柔软的共生

引子

1929年，潘玉良绘制了她极富象征之一色彩的作品《港口》，在厚重的颜色中，桅杆、风帆与船舶能被清晰地辨认出来。木质的栈桥连接了木船与海岸，在大船左侧，还停泊了一只略显简陋的小船。船帆没有被完全收起，我们也无法判断出，这是即将出航的，还是刚刚归航的帆船。

在之前的一年，潘玉良结束了在欧洲7年的求学生涯，这段人生经历中，她先后在法国的里昂和巴黎，以及意大利的罗马修习绘画。回国之后，潘玉良任职上海美术专科学校西画系主任，并在上海举办了“中国第一个女西画家画展”。从这个角度来看，这是归航的港口，在海外多年的游子回到了故乡。

也是在1929年，这一年春天，上海普育堂举行了首届全国美术展览会。有20多位女性艺术家作品予以展出，这其中便有：潘玉良、唐蕴玉、王静远、蔡威廉、何香凝等人。这是近代史中的第一代女性艺术家成规模的展览。《妇女杂志》第15卷第7号上，艺术家金启静撰文，“女性，是美神的宠儿，其适于美术，确有天赋之特殊本能，所谓‘女子一生爱好天然’，实在可说‘一生爱美是天然’”，在金启静看来，女性艺术不好分析的认识，而是追求直觉的感应，同时，女性艺术家的作品更富于流动性和情感。并且，“女性在‘超越’（Dominent）的强度情绪中，不独于平常的喜乐悲哀中，可以表现其艺术价值，而其心境之真挚纯爱，更乃一最完整的‘美的态度”’。

而从这场展览伊始，近现代艺术史中女性的一页正式开篇，也是在这样的背景下，潘玉良画出了《港口》，张起的船帆即将迎来波澜壮阔的旅途。此后几十年间，一批女艺术家潘玉良、蔡威廉、方君璧、唐蕴玉、周丽华、翁元春、梁雪清、孙多慈、张蓓英、吴似鸿、关紫兰、丘堤、曾奕、杨荫芳、郁风、萧淑芳、李青萍、徐坚白等逐渐从绘画出发，将女性和女性艺术的概念不断深化。

何为柔软的共生

群展“柔软的共生”以“女性”为线索，以贯穿近百年历史中的18位女性艺术家的创作为范本，来关注女性艺术家们是如何共存共生的。

这18位艺术家的年龄，有着超过130年的时间跨度。最年长的艺术家珂勒惠支因为她对于中国艺术的影响而被选择进入展览的名单：潘玉良生于光绪二十一年、萧淑芳生于宣统三年，再之后的张蓓英生于1914年，她们都活跃起于民国时期，也是在这个时期，鲁迅先生将珂勒惠支介绍进入中国，对左翼艺术产生了重大影响。新中国成立之后，女性艺术有了新的发展，女性艺术家大量地进入美术院校，催生了众多非常重要的女性艺术家。

女性艺术家卓有成效地开展了她们的艺术工作。在这个展览中，我们选取了50后艺术家徐虹，以及60后艺术家梁缨和申玲，70后中炙手可热的几位艺术家徐华翎、付小桐、吴笛笛、宋琨、陈可、覃夕家是本次展览的中坚力量。80后的关晶晶和田琦，都有着她们非常独特的个人风格，90后的叶紫、吴子珺和姜可心三位艺术家则用她们更加多元化的语言，持续扩充了女性艺术的语言范畴。

那时你还年轻

付小桐和吴笛笛两人是密友，她们的作品都凝聚了大量的时间性。在付小桐的作品中，凝聚了大量的时间，每一次，她将扎孔都变成了一个具体的存在，而这种存在与时间相贯通。同样，吴笛笛的作品也使用非常多的时间来制作作品的基底和画面，她关于藤蔓和鸟的作品，是关于时间的抒情，在几位艺术家的作品中，时间性又被扩充而具备了永恒的含义。

覃夕家有着多重的时间维度，被收集的树枝本身便凝聚了时间，而收集乃至制作的过程也是对于时间的回应，在此之外，无论是艺术家还是物体的存在，她们的时间轨迹在艺术家的创作中，达成了契合，人与物完成了时间的交换，并最终获得了艺术生命中的永恒。

同样，关晶品的作品《剩山》也是将她的抽象绘画融合了时间，学者敬文东评价她的作品称，“关晶晶的绘画使百分之九十九的时间在画面上得以凝固……它是对消逝的挽留或阻拦，是对坍塌的修复与弥补，是为坍塌构筑的支撑物。”

后院，是另一个世界

珂勒惠支是20世纪德国最具影响力的版画家、雕塑家，她一生致力于描绘饱受疾苦的大众，其作品抨击了当时社会的残酷，反映了社会现实。但命运仿佛一直在捉弄她：珂勒惠支在第一次世界大战中痛失小儿子，此后，她又失去了丈夫，而二战又使她失去了长孙。她的身上背负着太多沉重的经历，作为艺术家个体，她无法与社会、与现实直接抗衡，于是，将自己的满腔情绪转化到创作中。本次展览中的三件作品，《怀抱死去孩子的女人》《祈祷》和《遗孀》，都来源于珂勒惠支艺术中重要的情感题材作品，相较于她关于革命叙事、历史进程的木刻版画，在情感的维度中，珂勒惠支的这类作品更加包含力量。

萧淑芳师从齐白石与徐悲鸿，她是知名艺术家吴作人的妻子，她“天生喜欢人世间美的事物”，并对这些事物饱含感情。欣赏萧淑芳的花卉画作，能让人感觉漫步在春天里，邂逅在百花间。花叶缤纷烂漫，而格调文静娟秀，为传统画法中所未见，又能为雅俗所共赏。

徐虹的作品则源于对自然的敬意，《喜马拉雅的风》这件作品中，徐虹保留了宣纸这一基本材料和黑白两种基本颜色，但她调换了宣纸与水墨在绘画中的角色。传统绘画中，黑色的笔墨在白色的宣纸上自由运动，而在好的作品中，白色的宣纸变成了主角，它获得了在黑色底子上自由运动的权利。以南方草木为原料，用手工制作的宣纸覆盖了尖硬的碎石，柔韧的宣纸纤维在女画家手里显示了出人意料的表现性。而由黑白两色构成单纯、典雅的形式，陈述了她对自然和生命的关怀。

梁缨出身艺术世家，她是新中国之后最早出国留学的艺术家之一，她的作品兼顾表现主义和传统绘画的多重身份。在这次展览的作品中，她的两件作品都有着女性情感独特的表达。她认为，“从绘画的角度，应该说女性更容易入画，所以，古往今来的很多绘画作品都以女性为题材。”

申玲是中央美术学院油画系教师，同样，也是中央美术学院代表性的艺术家。她的这件作品《拥抱》表达的是爱人之间的感情，她用强烈的色彩，淋漓尽致地表达人体的热烈和人心的欢愉。申玲对油画材料有一种特殊的敏感和近乎天才般的自由支配能力，她说：“有时候，画画很享受的状态就是画疯了，什么都不想。我可以迅速勾勒出忧伤的女人或者慵懒的男人，无论是怎样的情景，只要是心里有的，我都会在笔下传达出去。”

陈可一直在画各种各样的女性。这些女性，或是她内心的真实写照，或是她对艺术和生命的探索。但无论风格怎样变化，冥冥之中，她似乎一直知道从女性的角度探索女性是她创作的根基。对家人和对孩子的爱，以及自我的成长都被包含在她的作品之中，在身份的转化中，陈可也不断增加了对于女性主题新的思考。

你所穿越的寂静

无疑，在女性艺术家中，徐华翎是一个特别的存在。当我们走进她的场域时，就会不禁感慨：水墨或许是有性别的，她的画和她本人一样，有着独特的气质。徐华翎的作品大多以女性为主题，基本都是在十八九岁，一个从少女迈入成年女性的年龄段，对于她而言，这个年龄段的女性始终给她以无限的灵感，可能是因为女人更懂女人，她善于捕捉女性的内心世界和独特魅力，让女人更美。

宋琨的艺术实践以绘画为主，同时，结合了音乐现场、Music Video、装置等式。透过捕捉描绘不同的形象、真实或超现实的瞬间，宋琨的创作展现出个体瑰丽隐秘的私世界对变化中的中国特有的反映和关照。

田琦是本次展览中的80后艺术家，她的艺术视角很宽广，她非常关注人在当下的心理状况、生存困境和情感遭遇。通过绘画，以及局部刺绣两种形式进行组合，她在大部分作品中，绘画性被平面化或几何化，反而，刺绣的质地显得立体而光滑，这是很吸引人的一个视觉特质。

叶紫是90后一代工笔绘画中非常重要的艺术家，她的画面中，身体与意象构成一种开放的关联，无论是内在部件器官还是外在机制躯体，这两个方面都有物质机体和精神机能两种不可调和的矛盾因素，两种因素始终处于相互转化的状态。

吴子珺作品包含潮玩、时装、艺术、人机交互、虚拟时装、VR互动、数字技术、IP视觉设计等横跨现实与虚拟场域的方向，致力于实现虚实共生的艺术作品打造。作品集中在跨学科中的时装设计、人机交互、智能材料系统的交叉领域，专注美学生活和未来艺术的多样化表达。

姜可心1997年出生于北京，13岁时便独自前往美国，开启艺术求学之旅。读大学时，她前往纽约帕森斯设计学院学习服装设计。她的作品热情奔放，并且对于抽象艺术有着自己独有的理解，同时，她也融合了其他更多元的艺术形式，来为自己的绘画乃至更广阔的艺术形式寻找新的方向。