论钢琴奏鸣曲发展

唐沛

摘要：本文以钢琴奏鸣曲的发展轨迹为线索，沿着音乐史的不同发展阶段，从宏观上梳理西方钢琴艺术史中“钢琴奏鸣曲”的发展脉络，阐述其对西方钢琴艺术发展与技术进步的意义。

关键词：钢琴奏鸣曲;发展;音乐史

早在16世纪就已经出现了“奏鸣曲”一词，而当时的“奏鸣曲”只不过代表纯器乐演奏的作品，并不具备具体曲式结构的形式与含义。直到大约1770年古典主义时期，才正式确立了大型三段体（呈示部-展开部-再现部）的奏鸣曲式，到了贝多芬（1770～1827）才将奏鸣曲的发展推至顶峰。不可置否，奏鸣曲体裁深度表现了音乐中的统一与发展，直至现在，人们依旧在其冲突对立之间，不断探索追寻。

巴洛克时期

提到钢琴奏鸣曲的发展，D.斯卡拉蒂（1685～1757）是我们无法忽视的大山。巴洛克时期的音乐旋律具有持续性，无论乐思如何发展，都只像陀螺打转，不会脱离音乐主题，呈现出连续不断的动机变奏，而D.斯卡拉蒂是最早用对比材料进行尝试的作曲家，创作虽不是真正意义上的奏鸣曲，但已经开始出现二元化，可被视为钢琴奏鸣曲的雏形。他创作的500多首键盘作品，最开始被称为“练习曲”，但因其具备了早期古典奏鸣曲式的特征，故而被后来的出版商称为了“奏鸣曲”，但这些曲子都是单乐章，大多采用了二部曲式并使用复调手法写作，还不具备奏鸣曲式的结构。尽管如此，他大胆冲破了当时羽管键琴的演奏局限，追求丰富的音响与表现力，对演奏者的技术要求达到了当时古钢琴演奏技术的巅峰，这些对钢琴艺术的发展与技术进步具有不可磨灭的意义。

从巴洛克到古典时期的过渡时期

18世纪的欧洲，充满着动荡和转折，封建主义正在向资本主义过渡，面对新时代的召唤，知识分子纷纷在文化艺术领域中，寻求新的发展，到了18世纪中叶，启蒙运动已经席卷了整个欧洲，此时的槌击钢琴已经作为新兴乐器出现，由柏林乐派提倡的情感风格开始在巴洛克晚期盛行，其中的卡尔.菲利普.埃马努埃尔.巴赫（C.P.E.Bach）更是柏林乐派的代表人物，他对钢琴奏鸣曲的贡献犹如18世纪的一座灯塔，为后世海顿、莫扎特、贝多芬等人照亮了前方的路。C.P.E.巴赫（1714～1788）是约翰.塞巴斯蒂安.巴赫的次子，有着得天独厚的音乐环境和家庭背景。他共创作了200多首键盘作品、52首键盘协奏曲、18首交响曲，还有许多室内乐和教堂音乐，以及大概250首歌曲。在他诸多作品中，最具代表性的当属《普鲁士奏鸣曲》（1740）、《沃尔腾堡奏鸣曲》（1742）和《行家与爱好者奏鸣曲》（1760）这三套钢琴奏鸣曲。

从他的键盘作品中我们可以看到，他的创作方式由复调手法到主调手法的改变，并创建了独奏奏鸣曲三个乐章（快-慢-快）的结构形式，乐章之间在调性、速度、节拍、风格上都形成了对比，他的副部主题常常来自主部主题的衍生，在表达情感的同时，使得音乐具有更强的内聚力与交响性。C.P.E.巴赫的慢板乐章常带有幻想曲的色彩，非常优美，是情感风格的最好典范，却又导致了另一个问题，慢板乐章更像一部独立的作品，三个乐章间少了连接性。他的创作中使用了同时代的装饰音，又提出太多的装饰音会影响情感的抒发，适度的装饰音才能既不破坏美感又能丰富已有的内容，这被当时认为是最权威的装饰音演奏规则。C.P.E.巴赫作为情感风格的人物，他为自己找到了奏鸣曲这一充满戏剧性的表达方式;作为巴洛克晚期的代表人物，他创建了奏鸣曲的基本曲式结构，为时代找到了另一种出路。

古典主义时期

古典主义时期，国家从奴隶制转向自由的现代秩序，人们反抗已有的制度与观念，在紧接而来的运动中，追求新的生活，在艺术中追求沉思冥想和心灵抚慰。“维也纳乐派”的出现影响了整个音乐发展潮流，与此同时，德国爆发了狂飙突進运动，无论文学还是音乐创作这片土地都极为的活跃与进步，路德维希·凡·贝多芬（1770～1827）用他那巨人般的音乐，在时代中大放异彩，他出生的1770年，刚好是古典奏鸣曲式被正式确立的一年，冥冥之中，好像注定了他要用奏鸣曲谱写出伟大的旋律。贝多芬一共写了32首钢琴奏鸣曲，被奉为钢琴音乐中的“新约圣经”，作为维也纳乐派最后一位人物，他不断继承与革新，把奏鸣曲中的结构、技术、色彩、力度、戏剧性等方面发挥到了高度水平，赋予了奏鸣曲无限可能。

（1）早期作品（1770～1800年）。共11首，作品更多是对前人的模仿，大多为四个乐章（在此之前，海顿和莫扎特从未写过四个乐章的奏鸣曲），第二乐章总是写的非常悲壮深邃，时长较长，篇幅较大。在早期作品中我们也能找到交响性的影子，

（2）中期作品（1801～1814年）。共16首，创作逐步成熟，具有强烈的英雄性，例如“op.57no.23热情”，已经具备成熟的奏鸣曲式结构，结构规整，情绪戏剧尖锐，内容具有浪漫主义的预示性。尽管此时贝多芬已远富盛名，却一直在创新与突破。例如“op.26no.12”，第一乐章不像传统的奏鸣曲为奏鸣曲式，而是用变奏曲式写作，这种体裁在巴洛克时期最为辉煌，但它只能大小调转，不能直接转调，失去了从I级到V级的对立，在贝多芬的笔下也依旧充满了戏剧性。捷克作家昆德拉在《小说的艺术》曾作以下论断：“贝多芬也许是最伟大的音乐建筑师。他所继承的奏鸣曲被看作是四个乐章的组成，它们通常是被随意专横地凑在一起，其中第一乐章总是比后面的乐章更具重要的意义。贝多芬的全部艺术生涯都被一个意志所影响，即要把这种拼凑变成一个真正的协调。所以他逐渐把重心从第一乐章移向最后乐章。”的确如此，从中期开始，他的奏鸣曲乐章之间开始具有深厚的整体性，例如“op.53no.21华尔斯坦奏鸣曲”，第二乐章可以看作是第三乐章的引子，小二度的动机在全曲有着很强烈的呼应，大的框架和小的结构完美契合，同时这部作品也拓展了钢琴技巧，将当时钢琴已有的琴键都用上了。

（3）晚期作品（1814～1827）。贝多芬在48岁的时候已经完全聋了，身体的摧残令他受到打击，最后5首不似中期的英雄主义，而是变得内向化、晦涩艰深却富有哲思。晚期作品中，他大量学习巴赫与亨德尔，常使用赋格、变奏曲的结构，运用了大量的颤音、极具色彩性的和弦等等各类旋律花式，并将不同性格的材料并置，它们相互对峙，形成疏离感。例如“op.106no.29槌子钢琴奏鸣曲”，这是他篇幅最长、难度系数最高的奏鸣曲，第四乐章庞大的赋格段呈现了复调对位的多种写法与方式。又例如“op.111no.32”，它由两个乐章构成，第一乐章的快板用到了赋格，展现出激烈暴躁的情绪，第二乐章为变奏曲，变奏间似音符时值的不断分裂，低音声部与高音声部构成庞大的空间感，制造出浓烈又克制的温情，具有深刻的哲思。在贝多芬的奏鸣曲中，我们能捕捉到关于人类所有喜怒哀乐与悲欢离合的情绪，他打破了器乐的界限，赋予了奏鸣曲最强烈的表现力与戏剧性，其严密的形式结构、鲜明的发展逻辑、形式与内涵的统一，使奏鸣曲达到了前所未有的高度，是继J.S.巴赫之后钢琴艺术史上傲然屹立的巨人，为浪漫主义开启了先河。

浪漫主义时期

浪漫主义可以被看作“艺术中的自由主义”，这一时期追求主观性的个性化，音乐家总是将自己的内心情感寄托在不可触及的幻境之中，尾声的分量感成为19世纪音乐倾向的表现，奏鸣曲的再现部与尾声在处理上的不同成为古典与浪漫最大的区别，舒伯特、肖邦和舒曼等人的作品都极具时代特色，但最值一提的是弗朗茨.李斯特的《b小调奏鸣曲》。这部作品开创了单乐章奏鸣曲的先例，将主题变形的手法发挥到了极致，音乐内部结构联系紧密，和声的紧张感与戏剧性在现代器乐中发挥到当时之最，甚至可以把它看作是贝多芬c小调奏鸣曲的续写。

20世纪以来

自印象主义时期开始，乐句写作不再那么规整对称，断句不清晰造成朦胧的色彩，但许多作品中仍能看到传统的奏鸣曲式结构。到了新古典主义时期，旨在复兴浪漫主义时期之前的曲式结构原则，又背离了古典浪漫主义时期的对称原则，代表人物有普罗科菲耶夫（1891～1953）。而到了表现主义时期的奏鸣曲式结构已经变异的十分明显，和声非常怪诞。美国乐评家保罗.亨利.朗曾说，“现代音乐的问题不是一个采用不协和音、古怪的旋律或奇特的音响的问题。而是一个哲学问题，是一个新的人生观问题。”奏鸣曲发展到现在，依旧值得我们永远探索，不断追求。

参考文献：

[1][美]保罗·亨利·朗.西方文明中的音乐.顾连理张洪岛杨燕迪汤亚汀，译.广西师范大学出版社，2014.

[2]于润洋.西方音乐史.上海音乐出版社，2016.

（湖南师范大学 长沙 410006）