如何成为舞台灯光师

董福友

舞台灯光是一门实践的艺术，同时也是一门感知的艺术。成为一名职业灯光师不仅仅是需要操作控台。技术的工作很快便能上手，更多的是如何用现有的技术去完成艺术创作，和各个部门有效地配合，一个舞台作品的完整体现需要更加深入地了解灯光、了解舞台。现阶段的很多剧团灯光工作者都是后来转行从事相关灯光工作，很多时候大家都不缺专业技术，缺的是一个学习方向。作为一名舞台从业者，我深刻地体会到学习和认知是一个循序渐进的过程，我将从对设备的了解、光色的感知、空间的塑造、剧本解读、情绪节奏的理解等方面去探讨分析，希望以此作为一个认知和学习的起点，真正地开始深入了解学习舞台灯光。

一、对设备器材的了解

随着现阶段科技的进步，加之创作者对作品的视觉要求越来越高，设备的更新换代达到了一个前所未有的规模。然而在这个更新换代的过程中，我们会面临新老设备交替使用的状况，有老式的成像灯、回光灯、碘钨灯、PAR灯等，又有各类全新的电脑灯，如电脑图案灯、电脑染色灯、LED灯、光束灯等，还有诸多各类效果灯、效果器。灯光控台种类繁多，各厂家也在不断地推陈出新，科技的进步使得舞台操控也更加直观便捷，大大提高了工作效率。此外，还有各式各样的放大器、配电硅等。繁多的种类就对我们了解设备提出了新的要求。首先我们需要去了解灯的特性和用法。以彩熠FINE 2500E wash型摇头染色灯为例，2500WASH标准型有21通道，21通道对应不同的命令，有换色、变换角度、调焦、色温等。这款灯型具有光照均匀的特点且无光斑空心现象，所以大多数时候我们在实际安装过程会将其做大面积铺光用，也可做一些局部渲染的使用。同时基于其可控性较强的特点，可为设计者提供更多的创作可能。

在了解灯型的特性之后，接下来我们需要将各类灯型合理地配接到調光台上进行调试操作。调试的过程是检查的过程，主要是检查信号是否错乱、灯具等设备是否完好，以及排查其他一些可能影响舞台演出的问题。以此来避免我们在接下来编程的时候出现不必要的延误。

二、对于光色的感知

在光色部分，我们首先需要了解光色的三原色和三原色所混合呈现出的不同颜色。光色的三原色为红、绿、蓝，红、绿、蓝三色混合为白光，两种颜色之间的混合会呈现出不同的色相。例如：红和绿的混合出的结果是黄色。因为灯光是可以通过亮暗来进行调节的，在混合色彩时通过不同的亮度混合会呈现出不同的色相。在实践中不断地去进行混合尝试，我们可以很好地区分对比色、邻近色。根据色彩的三个属性（色相、明度、饱和度）来区分不同的色彩。灯光除本身的色彩之外，在与景物的色彩混合上体现出的颜色也都是不同的，两者之间的颜色处于一个相互作用的状态。“舞台上的人物、景，本身是靠光来体现的，而光可以运用颜色来呈现和改变人、物等的受光状态和受光的颜色，以此去改变人、物、景在视觉中的感觉形象。”舞台灯光的颜色不同于绘画颜料的色彩。绘画是从二维平面上用颜料色块去塑造物体，制造视觉上的空间幻觉。舞台灯光是在空间中直接作用于物体，从各个角度雕刻物体，表现空间，实现多种色彩的和谐，保证空间的整体性和统一性。

三、对空间的塑造

这里所说的舞台空间是一个单纯的视觉空间的建立，也可以理解为一个视觉层次的界定。我们的演出场所大多数是在一个有限的空间里去形成的。尤其是剧场，多以镜框式舞台为主。基于舞台本身的局限性，对设计者提出较高的要求。对于空间的形成，起初可从光位的分布着手。例如一些常规的光位分布（面光、顶光、逆光、耳光、侧光等）。通过各光位的配合以形成不同的舞台空间状态。塑造空间一个最为有效的手段，是在光区和光区之间调配相应的黑色。在舞台灯光中，黑色是个相对的概念，是通过其他色光的对比反衬出的。而这种黑色能够有效地增强空间感。黑色可以使其他光色成为视觉的中心，强化视觉效果。我们在理解光色的特性之后，可以通过亮暗、色调、明度等特性结合舞美景、演员的调度等来进行空间的划分，如通过亮暗的调节可以将轻重、主次在画面中协调统一起来。通过这种处理可以引导观众视觉焦点的形成。

四、对于剧本的解读

灯光设计作为舞台创作的一部分，对于剧本的解读尤为重要，需要有一定的文学积累、生活阅历，从剧本题材、时代背景、风格、观念、人物性格等方面进行综合分析，只有在充分地读懂剧本才可有独到的见解。在拿到剧本的第一时间，我们需要对整个文本有个大概的了解，在这个过程中，我们需要寻求情感的共鸣。能够提升接下来深入分析的兴趣、热情和创作的冲动，并非为了设计而去读。在深入分析的过程中我们可以自己做一些相应的案头工作，如对时间、地点、人物、人物关系、情节、情绪等进行归纳整理，以提炼相应的关键信息。这样的工作可为之后整部戏的灯光风格基调奠定基础。

舞台灯光为“二度创作”的一部分，所以我把在与导演、舞美设计及其他创作部门在前期的沟通也作为对剧本解读的一部分，这是在剧本解读中各创作者的思维碰撞，有助于寻求一个统一的思路，也为接下来的创作提供一个准确的方向。

五、对节奏、情绪的理解

节奏和情绪是一个宏大的话题，这也正是所有的艺术形式不断探究的一个话题。也正因为这样，艺术有了更为丰富、更具魅力的一面。节奏在舞台艺术中是一种结构，不同的戏有不同的节奏，没有一个戏有一个一成不变的节奏形式，不同的设计者有不同的理解，创作手法也会大有不同。例如在对矛盾冲突的体现上，有的设计师会在节奏中强化这种矛盾，有的则以一种反衬的手法将节奏压住形成强烈的反差。戏剧节奏也有内部节奏与外部节奏之分，内部节奏即心理节奏，外部节奏为时间、空间、矛盾冲突点和现实与梦想等的节奏。例如在外部节奏中，从时间节奏出发，我们在遵循自然的同时，要照顾到剧情的发展变换，设计有助于推动剧情发展的灯光变化，带动戏剧节奏。写实的灯光变化，不仅强调了戏剧冲突，而且暗示和带动剧情发展，对整部戏的节奏具有促进作用。

光是一种精神辐射的产物，是带有情绪的。当它与表演融为一体、渗透到戏剧情感中时，它不仅能带动观众的情绪，而且能唤起观众的联想，从而形成柔和、刺激、朦胧等心理感受。舞台灯光从外部的视觉直观，向心理、内心世界等方面去寻求舞台灯光的表现力。舞台灯光在创造意境时，观众可以对人物、景物、情调、气氛有一个全新的定义。舞台灯光有指代、暗示、隐喻等作用，这些能使我们对人物的内心情感、戏剧的节奏以及戏剧主题等方面有一个全新的理解。在舞台艺术中，对节奏和情绪的把控度最直接的体现是能否打动观众，是风格体现重要的一面。

六、对主题的确立

戏剧主题最重要的还是中心思想，也是戏剧的核心所在。中心思想是对“世界”或“存在”提出的“问题”与“解答”。确立主题并非简单地阐述，它是要给观众带来更多讨论和思考地空间。舞台灯光在配合戏剧演出时，也应围绕中心思想来进行。多数戏剧所表现出的内容具有超越自身语境的意义，是从道德、人性、社会问题或是社会现象等角度对人进行拷问，拓宽了观众思维的延展性，对现实生活赋予更多哲学意义，这样的创作也为未来提供了更多的可能。

舞台艺术是一门综合艺术，从视觉到听觉，再到心理层面、社会层面等。随着科技的发展、社会的进步和人们思想意识的提高，无穷无尽的话题值得我们更加深入地去探究，从一个极简的角度说说如何成为一个合格的灯光师，这也仅仅是一个浅薄的认知。艺术的魅力在于我们生活方方面面，它来源于生活却又高于生活，正如列夫托尔斯泰所说，“艺术是生活的镜子”。