大画幅摄影的多样魅力

朱炯

寻找布达拉。果迅 摄

2023 年4 月，在北京798 映画廊举行了《重逢—第15 届全国大画幅摄影年会暨摄影作品展》。该展览汇聚的作品采用大画幅相机拍摄+ 化学感光材料为基底的技术路径。大画幅摄影没有固定的领域和僵化的边界。通过展览中语言风格各异的作品，摄影人的经验得到分享、思想得到碰撞。本期专题我们邀请了参与本届大画幅摄影展的4 位摄影人，以他们的作品为代表，展示大画幅摄影多样的影像魅力。

果迅的作品《废柴》是一组凝视现实社会空间的作品。镜头首先面对了一种静态的奇观。《废柴·翅膀》飞机怎么在树丛中？飞机不动，树叶却像是在飞舞；《废柴·过山车》旋转盘绕的过山车，倒映在平静的水中，没有一丝涟漪。作者果迅以湿版摄影见长。他用16×16 英寸玻璃底，湿版正片直接展示。这为作品带来了第二层奇观，是湿版影像的视觉独特性。大画幅相机拍摄湿版，特有的灰阶过渡而构成的深沉影调。它的景深相对狭窄，客观上曝光时间长，拍摄流动的水面、风吹过的树等动态景物，都与人眼所见以及当下摄影技术产生的视觉效果不同。湿版正片直接展示，带着玻璃材料的反光，使高光部分获得了一种实在的、可视的细腻光泽，也使暗部有了更丰富的层次，增加了影像的现实感表达。果迅的湿版作品在展览现场观看别具风格。这两层奇观共同构筑了照片风格化的视觉空间，使观众感受到作品中日常现实亦真亦幻，在肃穆的凝视中，人类社会与自然的交叉关系复杂并发人深省。

《废柴》拍摄于四川成都及其周边，他关注了这二十年来刚刚被舍弃掉的产物，淘汰下来的飞机改造为超市，景区倒闭后佛塔成为了真正的景区。果迅对当下的观看其实是一种精神的回溯。果迅的创作阐述表明，他镜头的定格里有残留的儿时记忆，也有对生活所在地成都的认知，更有他思考文明沉淀后的持久性问题。

《废柴》不废，它将日常拍成奇观。摄影者的凝视如此淡定，奇观也退到一个恰当的角落，安静地展开，即“表述了即将磨灭前的闪亮火焰。”

选自《西塘》之花窗。周向阳 摄

佟玉田的作品《异域》系列营造了一个神秘而玄妙的影像世界。深谙的黑白基调，仿佛是一个个无尽的黑夜，大自然中蕴藏的宝藏，从夜色的虚无中跳跃出来，发散出夺目的银色光芒。溪水绵延流动，石头反射着潮湿的光芒。但是溪水却有断崖式的边界，四周完全被黑暗吞噬，平面的空间也立刻转化为立体的空间。这组照片一方面以精细的影调层次展现了自然世界的魅力，另一方面又将现实风景转化为超现实主义般的神秘世界。作者佟玉田采用明胶蚀刻工艺创作，视觉语言的构成多样立体：正像、负像混合，化学药液不规则反应形成杂残影像的参与，乳剂药膜脱落为一层纱状的薄膜，影像变成了物质，再移动薄膜参与画面内容的创造，由此形成了紗和溪水的边界。

明胶蚀刻（Mordan?age）工艺是19 世纪末法国画意摄影时期采用的一种后期工艺。通常创作者是用已经印制好的照片来进行化学手段的二度影像处理。佟玉田则是直接在8×10 的摄影完成片底片上进行明胶蚀刻创作。这是非常具有挑战性的。“当胶片在药液里随着时间的增加而出现显性或隐性，剧烈或轻柔的化学变化，胶片上的影像会减淡，明胶脱落、漂移、消解、液化。胶片冲洗显影后会呈现让你意想不到的效果，也可能胶片成了一张‘透明白板，这一过程妙趣横生。”在经历了5 年千张大画幅底片的明胶蚀刻工艺实践之后，佟玉田进入可控影像的自由天地。用底片进行明胶蚀刻工艺创作，底片上的药膜面脱落后又重新组合，底片有厚度，且不规则，底片本身成为了一个独特的艺术品。整个创作更以一种破坏的手段完成了创新的视觉建设。

作品《车间》系列以精致的构图展开对废弃工厂的细致观察，以灰蓝色影调展现斑驳的机器和厂房。这种斑驳既有时间在老旧工厂留下的痕迹，也有充满活力的阳光洒向这被遗忘的空间而掀起的生命涟漪。作者在怀旧的蓝色调中，增添了局部茶色。被暖色渲染的方格子窗户使画面的秩序更趋于和谐，也突出了它局部的破碎状态。整个画面因为冷暖的对比而增强了空间感。钢铁机器上棕色的标牌被勾勒出来，视觉的强调引出社会历史故事的叙述。装金属液体的缸口，被茶色涂抹后，仿佛滚烫的液体流出来，交代了工业生产的动感。摄影师周向阳介绍《车间》系列采用蓝晒工艺创作，选用无酸水彩纸涂布，并用毛笔蘸茶叶水进行局部描绘调制茶色。摄影中的绘画方式很多，茶叶水也可以是一种神奇的丹青。

蓝晒影像是摄影史上最古老的工艺与影像视觉样式。人们会说，蓝晒操作简单、材料廉价，是最容易上手的传统手工工艺。其实不然。摄影师周向阳2012 年开始用8×10 胶片相机拍摄，2013 年，尝试蓝晒工艺。2017 年他完成宣纸蓝晒作品集《西塘》，入选年度中国摄影图书榜。2023 年，我在写此篇文章前给他打电话交流，周向阳毫不回避地说：“蓝晒很难，总是需要反复尝试，因为每一种基底材料，酸性度高或低都不同，获得的蓝色纯度都不一样，与具体的拍摄内容相联系，画面效果也不同。水彩纸相对好用一些，但有不同品牌、不同质地，还有用宣纸，以及其他的材料，更是每一批纸、每一个不同的产地，都需要进行实验。另外还有干燥度问题，江南太潮湿，不同季节要有不同的措施。还有画幅尺寸，蓝晒箱不够大，怎么做接片，曝光如何统一……”这位有着十年蓝晒实践经验的摄影师，一直在迎接挑战，并尝试突破。

《九儿》作品题目取自被摄女主人公的名字。这是一组庞大而厚重的作品，女性摄影师王乃功历时3 年，用大画幅相机追随记录九儿的生命悲歌创作而成。在照片柔和的灰色影调中，九儿平静地面对自我。这些照片带着观众靠近九儿，进入她的私人空间，更由此进入她的精神世界，感受她直面残酷的命运，勇敢走向生命终点的复杂情感。

摄影观看本身具有强烈的代入感，影像语言的运用则是摄影者进行主题表达的态度表现。大画幅相机相对正式、隆重，追随拍摄一位面对死亡的女性的私人生活并不具有常规的优势。但是摄影师王乃功与被摄者九儿达成共识，她们两位女性愿意面对生命的终极之路，以影像记录的方式留下生命的永恒痕迹。3 年期间，王乃功采用5×7 和8×10 大画幅黑白胶片，拍摄700 余张。室内大画幅摄影的狭小景深，强化了私人情感的内在性。低反差的灰色影调构成是一种平和的态度传递。王乃功说：“生命无常，九儿在迈向死亡的过程中感受生命，我有幸在这个貌似平静的过程中用大画幅记录下九儿感受生命的历程。”这是一份真实的记录，记录一个年轻生命枯萎凋零的残酷过程。摄影师毫不回避九儿的软弱与无力，直视现实就是最有力的生命态度。采用大画幅相机拍摄九儿，缓慢而庄重地拍摄，就是对生命最好的致敬。

在AI 人工智能的惊涛骇浪将无中生有的逼真影像推送到人类面前的时候，大画幅高品质影像特质及其风格化的美学追求在数字时代的洪流中持续探寻创新。这些作品的汇聚为我们提供了一个大画幅摄影的多样性，包括手工工艺及材料方面、胶片与数字结合方面、摄影题材和视觉语言的结合探索，等等。