浅谈戏曲演奏员的突破和发展

裴更生

【摘 要】作为戏曲演奏的主要形式，在戏曲构成中属于不可或缺的一部分。在戏曲表演过程中，演奏员能够随着剧情人物的情感变化，敲打出抑扬顿挫的音乐。作为戏曲音乐的主要构成部分，其能够完美表达人物的情感。毋庸讳言，随着历史的发展，戏曲打击乐也在不断向前发展、进步。而在当前时代背景下，想要其得到很好发展，需要从以下两方面付出努力。

【关键词】戏曲;演奏员;突破;发展

一、戏曲演奏的分析

戏曲乐演奏在我国有着悠久的发展历程，随着时间的推移，戏曲乐演奏形成一套自己的演奏体系。演奏是戏曲中的重要构成部分，也是戏曲伴奏的主要形式，主要是通过运用槌、板击打的形式来发出声音，为戏曲伴奏。演奏可以根据戏曲中人物情感的变化、剧情的推进以及环境气氛的变化来改变敲打的频率和速度等，发出高低、快慢各不同的音乐，符合戏曲对伴奏的各种需求，从而为戏曲舞台表演做出必要的补充，使戏曲表演更加的丰富，饱满。随着时代的发展，各种文化都在不断的发展，戏曲打击乐演奏也应该顺应社会的发展，时代的进步，不断的对自身进行突破和发展，促进我国戏曲打击乐的不断发展。不仅仅只是跳弓这个单一的演奏技巧，乐队演奏中与独奏演奏中最大的区别在于，独奏演奏是一个人在演奏，只要独奏者演奏出来的效果是正确淦释了作曲家的创作意图，符合作曲家的乐思及处理，独奏者均可白由的选择在自己最舒服、最放松的狀态下去完成乐曲的二次创作。然而在乐队演奏中，演奏者处于一个群体之中，每位演奏者都只是其中的一分子，每一个声部里的每一位演奏员都需要聆听和观察，并同时快速的调整自己演奏的音准、音色、强弱力度、音乐处理等等，力求和其他演奏员的演奏融合在一起，以达到一致的音色和音效。因此，对于乐队演奏中最重要的是一个声部中的每位演奏员都做到速度、力度、弓段、弓法的统一，音乐表情、乐句长短、以及音乐处理的一致等等。

在这样的前提下，演奏者首先要做到的是必须融入整个乐队的演奏情绪中，其次是根据个人习惯来调整自己的演奏状态，做到兼容并蓄。在乐队演奏跳弓时，演奏者需要调整自己跳弓的弓段，控制跳弓跳跃的高度、力度、清晰度和跳弓的快慢，并同时仔细聆听和观察乐队其他成员的演奏，以便融入整个声部，达到音质和音色的高度统一。

在我国传统的演奏中，演奏的乐器有很多，包括鼓、木鱼、梆子以及锣等。在这些打击乐器中，鼓可以分为很多种，有堂鼓、司鼓和单皮鼓等，在鼓演奏的过程中把鼓放在木架上面，用鼓签敲打鼓面，从而从鼓中空心的部分发出声音。板又叫拍板，主要是由三个长度宽度分别约为二十公分、六公分的木板构成的打击乐器，可以用杨树木或者红木分别构成。这三个木板可以分成两组，一组是由两个木板构成，两个木板被绳子拴紧，成为前组，一个木板是后组，然后再把这两组绳子连接起来，通过木板的相互撞击发出声响，为戏曲伴奏。梆子也是由木头做成的，主要是由两根长短不一的木棒组成，长的那根木棒比较粗，比较粗形状是圆形的，断的那根比较细。在进行伴奏的过程中，主要是左手拿长木棒，右手拿短木棒，通过二者之间的打击发出声响，为戏曲伴奏。在戏曲打击乐器中，经常会用到锣，包含大锣和小锣。一般的锣都是由铜制作而成的，圆形。在用锣演奏的过程中，左手拿锣，右手拿木棒，通过木棒打击锣面而发出声音，一般大锣发出来的生意都是比较高亢的。小锣的制作原料和方法与大锣相似，但是比大锣小，敲打出来的声音也是比较清脆的。最后说一下司鼓，就是指挥人，司鼓在指挥的过程中需要保持动作规范，两手的动作要统一，同时起着开、领、转、收的作用，充分发挥司鼓的引导作用。

二、在继承传统的基础上实施革新

演奏员在戏曲伴奏中的运用，是一个缓慢而长期的过程。从某个角度看，时代在不停进步，观众的审美需要也在不断改变，这就给戏曲人员提出了新的要求，他们必须不断革新，才能将演奏员逐渐推上现代化发展之路。而从另一个视角分析，现代科学技术发展速度逐渐提升，声音、光电方面的革新也不可同日而语，西洋混合管弦乐队在新的戏曲曲目中被大量使用，戏曲乐队开始迈进现代化发展之路。在此背景下，演奏员也在不断地向前发展，在继承传统的基础上不断革新，以期在戏曲表演中实现音乐交响化、立体化的目标。面对这种情形，作为一名打击乐演奏员，若再固守原来的几种打击乐器，使用传统的打击方式进行演奏而不做出改变，势必会被时代所淘汰。只有在演奏技巧上多做努力，不断打破传统，与时俱进，力争革新，才能真正发挥打击乐的用武之地。打击乐的革新还需要从司鼓下手。作为一个乐队的灵魂，其是整个乐队的领军人物。戏曲艺术是演员和乐队全力配合的产物，司鼓的作用则是协调演员和乐队的桥梁，是乐队演奏的关键。司鼓能够帮助演员传情达意，统领剧中人物感情的节奏。换句话说，司鼓传达的就是命令，是整个戏曲的节奏，音符是文字，而旋律就是语言。司鼓正是借助板和鼓声的传达，实现声音化的指挥与演奏，让戏曲音乐具备了一种特殊的艺术表现力。为了顺应打击乐革新的需求，在编制新的戏曲曲目时，按照乐队伴奏的需要，专门进行“设计”，这给司鼓制定了更多的要求。首先，司鼓要在实践过程中强化不同戏种中所运用乐器的认识，更为妥善地利用个人演奏技巧，挑选适合剧情需要的鼓点当做打击乐的主题，将传统的鼓点调整组合，适当地改变力度和点法，实现乐音在高与低、轻与重、强与弱、远与近等方面的協调均衡。其次，司鼓要遵照戏曲情节发展的需要，将素材整理之后，充分展示其内涵。司鼓要做的就是依照打击乐器的各种角色需要，从多视角、多层面创造意境，获得丰富的艺术效果，让观众能够仔细品味，留下联想的空间。最后，司鼓要将打击乐和弦乐联系在一起，让每一部戏曲都有自己的特色。在营造声势动感的同时，要让观众充分感受到戏曲的情感所在，要营造其应有的意境，充分展现演员的神韵和风采。通过灵动而鲜活的节奏与音律，完美地展现戏曲独有的艺术魅力。而要实现这一目标，司鼓人员需要多多学习，不断提升文化、艺术修养，增加对艺术的感受力。只有坚持信念，不放弃努力，才能在继承传统的同时实现革新，最终创新出优秀的戏曲作品。

结束语

总之，全出戏舞台节奏的控制与调节，戏剧气氛的渲染和艺术结构的统一完整，都与鼓师的指挥有关，他是使音乐演奏和舞台表现紧密配合的枢纽。他所用的锣鼓点、速度、力度的处理，不同点子的变化转接等，都必须是根据舞台演出的需要而掌握的。一名合格的演奏员，首先要对自己掌握的乐器有全面的了解，同时具备精湛的演奏技巧。合格演奏员掌握乐器基本功夫是决定演奏员合格与否的根本。演奏员是通过乐器来表现出来，一段音乐、戏曲唱腔、情感，没有好的基本技巧是如何也表现不出来的，就演奏不出来乐曲的内涵，就如歌唱演员有嗓子不会用。再谈演奏员的乐感。怎样衡量一个人的乐感是否具有高质量、高水平？我认为，好的乐感应该具备以下基本特征。

（作者单位：江苏省柳琴剧院）