浅谈舞台艺术摄影的创作

■张婷

摄影艺术，就是利用摄影材料、摄影语言，依据艺术家的主观审美理想，运用艺术的概括能力，通过个别的特定的具体形象，来表现现实的本质的艺术。舞台艺术摄影是摄影技术与舞台摄影艺术的结合物，是厚重灿烂的中国文化元素与现代高科技的光影完美融合的表现形式。舞台艺术摄影是在特定的时间、空间上创作的艺术形式，它和人们长期实践中的其它摄影不同，有独特的拍摄语境要求。同时，它也受客观环境的影响，比如：各种强弱灯光的瞬间转换、人物角色的动与静、拍摄位置等。

舞台摄影的一般特点可以概况为以下几个方面：

首先是光线的特殊性。舞台摄影通常是在室内舞台灯光照明下拍摄的，舞台灯光不仅能够有效地渲染舞台生动的氛围，而且变化性相对较多，不同灯光可以组合成不同的舞台效果。所以，在前期彩排拍摄时，应该针对灯光的转换色、灯光明亮度、柔光灯等进行分析和检测，了解灯具的位置、色彩变化、照射范围、明暗度等，以便于结合舞台实际情况，并适当利用后期技巧来修复照片的缺陷。

其次，舞台摄影的摄影间距变化小。目前国内大中型剧院都设有升降乐池和围栏以及1.5 米左右的走道。假设在最佳观赏点拍摄舞台，离演员有30 米左右的距离。依据以上情况，拍摄者使用24-70mm 变焦镜头可以拍全景，使用70-200mm 变焦镜头或135 定焦镜头可以拍中景或一、二个演员特写画面。

除此之外，舞台摄影的拍摄点相对固定。目前剧院一般设在室内，多能容纳1000 名左右的观众。演出时剧场要求大家遵守秩序，保持安静，不允许随意走动，避免影响演员的表演和观众的观剧效果。因此拍摄者不宜拿着相机到处走动，只能坐在自己的座位上拍摄，对相片取景造成了一定影响，这与室外摄影显然有很大的不同。

区别于普通摄影的舞台艺术摄影，因其独具的特点，具有特色鲜明的艺术创作方法。一旦掌握了舞台摄影所包含的摄影方法，就能创作出有内涵、有技术、让人眼前一亮的优秀作品。

首先，要掌握表演情节。视觉的表现离不开对现实生活的形态、色彩、空间等的“目有所感”。对演出情节的熟悉是摄影师能够如愿抓拍到理想中的优秀作品的前提。对演出内容的发展节点都看在眼里、记在心间，对演出的精彩部分有清晰的把握，加上开拍前选好的最佳拍摄角度、镜头焦距、正确曝光档级，才能展开忙而不乱的从容镇定的舞台拍摄。对表演情节一知半解的摄影师，很大程度上要失去、遗漏出彩的重点，造成不应有的遗憾。笔者的单位是群众文化艺术单位，每一次演出的连排、彩排，领导都要求笔者在现场观看，以便随后的演出中，真正做到胸中有数，不慌不乱地拍摄出与主题相映相趣的作品。

其次，要注重多重曝光动感呈现。与绘画艺术创作不同，舞台摄影注重对演出过程的原始见证与记录，其作品没有虚构和想像的成份。就常态而言，动态影像的呈现，肯定要比单一的画面具有更强大的吸引力、感染力和说服力，也更容易被人肯定和传阅。因此在舞台摄影的过程中，摄影师需要慎重把握舞台上的每一个动态，通过科学精准的摄影方法，让特定的静态的摄影作品幻化出流动的张力，使观者面对静态的画面，感受到“此时无声胜有声”的力量。而要想达到画面的动态效果，多重曝光的摄影方法就派上了用场。何谓多重曝光呢？就是增加一张底片的曝光次数，从而产生犹如万花筒般的神奇画面，层叠有序，神韵交错，魅力无限，又似是对立而放的两组平镜，幻化出镜中镜、镜中像的艺术效果。相较其它舞台摄影作品，它毋庸置疑可以将摄影师心中的画面依次生动唯美地组合在一起，构成美不胜收的动态感艺术摄影。因此在每一次的舞台拍摄中，摄影师一定要严谨勤奋，“心”“目”高度配合，充分把握好创作要领，发挥自身潜在的本能，提升舞台拍摄的成功率，使舞台摄影的艺术性有质的飞跃。

最后，要运用大光圈镜头的视觉冲击。现实生活中，很多摄影师都喜欢用成像效果更清晰更有质感的大光圈镜头进行拍摄，因为大光圈能使摄影师要表达的主题更加鲜明，促使图像呈现美妙的景深与虚化效果，是众多摄影师所追求的一种梦幻视觉。同时，大光圈镜头还有功能上的绝对优势：首先是较其它普通镜头的通光量大大增加，有曝光时间缩减的优势；其次，在物距和焦距没有变化时，光圈愈大，景深愈浅，效果自然是背景虚化，被摄主体愈加立体醒目。

舞台摄影师的担当责任，就是在恰好的时间段，捕捉表演者所释放的一切喜怒哀乐，在表情丰富的瞬间按下快门，定格观众心目中的最美神态和最精彩的画面。如若作品能够让观看者在第一时间就把目光锁定在图片主体上，延伸出视觉感和故事情节的连续性，想必会大大增加拍摄者对今后工作的信心。

那么舞台摄影应该怎样具体操作呢？

第一步，就是选择合适的相机和镜头。为了拍好舞台上的精彩画面，最好能选择数码单镜头反光照相机。笔者目前使用的是佳能EOS 5D MARK Ⅳ，此类数码相机IOS值高，连拍张数多，快门时滞小，自动对焦速度快，尤其在剧场低照度光线情况下能快速抓拍到运动中的表演人物，非常适合舞台摄影。镜头一般配备24-70mm 和70-200mm分别用于拍摄全景、中景和人物特写，在拍摄戏曲演唱，舞蹈等特写镜头时70-200mm镜头还可以起到很好的防抖效果。

第二，要正确选用感光度。一场剧目中舞台灯光是多变的，为了要拍到演员清晰的形象，抓取主体表演的精彩瞬间，往往需要拍摄者根据光线不断调整合适的ISO进行拍摄。对于灯光明亮的场景要适当降低感光度，以免出现曝光过度的情况。而灯光较暗的场景需要用6400 以上的高感光，根据场地的实际情况设置，避免出现照片噪点明显过多的情况。

第三，还要设定快门和光圈。一般来说，相同的焦段下，镜头的口径越大，光圈就越大，镜头的通光量就越大，能获得的有效光线就越多，有利于拍摄出浅景深的照片，但也会影响成像质量。光圈越大，意味着有更多的光线要从镜头边缘通过参与成像，这就直接导致了成像质量的下降。其表现为解析度降低，出现暗角或者是色散等情况。而光圈过小，就意味着光孔过小，通过的光线太少，也不利于高质量成像，甚至于在极端情况下，光线会发生衍射现象，从而降低分辨率表现。因此，镜头的光圈一定存在着一个最佳的成像光圈，能够结合快门和感光度实现最佳的成像效果。

摄影师按下快门的那一刻，就把主观意愿通过最典型的角色和最精彩的瞬间传递出来了。舞台艺术摄影是记录舞台表演的过程，更是基于摄影师自身的艺术审美、解析、品读进行再创作的温暧经历。为让舞蹈、音乐、戏剧、曲艺、杂技等，在不同舞台上倾情亮相，使繁荣于舞台之上的一切演出更加完整完美地呈现、传播、传承，也让昔日的观众目睹到摄影作品时，又回到观演时的美好时光，感受重临现场的心境，舞台摄影者在热情的工作之余，一定要认真梳理和总结每次拍摄的得与失，不辞辛苦地去了解和把握舞台表演的每一个神态，熟练掌握摄影技巧，创造舞台影像的大美境界，让静态的瞬间绽放流动的魅力，给时代发展留下难忘的精彩瞬间，给灿烂的中华文明留下厚重的影像财富。