艺术境界

内容介绍

民族精神在作品的艺术境界中占有重要分量。它可以体现在作品的主题指向上，可以体现在艺术家的创作情怀上，还可以体现在具体的创作手法上。一些优秀艺术作品，能让人们在更深层次上与之实现情感共鸣和精神交流，从而使其艺术价值与艺术境界都得到升华，积淀起更为持久的艺术生命力。

人物一

丰子恺诗画境界

张斌

推算起来《丰子恺诗画》（文化艺术出版社出版）的写作始于3年前，那时我还是中央美术学院美术史系的博士生，学院给予我一系列写作论述的训练，逻辑学、方法论、社会学、美学、哲学等，不一而足。贯于写诗画画的头脑开始“见山不是山，见水不是水”，在校园灰色的砖楼间、零星散落在草坪上的后现代雕塑作品间，我彷徨不安，从冬天厚实的红色羽绒服到夏天轻盈的白裙子，我的身影伫立又消失，伫立又消失。

尽管我的选题是绘画中的“诗意”，尽管有意恢复“子恺漫画”为“子恺诗画”，但此时心中毫无诗意，怎能使论述尽如人意？开始时我只关注方法，深为西方学科强大的论述语境所迷惑，最直接的反应就是以为中国学术有不如西学之处，即其论述没有科学的严密性和具体性，像司空图的《二十四诗品》以诗评诗，评“冲淡”品为“遇之匪深，即之愈稀。脱有形似，握手已违”;评“自然”品为“俯拾即是，不取诸邻。俱道适往，著手成春”;诸如此类。读来虽美，但所论还是混沌，无条理，此方法实不可取。

我在文字里寻找回去的路，只想进入丰子恺的艺术世界去体验，把体验到的说出来，宁愿自己所说的是另一首诗或另一幅画。现在可以说是“见山还是山，见水还是水”吧。手持书稿，还是那样的一些文字，还是有这样那样的一些学科知识和理论，但个中消息已经透露——“易”之道是“周圆遍满”的法则，所幸我在懵懂中归复的正是这一法则，只是“百姓日用而不知”，我在修改原来的研究方法时无意间走上了正道。何为“易”之道，要约如下：“易简”是其“易知易能”的象;“变易”是其用;“不易”是其本体。象、用、体三者合而为完整的学问之道。对本书而言，“丰子恺绘画中的诗意”是象，“分析诗意的不同类型”是用，“千古不变的人情”是体;或可说“丰子恺的绘画”是象，“诗意”是用，“修道”是体。以此之道研究丰子恺的绘画，得出丰子恺的绘画同样遵循“易”之道，如其“易简”的题材和笔墨，学习古今中外的艺术传统而“变易”的绘画风格，绘画中富有“不易”的人情。对我而言，研究丰子恺是象，体味其中诗意是用，提高自我修养是体。

这“道”是极高明，极微妙，也是极重要的。而方法极平实地存在于论述对象里，二者相互依存，互为阴阳，极不易被觉察，难怪研究家们偏要苦心另去寻得一个特别的方法来，于是有了所谓的方法论。再者“生生之谓易”，此方法（易之道）不是机械、死板、吓人的架构，而是充满活力的动人气韵。学术界很重视研究方法，但往往在选择方法的开始就舍弃了这一大道，所套用的方法实为舶来品，故作艰深。志于学者不可不省。

（选自《人民日报》，有删改）

人物二

李可染：重新发现自然美

李可染产生革新山水画的想法，始于1950年。他当时的口号是“深入生活”和“接受选择”，用他后来的话说，是“精读大自然”，而精读的方法唯有写生。他的写生贯穿于50至80年代，而集中于1954至1959年，先后历江苏、浙江、安徽、江西、湖北、四川、广东、广西、陕西诸省，每次出去少则两个月，多则半年以上，都画回大量作品。最久的一次八个月，行程两万多里，得画两百余幅。为了一个好的景色，他经常徒步走数十里;每画一幅写生都要坐几小时甚至一天。在荒山野地之中，渴了喝几口凉水、饿了吃两口硬烧饼的境况是常事，有时还会遇到狂风大雨、急流险滩。为了写生，他付出了艰苦的代价。

中国画论一向提倡“行万里路”“师法造化”，近代齐白石、黄宾虹、张大千、傅抱石诸位名家，都是写生高手。主张以西方写实主义改造传统绘画的徐悲鸿学派，更把写生（素描、速写）作为法宝。那么，李可染的写生和写生主张有什么特点，与这些画家有何不同？

一曰“掌握自然规律”。在李可染看来，自然规律就是物象的“客观特点”，如结构、纹理、光线、质量感、空间关系等，掌握它们就需要先认识它们，在做法上则需做到又看又画。看只能得到一个模糊印象，只有写生才能真实具体地掌握它们。李可染有专门画树、画山的速写本，其中有一本题名《山的研究》的素描，画的竟都是山的照片。这种“掌握自然规律”的努力，在山水画家中是极少见的。

二曰“要发现前人未发现的东西”。这是李可染常说的一句话。他认为自然真实的东西变化无穷，前人不可能穷尽它。要突破前人框框，就必须对造化有新的发现。如何才能有新的发现呢？除了认真观察之外，他特别强调“不带成见”四字。他说：“抛掉成见，以为自己像是从別的星球上来的，一切都充满了新鲜感觉，就能发现过去未发现的东西。”

三曰“从对象中挖掘新的表现方法”。从写生开始，他就有意识地放弃传统笔墨程式，根据对象的形质特征和真实描绘的要求，寻找新的画法。他认为，凡是不能真实表现对象、不能真切传达现代人感觉的方法就应当放弃或改造。说：“形式要和现实结合，不然就没有生命。”

四曰“从丰富到单纯”。李可染画写生，最初极力追求描绘的丰富性。他比喻说，要像榨油那样，把景色的好处一点一点榨取出来。丰富之后，再追求单纯和整体感，最后取得寓丰富于单纯的效果。

五曰“酝酿意境和意匠经营”。李可染深知艺术不能一味描摹对象，因此经常强调对现实不能“愚忠”，不能把对象都画成“死的标本”。他提出“酝酿意境”，是指写生时要投入情感，做到景情结合。“意匠经营”，则是指精心设计表现手段，精心处理构图、形象、层次、气氛、笔墨，等等。

（选自“华夏经纬网”，有删改）

人物三

王维：诗画意境寰宇传

何明星 刘洋

在群星灿烂的唐代诗人中，王维是少数几个在生前就获得广泛知名度的诗人之一。杜甫曾用“最传秀句寰区满，未绝风流相国能”来形容王维诗歌的传播情况。确实，王维的诗歌，上接老庄清净无为、逍遥齐物之幽思，下开寄情山水、归隐自然的田园诗脉，开创了中国诗歌历史上极具特色的一个流派。

王维以“诗中有画、画中有诗”的意境获得了广泛的世界影响，甚至对于西方世界的影响要超过东方一些国家——如果说日本以僧侣为主体的汉诗创作对于王维的推崇与接受，不过是中华文化的传统基因再次发扬光大的话，那么王维在美国、法国等西方世界的影响力，则是一种巨大突破。寄情山水、物我合一的思想理念对于强调主客二元世界之别的西方价值观是全新的，因此20世纪初期的英语、法语、西班牙语等西方的学者、作家、诗人，都纷纷加入到翻译中国诗歌的行列中，并形成了一个新的诗歌创作形式——“仿译”中国诗歌。

加拿大诗人迈克尔·布洛克在1960年翻译出版了王维诗歌集《幽居的诗》，收入了他从意大利语转译成英文的《辋川集》组诗。该译本被联合国教科文组织评为“中国诗歌最佳范本”，收入联合国教科文组织代表作品集“中国系列”之中。迈克尔·布洛克深深感受到了王维诗歌所呈现的东西方世界观的差别，他在该书序言中写道：“我必须说，中国人对待自然的态度，即人被认为是自然的一部分，这一点与西方观点不同，即人被视为割裂的观察者与评论者。”美国诗人、“深度意象派”代表罗伯特·勃莱将“仿译”王维诗歌升华为一种带有绘画创作性质的艺术活动。他翻译出版的王维诗作，特别聘请中国艺术家创作具有中国古典山水意境的图画出版，以此充分阐释王维诗歌的山水意境。在拉丁美洲，获得诺贝尔文学奖的墨西哥诗人奥克塔维奥·帕斯化用唐诗到自己的诗歌创作过程中，如在1971年出版的诗集《回归》中，就直接引用王维“酬张少府”中的诗句来抒发思想感情。美国作家艾略特·温伯格与帕斯合写了《读王维的十九种方式》，从翻译和诗歌的角度解析了王维诗《鹿柴》在多种语言中的代表性译文。一位英国读者在美国诗人巴恩斯通翻译的《王维诗选》后面写道：“这些诗是美丽的。它们勾画出如此生動的山脉、河流、竹林、荒野和孤独的意象。我是这么地喜欢这些诗，真的很惊讶，这些诗在一千多年后仍然持有如此庞大的力量。这本小书提醒着我们，即使跨越几个世纪和遥远的大陆，艺术的影响力仍然可以如此深远和有价值。”

的确，正如这位英国读者所赞叹的，王维在千年前所创造的诗境，其安静、深邃在千年后日益繁忙、紧张的现代化社会，更具有魅力。

（选自《人民日报·海外版》，有删改）