当代中国画创作中的美学意境表现方式研究

□杜喜俊

美学意境是中国画艺术的灵魂，是中国传统文化中的重要内容，它与中国画创作相辅相成，不仅对中国画艺术有重要影响，对中国传统文化的传承和发展也有重要作用。当前，中国经济发展速度较快，人们对艺术作品的审美需求也越来越高，这对当代中国画创作的意境表现提出了更高要求。中国画作为中华文化的传统瑰宝，必须立足传统。如何将中国画与当代审美意境进行融合，让它更好地适应现代社会的需求，亦是当前中国画界的一个重要课题。

一、通过笔墨表现意境

在中国画创作中，笔墨是重要的表现方式之一，通过对中国画创作中笔墨的研究，可以更好地理解中国画创作的美学意境。中国画中的“墨”是指画面上所使用的颜色，墨分五色，主要是指通过水调节墨色多层次的浓淡干湿，而这些墨色所表达的含义与意境也有所不同。“浓墨”色泽浓稠，浓黑无光泽，适合景别暗部，勾勒或点亮；“淡墨”墨色浅，水比墨多，色泽清亮，一般用于起笔、远景、树木和石头的细节描绘；“清墨”含有极少量的墨色，颜色与水色相近，适于表现一些虚无缥缈的景物，如远山、云等；“重墨”比浓墨墨色更淡，亦称为灰墨，通常用来为画面深色铺色，或者表现物体的灰面；“焦墨”是没有加水的墨，颜色漆黑发亮，但是比较难掌握，经常用来提点画面。中国画的“墨”和其他绘画艺术形式不同，其笔墨技法能够准确地反映出创作者的审美理念和思想。当代中国画创作应充分运用“墨法”来表现主题。

（一）浓墨重笔

浓墨重笔是中国画创作中常用的一种绘画手法。“重笔”是指笔画有力，经常被用来凸显画面主体或强调线条主笔，能够产生强烈的视觉效果，吸引观众的注意力。在中国画创作中，画家通过浓墨重笔可以突出画面主题与中心，使画面有一定的空间感、立体感和层次感，也能使画面更厚重沉稳。但是在使用浓墨重笔时，画家应注意以下两点：

第一，要根据画面主题内容的需要进行浓墨位置的经营，这样才能使画面有主次感。第二，浓墨讲究“薄”，用笔要轻柔灵活，干湿浓淡形成变化，方能浓而不滞。

中国近现代国画家黄宾虹在作品中便多用浓墨重笔，在具体的绘画实践中，他追求墨色厚重，兼顾淡积墨、焦墨、破墨等多种墨法，代表作品为《富春江图轴》（如图1）。作品画面笔墨层层叠叠，主峰突出、小峰连绵，画面坚实苍茫，山石层层堆积却没有一丝杂乱，真正体现出了黄宾虹“黑、密、厚、重”的画风。

图1 黄宾虹 《富春江图轴》

（二）淡墨轻笔

淡墨轻笔是指用淡墨或浅色来表达山水画中的景物，使画面显得更空灵、清澈，呈现出一种“远山含黛”“近水含烟”的意境。在画中，淡墨轻笔能更好地体现出山水的自然之美和空灵之美，将人的情感融入自然中。例如，画家在画山水时用浅色来表达云雾缭绕的山水之美。“淡墨轻岚”也是画家用淡墨轻笔表现山水自然之美的一种绘画手法。在绘画中，画家多将“淡墨轻岚”这一表现方式运用到对人物及各种景物的描绘中，表达云雾缭绕的山水之美和自然之美。这种方法不仅可以有效地突出主题，还能使画面看起来更清新自然。同时，画家可将山水、人物、树木等景物进行合理搭配来增加画面的层次感和丰富度。五代宋初山水画家李成的代表作《小寒林图》《茂林远岫图》等作品，便多采用“淡墨轻岚”手法，在淡中求变，用笔由虚转实，山川水墨相融，于似与不似的笔墨之间，勾勒出栩栩如生的神韵。

二、运用色彩表现意境

中国画自古便重视设色。中国画的设色手法主要有：大小青绿、金碧、没骨、泼彩、淡彩、浅绛等。画家在国画创作中运用色彩是对中国画进行创新和发展的重要方式，主要包括以下几方面：

（一）注重画面和谐

协调画面是国画创作中非常重要的环节，其设色需要与作品主题相符，使作品符合艺术审美和创作规律。作画之始，画家需要考虑色彩的主从关系，突出主色、辅色、点缀色，在一幅画面中做到色彩相合，相互照应。古代画家在运用色彩时，技法各异，王概曾这样说青绿用色方法：凡正面用青绿者，其后必以青绿衬之，其色方饱满。迮朗曾这样说积粉法的使用：积粉之法，如画牡丹、芙蓉花之类，素绢蒙于粉本之上，以粉逐瓣染成，每瓣边上浓粉，另笔蘸水染至根头，是日积粉……画大红牡丹，亦有丹砂积成如积粉法，用脂及洋红染瓣边至根后，以淡朱标衬背，其红自鲜厚。中国画配色之法固然丰富，但亦要有主次之分，同时需要考虑作品主题和意境的关系，只有将二者结合起来才能更好地表现作品主题和意境，使画面呈现出和谐美感。

（二）体现艺术美感

中国画中的色彩不仅可以表现艺术美感，还可以传达出画者对意境美、生活美、自然美和艺术美的追求。在我国传统山水画的发展进程中，“水墨至上”思想较为明显。中国画创作中合理使用颜色，能够产生很好的视觉表现效果，更好地传达精神理念，特别是在表现气韵神采方面，注重将颜色关系和绘画主题结构有机组合起来，从而创造出完美的意境。随着当代中国画学科的不断发展，“中国传统色彩”自身也渐渐变成一种脱离“形”而存在的一种艺术语言。它不仅能用于造型，还能用于表达情绪。

中国画艺术大师齐白石一生对荷花情有独钟。他将荷花与各种事物结合，表现了对更高境界生命的追求与感悟。齐白石的作品《荷花鸳鸯》（如图2）用深红色的莲花与黑色的叶子对照，浓郁而厚重，两只鸳鸯并肩而游，朴实无华，别有一番情趣。

图2 齐白石 《荷花鸳鸯》

三、通过造型表达意境

在中国画创作中，造型是艺术形象的重要体现，它直接反映了艺术家的审美情趣和个人情感，对展现国画作品的美学意境有重要作用。因此，当代中国画创作者亦应注重通过造型表现作品的意境美。

（一）动静结合

中国画中所谓的“静”，即是与画中的“静”相对的状态，如“水动山静”“树动石静”“人动屋静”等。从画面构成的形态来看，对称即静态，均衡即动态。静态与动态可以是局部的，亦可以是整体的。所以，中国画可以是动态中包含着静态，也可以是静态中包含着动态，两者相辅相成。总的来说，动静结合是指在国画创作过程中，艺术家要充分考虑画面中的动静关系，并根据画面内容将其展现出来。例如，中国当代画家傅抱石和关山月创作的《江山如此多娇》（如图3），运用“全景”的构图手法，以青绿为基调，打破时空的局限，营造出一种大气磅礴的氛围。画家运用多种色彩进行点缀，画中四季交替、动静结合，同时将水墨、颜色和线条等元素融合到一起，表现出了奔腾的黄河、蜿蜒的长江，还有远处的高山平原、长城内外、大河上下等不同的自然风景。

图3 傅抱石 关山月 《江山如此多娇》

（二）虚实相生

虚与实是国画造型表现中常见的表现手法，虚是指没有表现出来的部分，实是指表现出来的部分。虚和实是相互联系、相互影响的，虚境可以为实境营造出意境，实境也能为虚境增添更多光彩。虚实结合主要包括以下两种表现形式：一种是以虚显实，即通过虚来凸显实；另一种是以实显虚，即通过实来衬托虚。以虚实相生为例，虚实结合能够有效地提升作品的整体意境。虚实相生主要包括两方面内容：一是将空间划分成两个部分，通过对空间划分的合理安排，让整个画面更协调；二是在画面中添加一些次要物体，以次要物体突出主要物体。

四、借助其他艺术形式表现意境

（一）平衡画面布局

中国绘画的构图通常可用题跋处理均衡问题。在当代国画创作过程中，画家可以通过题跋和落款印章对画面进行合理布局，使其更好地展现出画作的意境。如明代沈周作品《盆菊幽赏图》画的是明朝大臣傅瀚等人一起去看菊，结果菊花未能按时开，于是作“催花诗”一首，劝菊早点开花。画中秋水清澈，树叶似霜，菊花围绕凉亭，含苞欲放。三位士人饮酒作乐，十分雅致。此画为经典的文人聚会图，画中左边的诗词在画面构图中占据画面的三分之一，既平衡了画面，使图文呼应得当，又将明朝文人交游的雅致气氛表现得淋漓尽致，展现出了中国传统文化的魅力与意境。

（二）点醒画面意境

在中国画创作中，画家可利用多种艺术形式点醒画面意境，使人们在欣赏画作时能够感受到画作所传达的思想感情，具体可以通过文词、诗句等点醒画面，以衬托物象的美，加深画中意境。清代汤来贺在其《内省斋文集》中曰：“善诗者句中有图绘焉，善绘者图中有风韵焉。”方熏在《山静居画论》中指出，“高情逸思，画之不足，题以发之”。题跋不但能补全作品的结构和布局，而且能表现作者内心世界的思想。题跋与画中的内容互相补充、完善。一幅画中的诗与画的境界是相互联系的。在画中，我们可以看到诗的境界，让静态的绘画呈现出动态的生命感。例如，画家郑板桥多以墨竹为主题，且喜欢在画中题诗，通过画与诗的完美结合将自己对竹子的热爱之情融入作品中。

（三）装饰画面美感

中国文字语言的构成之美在于结合了抽象的思维方式，而且，同样的文字在不同的画面中会呈现出独特的形态之美，它并不拘泥于具体的范畴，就像是一首美妙而纯粹的乐曲。在中国画中，题跋并非一种独立的形态，更应成为绘画中一个有机组成部分。所以，在书写题跋时，创作者要根据作品的格调、意境与颜色的相互关系，从画面的整体构图出发，确定布局的格式、字体大小，产生“常中有变，变中有常”的艺术效果。印章原本是一种证明身份的凭证，具有验证的功能。自宋元之后，由于对书法、绘画、篆刻等方面的重视，文人画家逐步意识到其在创作中的重要功能。书法与印章相互映衬，既可为画面增添色彩、烘托氛围，又可调节画面中心，弥补版面之缺，达到稳固与均衡之功效。

在社会经济快速发展的新时期，人们的生活水平逐渐提高，审美需求也在不断提升，当代中国画创作要充分把握美学意境，创作出符合人们审美需求的艺术作品。同时，当代中国画家要通过不断实践，拓宽中国画画面的意境表达范围。随着社会的进步和科技的发展，中国画会遇到更多的机遇和挑战，这也在提醒我们，只有守正创新，方能行稳致远。