天才”。

（一）《游移的月亮》演唱技巧

在当今声乐艺术形式多元化发展的时代，声乐艺术表演中歌唱技巧的重要性也显示出来，音乐是以多种形式传递情感，所以演唱技巧在声乐中占重要的地位，但是想要运用好演唱的技术，并不是一朝一夕就可以做到的，表演者在有理论支撑的同时，也需要有很强的声乐理解能力，两者缺一不可。演唱技巧是在长期的演唱实践中千锤百炼而逐步形成的。笔者在初次接触这首歌时，听的是女中音巴托丽演唱的版本，当时被她厚实的音色和强大的横膈膜支撑力所惊艳，她的演唱就像是在说话一样非常自然，而且气息的控制游刃有余，仿佛在为观众倾诉一个动人的故事，包括面部表情和嘴型都是值得我们借鉴学习的。歌词里有对许多静物的描写，也有对爱人的诉说，这些歌词的含义都表达了主人公对爱情的渴望。

1.气息的控制

按照作用部位的不同，呼吸可以分为胸式呼吸、腹式呼吸、胸腹式联合呼吸法。在歌唱时我们大多采用胸腹式联合呼吸法，运用胸腔共鸣、横膈膜、腹部肌肉、臀部肌肉、咽腔肌肉的共同作用，减少女生声音不够结实的问题，尤其是女高音在歌唱时只运用胸式呼吸而导致声音漂浮不定，也可以避免只使用腹式呼吸导致声音过于沉闷、表现力匮乏的现象。唱歌是靠呼出气息振动声带或不振动声带而使胸腔、头腔、口腔、鼻腔里的空气振动引起共鸣发出的声音。能否唱好歌曲主要体现在吸气、吐气、偷换气之间，也就是我们俗称的呼吸。呼吸支撑着音色的明暗品质以及身体各个部位机能共同作用，从而服务于整首歌曲。由此可见，呼吸在发声上的地位是很重要的，气息控制的得当与否直接决定着发声的好坏、音量的大小、音色的变化、共鸣的位置[2]。

开始唱第一个字“vaga”时，应该与前奏的律动相互吻合，采用口鼻联合呼吸式的慢吸慢吐的方式，均匀地演唱出“vaga luna，che inargenti”这一句，“vaga”的元音要保持咬字饱满的状态，不能唱得生硬，顺便带出“luna”即可，在此基础上继续保持前面的吸气状态。在保证语义完整的状态下按照旋律进行流畅且自然的连接，每个字都要咬在头腔上，也就是“面罩”，这样会使声音传得远。还要注意嘴型不要开得太大，“鱼嘴型”要像说话一样用气息推出来。在第7小节“queste rive questi fiori”换气时保持前一句的唱歌状态，“rive”应加强力度并保持积极的状态，用力舒展横膈膜，用原来的气息位置进行演唱；演唱第9小节时继续保持开头弱唱的状态，以便后面旋律上行时要做渐强的技巧，但是音量不可以随着气息量的增大而爆发，需要与歌曲整体的风格融合且不破坏意境；在第11小节开始后渐渐慢下来，后吸气继续保持住横膈膜的状态恢复原速继续唱下去；在第9—11小节不能因为歌词密集就咬字含糊不清，特别要注意按照节拍的强弱规律才能准确把握整首歌曲。在第24小节中“racon”后虽是逗号，但是演唱中是不可以换气的，要连贯演唱来保持音乐中稍显激动的心情。

贝里尼创作的艺术歌曲旋律大多都是较慢的，都是大线条的框架，对演唱者的气息要求非常高，要合理运用气息的流畅性，气息须要均匀地滚动，乐句之间声断气不断，才可以准确把握歌曲色彩。

2.表情术语的运用

音乐中的表情术语是一种通过乐谱传达感情或技法的方式，就如人的表情一样，一首歌曲的表情术语也是多元的。声乐演唱者普遍认为唱歌就是把整首歌曲技术表达出来，结果唱出的曲子不能与听众产生共鸣，枯燥乏味。其往往容易忽视表情术语的重要性，只停留在技术层面，但是完整的声乐演唱以及对演唱高要求就需要做歌曲的表情术语。《游移的月亮》整首歌曲的表情术语是“Andante cantabile”，在音乐术语中，Cantabile在乐曲中表现为“幻想如歌般的”，要求演唱者要唱得抒怀、明快、圆滑、并且富有表情；而Andante即行板，指稍缓的速度而且含有优雅的情绪，属于中慢板。因此在演唱整首曲子时，不能太过推进听众的感觉，速度为中慢速不能太快，像流水一样缓缓流淌，即使在高音的部分也要唱得抒情和优雅。

演唱第一句第五小节时上方力度记号“P”意大利文即pian表示弱，歌唱时把气息收紧保持好气息的分配，整体保持连贯，唱得像一条圆弧线。第23小节乐曲上方出现“<”表示渐强，既然是渐强在唱“spir ed a”时气息收紧，横膈膜控制给到稍弱，到“lie che ”时横膈膜多给些力量唱强，而后一直保持强，在歌曲进行到第24—26小节时，我们注意到歌曲上有很多“>”符号，音符上方出现“>”代表重音的意思，所以刚开始演唱时，把它僵化成传统意义上的重音，唱得时候过于用力，反而破坏了整首歌的美感。这里应该是从内心发出重音感叹，是身体放松往下叹，是一种情感上的推进和抒发，而不是真的重重地去唱。第二段和第一段的力度、情感保持一致，最后结尾渐渐弱下来用弱音结束整首曲子。

3. 情感表达与舞台表演

情感表达在声乐演唱中至关重要，情感是人的主观体验，且不会平白无故地产生，是受外界不同的影响加上内心的情感交织产生的。《乐记》中记载：“凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也。”要想完美地歌唱，除了要具备高超的歌唱技能，情感表达也是强调的重点，感情可以通过声音的色彩、力度、语言甚至肢体、表情等各种方式进行。《游移的月亮》以表达对姑娘深深的爱恋作为整首歌曲的连接点，如歌的行板犹如一首清新的小诗，让人身处宁静祥和的天籁中。只有声情并茂的演绎才可以将歌曲的情感表达出来，从而传递给观众。

《游移的月亮》作为传唱度非常高的作品，具备了咏叹调和宣叙调中不能体现的独特气质。在开头可以深呼吸三次，放松浑身的肌肉群，轻轻闭上双眼，调整好歌唱状态，点头示意钢琴伴奏开始，缓缓转身看向远处，唱第一句时目光眺望看向远处，手慢慢从“rive”字伸起，将远方想象成作者思念的姑娘，拉着手轻轻地向她诉说爱意；第二句顺势手心朝下轻轻放下，眼神随着手位的变化而变化，情感状态投入，思想集中；到第四句要往上翻一个高音，因为整首曲目都比较舒缓平稳，没有特别大的高音变化，所以翻高音是始终保持口腔咬字的圆润顺滑，不可声音过大，整首线条要保持连贯；到第一段最后一句时双手逐渐收于胸前，慢慢合十，情绪继续进行，声断情不断，声音逐渐放慢放弱，思绪逐渐平和下来。

同时兼顾情感表达和舞台表演是一件很不容易的事情，紧张的情绪会影响唱歌的情感，甚至直接影响唱歌的质量，关系一首歌的成败。所以在日积月累中学会调整积极的心理状态，可以促进身体的肌肉群紧密配合。因此平时每一次上台表演都要尽力把心态调整到最佳状态，在发挥最佳歌唱技巧的同时也锻炼了心理素质。怎样才可以与听众产生共鸣呢？笔者认为，不光要有很强的歌唱技术，更要有丰富的舞台表演经验。不管是中国歌剧的咏叹调还是外国歌剧的咏叹调，都要把握人物身份以及整体的故事情节，运用形体，必要时也要运用大幅度的动作边做边演唱来表达主人公的心情。

（二）《游移的月亮》的艺术特征分析

《游移的月亮》整首曲子的情感表达是自由的，是个人情感的抒发。这首歌曲是贝里尼在1833年为朱丽叶·佩茨（米兰作曲家）而创作的一首艺术歌曲，通过歌词大意可以看出，歌曲中描写的主人公通过月亮来传达自己对姑娘深深的爱恋。他运用声音的变化和情感的渲染，让人感受歌曲所传达的深深爱意和思念，整首歌曲就像珍珠一样串联在一起，歌曲的重点部分和高潮部分使整个演唱更加具有层次感和表现力。贝里尼不仅具有很强的唱功和技巧，而且熟练运用了整首歌曲的艺术特征，才能为听众带来一场深刻的艺术享受。

1.歌词具有形象性

“形象”顾名思义也是整体气质的表现，人有自己的气质，每首歌曲也有。气质是一首歌曲的内部修养，一首歌曲的形象一般通过歌曲的旋律所体现。中国古代文学理论批评家刘勰在《文心雕龙》中表明：“文是道的表现，道是文的本源。”大概意思是“文”只不过是载着“道”的简单工具而已。刘勰所说的“道”是自然之道和圣人之道的统一。不管是中国的艺术歌曲还是外国的艺术歌曲，“文”都承载着这一时期的道，这一时期的经济、政治、文化，都在“道”中体现了出来[3]。整首歌曲运用大量的静物描写：河堤、花朵、月光还有主人公内心的倾吐，让演唱者一拿到曲子，就能直观地在歌词中感受到主人公的情绪波动和精神感受，以此对歌曲展开思考和演唱。运用叹息、倾诉、痛苦等词形象地将演唱者置身于宁静美好的夜晚，在洁白的月光下聆听主人公的诉说。

整首歌曲的形象都是通过“文”来表现“道”，让演唱者与歌曲产生共鸣，情境是行为的一部分，也是一种铺垫，他完全由作曲家所设想，然后用简单明了的歌词传达给演员，以便他们理解和表演，歌词的写作也正如戏剧家要为演员编写台词一样。

2.风格具有情感性

在中外音乐史上，每个时期的作曲家创作的音乐风格都是不相同的，但是他们继承了上个时期的一些音乐特点，并创造出这个时期新型的音乐风格。如中世纪时期的宗教音乐占据了主导地位，所以出现了为宗教所服务的格里高利圣咏和经文歌，整体的音乐风格呈现出对宗教的虔诚，用圣咏来进行礼拜和祈祷。又如巴洛克时期的音乐风格，整体受到了美学的影响，以建筑、雕塑、绘画、美学为主，出现了著名音乐家巴赫、亨德尔等，每一个时期的音乐发展由政治、经济、文化等多元因素构成。

在19世纪浪漫主义时期，这时英国工业革命和法国大革命对欧洲各国的政治、经济产生了巨大的冲击，人们整体的观念和思想都发生了根本性的变化，他们不再被传统所束缚，作曲家的创作灵感是多方面的，有的取材于诗歌、绘画、戏剧，最主要的来源于作曲家个人的生活经历；还有一部分增加了民族性内容和情趣，如波兰的肖邦、俄罗斯的格林卡等都是民族乐派的代表。这一时期的作曲家为了迎合演奏的需要，用了很多炫技的写作手法，特别是李斯特。而情感表现有两种含义：其一是不同的人内心所想不同，情感表达也不同，其二是某种情感概念的形象性表达。每一首作品都离不开情感的注入，在《游移的月亮》曲调中带有一丝丝忧郁的情感，在唱到“叹息、倾诉、痛苦”这些词的时候应该多一点忧郁的气息，也可通过肢体的表达和面部表情的变化，更准确地表达歌曲的内容，我们在演唱作品时应更加关注细腻的情感，才能更好地演绎曲目。

三、结束语

总之，歌曲的感情基调决定了演员的演唱风格，演员是作曲家的二度创作，是具有指令意义创作的主要解释者。演员不是在表达自己的情感，而是在表达虚构人物的感情。他没有亲身经历和流露感情，而是在体察感情、观察感情、琢磨感情和细腻入微的体会后再将其表达出来。在研究贝里尼的作品时，需要突出歌曲的个性，这样演绎出的作品才是“完整”的。

参考文献：

[1]胡郁青.中外声乐发展史[M].重庆：西南师范大学出版社，2007：49-50.

[2]卢文勤.京剧声乐研究[M].上海：上海文艺出版社，1984：11-26.

[3]彭吉象.艺术学概论[M].北京：高等教育出版社，2019 ：3-10.

作者单位：延安大学