中国绘画中关于“似与不似”之间的关系

沈国卿

（河南省话剧艺术中心，河南郑州 450000）

1 中国画“形与神”关系

中国画；讲求“以形写神”，“神情并茂”。追求“似与不似”之间的神妙感觉。西方绘画；追求焦点透视，是求物体真实形状，“以形写形”，求于物体的“三度空间”，也注重“神”的表现。讲究画面的整体、光与色的变化。西洋画“再现”了艺术，中国画“表现”艺术，这种说法是非常对的。“形”与“形”之间，在绘画中不论是中国绘画还是西方绘画，都有着不同的绘画语言和追求。“形”在中国绘画中，画面的每个物体形状。都离不开有“形”的生命，和无“形”的生命。山水画中的“形”，包括山、树、云、水、道路、河流、小桥、房子等构成了一幅美丽的中国山水画卷。

2 戏剧舞台上的“似与不似”的关系

我们在看戏剧表演时，演员手拿着一个鞭子当做马，在舞台上骑着、跑着、唱着。他虽然骑的是假马(也就是骑个马鞭子)，但是他的表演是在骑马向前跑。这种在舞台上的表演。也是在“似与不似之间”的表演，它抽象的反映了生活中的故事，也形象的表述了在戏剧里的表演艺术。因此说，生活和艺术，不能同等，看似随意描绘的戏剧作品，内在却有着严谨的形式意味，剧中人物特性和马的微妙之处的捕获也是极为感动人心，在“似于不似之间”平衡得非常精妙，散发着一种舒畅、恬静悠然的情态，给人以亲切的享受。

3 中国画“似与不似”关系

绘画上的“似与不似之间”的关系在绘画上，齐白石老人提出了：妙在“似与不似之间”方为美， “太似为媚俗”“不似为欺世”媚俗、欺世皆为丑，唯独“似与不似”之间，方为东方艺术之美。“似”是艺术的重要特点之一，“似”就是讲求真实。艺术来源于生活，只有反应生活中真实的艺术品，才能有生命力。所以艺术有了“似”才能堪称为美的艺术品。一幅好的作品，必须是反映生活中真真切切东西。在一定意义上，艺术品一旦去了反映生活的真实性，也就失去了艺术品的价值了。唐代张彦远明确指出：夫画者，成教化，助人伦，穷神变，测幽微，与六籍同功，四时并运，发于天然非由述作。要求在作画时，孝法于自然万物之形“似”。求教化，求人文，求神韵，求最高境界！潘天寿说：离形与色，即无绘画矣。也强调绘画中的“似”。如果绘画中的“形与色”，同生活中的“形与色”没有本质上的相似之处，那么艺术品就不能起到感动人心的作用，“似与似”真的不能在生活中体现了。又如明代画家，王履说：吾师心，心师目，目师华山。艺术来源于生活，生活中就不可能沒有艺术的产生。反之，一个艺术形象被歪曲，它也就失去了存在的美学价值。传说：有人画美人，画不好，就改画张飞，又不像改画大树，还不像就改画成怪石，最后怪石也不像，只有涂成一片黑墨了。像这样什么都不是的画，不能成为所谓艺术。任何成功的艺术家对生活中“似与不似” 有做很深理解和研究，找出了最高的境界来。对艺术的“似”，一定要尊重，但“似”又不是艺术的最高要求，虽然艺术源泉是生活，而艺术绝非生活中的翻版，艺术是通过每个画家多年经验水平创造出的，不是天生的。

4 一切绘画艺术来源于生活

生活是绘画艺术的源泉与再现,艺术不是素材的简单再现，它是在生活的基础上，通过艺人之思想、学养、才能与技法，艺术之境界才能全面展现。画家不是画标本，而是塑造生活中的各种艺术形象，也就是说要塑造典型环境中的典型性格，因此艺术又不能太生活太“似”。生活是丰富多彩的，千变万化的，如果生搬硬套，那还有什么艺术可言？如果不加以取舍，不提炼不浓缩，也不能成为艺术品。一头牛全身都是毛，你怎么去画呢？万里长江图又怎么画呢？踏花归去马蹄香的“香”怎画？蛙声，十里出山泉的“声”又怎么画呢？因此在绘画中只能多思考，只能妙取，不可强求。触目纵横空千万朵，赏心只有两三枝。要真实的画出这千万朵来，那就没法画了，这就说明，艺术再现生活时不能太似了。 古诗中的白发三千丈，黄河之水天上来，绘画上面，竖划三尺寸，当千仞之高，横墨数尺，体百里之迥。所描绘的这些诗句。在画面上是表现不出来的，都需要画家，对自然的认识，用点、线、面来绘画出“似”的一面，也需要画出物象的不似的一面，真与假，在“似与不似”中求索，因为经过选择，提取，进行升华，再创新。用艺术再加工手段给文学艺术反映生活提供了广阔的天地。绘画是通过线条、笔墨、色彩，形状等，一系列艺术手段来反映现实生活的真实面，它是以生活为基础。在自然资源上，对艺术的再创造，虽然艺术不同于生活，但它来自于生活，又高于生活，高于生活的主要标准是，它取之于我们生活中的精华。艺术的创造来自于，“人为之文”，潘天寿说：“天有日月星辰，地有山川草木的自然之文”，因此，在绘画中一定要把“自然”和“人文”结合在一起，尽管，艺术不同于生活，画面又不同于生活的切面，但也堪称之为美的艺术品。它的审美观点，必须是真实生活的反映。在一定意义上，艺术品一旦去了反映生活的真实性，也就失去了艺术品的价值，人们为什么要创新艺术，是为了把美好的、有时代感、有宣传力、有崇尚的高品质的作品传下去。它不仅能教育后代，还能丰富人们的精神和文化生活。在文学艺术作品里面，都不是生活的全似，而是创造出更多包含着作者主观感受，和为此调动各种艺术手段，来创新作品。唐代张璪提出来的“外师造化，中得心源”主张，这就是中国画的创作规律。

5 艺术创作的最高境界

宋王微在《叙画》一文中提出，“画之情”，主张山水画家须对自然美景发生感情，内心有所激动，也就是：望秋云，神飞扬，临春风，思浩荡。所渭登山则情满于山，观海则意溢于海。可见不管是论文还是论画，我国古代的文艺创作理论，都是血脉相通的，同后来说的情景交融、“外师造化，中得心源”意象造型都是统一的理论。就是把自已的感情移入审美对象里面。理论阐述了，一幅山水画的创作过程中，是自然美、生命美、艺术美、而只有这些美在“似与不似”之间，作品才有魅力，才能引起作者或观赏者美的感受，身心愉悦的结果还能产生提高道德情操、改善人们生活品质。不能真实的照抄物体的真正一面，也不能一模一样。太似，太像，不是真正的艺术，所以齐白石大师说：“太似为媚俗”不能太似，这一观点又是艺术创作的另有一个重要法则。什么是艺术创作的最高境界？清未画家石涛题诗说：“画山似之山必怪，不似之似当下拜”。在画家的眼里，“不似之似”是最美的艺术，“似与不似”，也是其大“似”遗其小“似”。就是抓住本质，丢掉表象，就是形神兼备。是艺术的最高境界，也是艺术创作辩证法则。

6 自然是绘画艺术最高的再现

徐悲鸿用水墨线条创作出，生动的《八骏图》它反映了广大群众，发扬俊马的精神，勇往直前，奔腾不息！齐白石所画的虾，人们一致称赞像、画的好，其实画面上的虾不可能和池中的虾，一模一样，活蹦乱跳，对他的称赞也只是艺术而言，说明虾被他画的生动了，但这个艺术上的像，不是轻易得来的，是画家几十年来心血汗水磨练的结晶。是从“不似到似，又从似到不似”是对辩证法，深入理解并创作的结果。他画的虾，为了艺术造型上的需要舍去了更多虾的腿和部分的胡须，这种大胆的取舍不仅没有损害到虾的形象，反而使虾在画面上更加生动，灵动起来。因而更加具有美感的效果。齐石老人在艺术上的一再变法，无不为了追求“妙在似与不似之间”的艺术最高境界！

扬州八怪之一的郑板桥，给我们做出来形象的描述：“江馆清秋，晨起看竹，烟光日影，露气皆浮动于疏林密叶间，逐有画意。其实胸中之竹，并不是眼中之竹也。因而磨墨展纸，落笔倏作变相，手中之竹又不是胸中之竹也”。画家，面对眼前的竹子，兴致勃勃，胸中产生竹的意象，于是就有了，逐有画意。这个胸中之竹，以不是眼前地上的竹子了，它包含对竹子的感受，感情等的思考，概括竹子的外形，更加升华了竹子的生命的精神。把胸中之竹画到纸上，当笔锋接触到纸上的瞬间时，整个过程就完全由艺术创作的规律所支配了，不是可以随意涂抹了，而是经过，倏作变相，成了手中之竹，自然这个手中之竹，要不同于眼中之竹了，感觉不同产生的艺术效果也不同了，形象同，这个更不同于胸中之竹，正由于逐步的不同而产生艺术的形象。这个“神似”的艺术形象正是概括加工了一些“形似”，后而得来的“不似之似”。因而就有典型的意义了。“画到精神飘没处，更无真相有真魂”，可见，艺术的价值，不在乎多少“心形似，而在乎“似的形”上面是否有真魂。似与不似之间”，说明了艺术作品和现实生活之间的互应，说明了造型艺术和“形与神”的辩证关系，以及“神似而形不似”在艺术作品中的主导地位，中国画的创作和欣赏历来遵循“不似中的似”的艺术法则，这正是我们民族绘画艺术优良传统的展现！