谈音乐剧中的艺术辅导

文字_黄娴瑾

音乐剧起源于美国，至今已有一百二十年左右的历史。二十世纪七八十年代，英国音乐剧逐渐开始兴盛，安德鲁·劳埃德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）创作的音乐剧逐渐传入亚洲。二十世纪九十年代初，我听到了音乐剧《猫》（Cats）中的歌曲《回忆》，虽然那时我并不知道这首歌出自何处，但其经典的旋律却已深深印刻在我心间。直到多年过去，我才知晓《猫》是一部音乐剧，或许我与音乐剧的缘正是在那时结下的。

音乐剧《猫》剧照

《猫》与《悲惨世界》（Les Misérables）、《剧院魅影》（The Phantom of the Opera）、《西贡小姐》（Miss Saigon）并称为“世界四大音乐剧”，剧中的曲目在日常的教学中自然也是极为常用的。在上海音乐学院音乐戏剧系担任艺术辅导老师的前几年，我经常与学生们合作这些作品。其实，音乐剧艺术辅导最初的工作就是与声乐老师合作、给学生们弹伴奏，与普通的钢琴伴奏大致相同。2004年，音乐剧专家罗兰·施瓦伯（Lorian Schwaber）来到上海音乐学院音乐戏剧系，在她的影响下，我开始尝试从一名伴奏者转变为合作者。

音乐剧《悲惨世界》剧照

罗兰·施瓦伯为我们带来了很多珍贵的曲谱资料，我作为钢琴伴奏参与了她的大师课，接触到了许多剧目和歌曲片段。也正是从那时起，我才了解到原来音乐剧所涵盖的音乐风格如此丰富。在与罗兰·施瓦伯合作、交流的过程中，我对音乐剧的认知也一点点加深。从教多年，随着经验、知识储备的不断增长，眼界以及思路的逐渐开拓，我开始思考如何与学生共同合作呈现好每一部作品，如何把握音乐与戏剧的关系，确立音乐戏剧理念，以及如何成为一名优秀的音乐剧艺术辅导老师。

探索之路

作为一名音乐剧艺术辅导老师，我始终在与演唱打交道。传统声乐唱法基于发声位置的差异与音色的不同分为美声唱法、民族唱法与流行唱法，而音乐剧究竟该使用何种唱法演唱，在当下仍存在争议。

在音乐剧发展初期，《悲惨世界》《剧院魅影》等作品主要是以美声唱法为主的。罗兰·施瓦伯到来后与团队在学校开设了系列工作坊和讲座，为大家更详细地讲解音乐剧唱法、表演、排演等多方面的知识。随着接触到的剧目逐渐增多，我们慢慢发现音乐剧的音乐风格非常多元化，用统一的方式去演唱或许并不十分合适。与此同时，我的教学理念也逐渐发生了改变。我时常思考为什么音乐剧会有多种演唱方式，其与我们传统意义上的美声唱法、民族唱法、流行唱法等究竟有何不同，如果从戏剧体裁、角色选择以及音乐风格的角度出发，声音的选择是否可以更加多元。因此，我开始调整自己的教学内容，优选音乐唱段，与学生一起尝试多元化的演唱方式。

01 音乐剧《西贡小姐》剧照

02 音乐剧《剧院魅影》剧照

优选音乐唱段，演唱方式多元化

选曲是否符合年龄，是音乐剧表演的重要特性，也是其有别于歌剧的一个标志。

《日落大道》（Sunset Boulevard）中的《惊鸿一瞥》（With One Look）是一首音域不宽，旋律、节奏简单，歌词也不复杂的歌曲，不少学生会选择它来进行演唱练习。但剧中的角色诺玛是一位年过半百的过气女明星，她的声音以及角色塑造是有特定性的，因此这首作品并不适合二十岁左右的年轻学生来演唱。

《芝加哥》（Chicago）是非常受欢迎的音乐剧作品，其中《爵士春秋》（All That Jazz）等百老汇风格的经典歌曲具有着鲜明的艺术魅力。但音乐剧《芝加哥》中充满了谋杀、出轨、暴力等暗黑色彩，并不适合低年级的学生来演唱。低年级的学生对剧本内容的理解会比较吃力，这会导致上台表演时非常刻板、空洞，情感张力不足，丧失了人物特性。

音乐剧歌曲的选择在一定程度上决定了声音训练的方向。因此，在教学中为学生选对曲目是非常重要的，选择合适的歌曲来教学是音乐剧艺术辅导的必修课。

从辅助方式转变为合作关系

音乐剧是一种需要合作的艺术形式，演员并不是音乐剧的主体，他们只是其中重要的一部分。不管是台前还是幕后，任何一个岗位都是不可或缺的，没有通力合作，就无法精彩呈现一部作品，只有每一个人都将细节尽可能做到精确、完美，大家才可能共同打造出一部经典之作。一个人的思维定式和习惯很难改变，默契合作对于任何一方来说都不是一件容易的事。作为音乐剧演员，更要学会倾听与观察，在舞台上呈现出完美的作品。

音乐剧的创作思路不同于一般以旋律为主体的声乐歌曲，作曲家在创作时往往需要通篇思量布局歌曲。在音乐剧中，音乐部分和演唱部分是一个整体，乐队或钢琴部分往往是演唱者没有说出口的“潜台词”，即演唱者的内心情绪或情感铺垫，这在桑德海姆（Sondheim）的作品中十分常见。而一些初学者在学习之初并不愿意用乐谱来练习演唱，而是习惯于通过听音频、看视频来“模仿”学习，不管是剧本语言，还是音乐风格，“模仿”学习的方式的确非常容易“上手”，但学习没有捷径，通过这种方法学习的学生久而久之便无法做到正常读谱练习了，一旦脱离了音频这根“拐杖”，就会出现节奏问题，导致无法演唱。罗兰·施瓦伯曾说：“养成一个坏习惯或许只是一瞬间，但养成一个好习惯则至少需要三个月。”养成良好的习惯非常重要，音乐剧演员在学习时不仅要学习演唱部分的谱面，还需要学习钢琴或音乐部分的谱面，为后面更好地合作打好基础。

从最初的辅助教学到真正以合作者的姿态进行教学，我对学生的要求也在不断提高。如果关闭自己的耳朵，只弹钢琴伴奏，音乐剧艺术辅导这个工作似乎算不上有多难，不外乎与学生多磨合几遍而已。但若想与学生的表演相辅相成，就必须做足准备，不仅要不断提升自身己的学识，还要在合作过程中学会倾听，与学生在歌词、节奏、呼吸气口、戏剧点等细节上进行默契配合。

从音乐转向戏剧

作为一种戏剧体裁形式，音乐剧中音乐与戏剧的关系究竟是以音乐辅助戏剧，还是二者平衡关系，学界分说不一。在我国，戏剧学院、舞蹈学院和音乐学院都设有音乐剧专业，根据自身的特色与优势，每所学校音乐剧专业的侧重点也有所不同。在美国，此类情况也比比皆是，甚至连“音乐剧”这个名字都曾有过争议，大部分人都称之为“音乐的戏剧”（Musical Theater），但也有一些人认为应称之为“音乐戏剧”（Music Theater）。对比二者可以发现，“音乐的戏剧”更偏向音乐为辅，而“音乐戏剧”则更倾向于平衡关系。美国的迦太基学院（Cathage College）便是以后者命名。迦太基学院是一所小型的私立学院，在课程设置上拥有很大的自主空间，因此该校将“平衡理念”作为学科建设的导向，在课程设置和安排上尽可能地把音乐、戏剧、舞蹈三者放在同等重要的位置上。此外，迦太基学院还利用剧目排练的方式把三门主课加以融合——该校的学生们清晨就开始舞蹈课，白天上完所有专业课，晚上是排练剧目的时间。

音乐剧《发胶星梦》海报

音乐剧是用音乐来讲故事，技术是基础，但情感比技术更重要。纽约大学音乐剧教授在大师课上曾给学生做过这样一组练习：先请一位学生演唱自己准备的曲目，唱完后，老师会为这首曲目设定一个情境（不一定是原剧的情境），并由自己或邀请另一位演唱者与其配合互动，明确演唱这首曲目的动机和想要达到的效果。在设定情境下，几乎每一位演唱者都会有更为生动且更具感染力的表现，演唱者的音质虽没有产生实质性的变化，但其音色却变得更加松弛、温暖了。通过这样的练习去引导学生体会并实践在演唱时如何表达真情实感，在演唱时不去过多关注声音本身，而将注意力集中在歌词内容的表达上，增加情感的真实度与可信度，在舞台上的状态也更松弛。因此，音乐剧演员仅仅拥有卓越的声乐技巧是远远不够的，讲故事的能力同样需要培养。只有两者兼顾，拥有全面且立体的音乐理念，才能促进自身未来的发展。

艺术辅导的发展与提升

2007 年，上海音乐学院音乐剧系新增设了一门专业主课——音乐剧合唱课。最初的几年，音乐剧合唱课开展得并不顺利。第一，学生们对于音乐剧理念的认识非常模糊；第二，由于学校声乐一对一专业课的设定，学生们对于独唱的兴趣远远大于合唱，甚至有学生认为没有必要参与合唱课程。但其实，只要是二人或多人的场景，就可能存在重唱与合唱，哪怕是一名独唱演员，在音乐剧中也一定会遇到合唱的部分，且与传统合唱不同的是，音乐剧中的合唱更多是服务于角色和剧情的，这是音乐剧的戏剧属性决定的。因此，音乐剧合唱课的实用性是非常强的。每当我参加完剧目排演，再次回归教学中，就会更加深刻地体会到其对于音乐剧排演的重要性。

紧接着，音乐剧系又增设了一门剧目课，将剧目排演作为正式课程纳入到了教学体系当中。剧目课开设在本科三年级，低年级学生学习的演唱、表演、舞蹈、合唱，在剧目课上得到了充分的糅合，为来年的毕业大戏做准备。而合唱课则作为剧目课的衔接课程，则为学生们排演剧目片段打下了坚实的基础。

我曾参演上海音乐学院音乐剧系创排的毕业大戏《发胶星梦》（Hairspray）。音乐剧《发胶星梦》根据1988年同名电影改编而来，2002年首次登上百老汇的舞台便广受好评。该剧主要讲述的是一个可爱的女孩凭借自己的不断努力，登上知名电视舞蹈选秀节目，实现自己的舞蹈梦，一举成名，并收获爱情的励志故事。整部作品场景庞大、场面众多，且包含非常多集体性唱跳片段。唱跳是十分具有挑战性的，集体性唱跳更是如此。由于该剧的人物角色丰富，剧中的合唱部分声部多、变化大，和声多为七和弦，内声部的变化音较多，且合唱形式也比较多样，既有领唱、重唱，也有大合唱。因此，排演这部作品首先要做的便是进行合唱部分的排练。

作为剧目课的老师和音乐指导，在排练这部作品时，我对其中的合唱声部要求非常严格，甚至大部分排练时间都用在了合唱上。因为我深知，如果马虎对待，之后一旦开始加入表演、舞蹈，合唱的部分可能会被忘却。作为音乐指导，我同时还要负责乐队的排练和指挥。最终，在大家的不懈努力下，《发胶星梦》顺利完成，反响强烈。那一届的同学，一部分已然是活跃在舞台上、非常成熟的音乐剧演员了，还有一部分留学回国后进入各个院校，也成为了一名音乐剧系的老师。

比起二十年前初始阶段的困难，现今无论是市场的认可度，还是人们对音乐剧的认识度都提高了很多，从上海近两年来的音乐剧市场火爆度便可见一斑。音乐剧专业面临着大发展的机遇，给我们的学生带来了更多的机会和挑战，同时对学生培养的工作也提出了新的要求。新时代的艺术辅导，在传统的声乐钢琴伴奏工作属性之外，是否还有更多的空间可以施展才华呢？答案是肯定的。我想，每一位老师也都正承担起这份责任，为培养出更专业、更优秀的音乐剧演员，努力开拓新的道路！