浅谈影视创作中预告片的剪辑技巧

许彤彤

一、剪辑技巧

先明确一点，我们剪预告片时，几个镜头剪成一组，几组镜头构为一幕，三幕或者四幕就能组成一条完整的预告片。

1.一组镜头只需说清楚一个意思。如果你加入了不是这个意思的镜头，就会突兀。显得乱。

2.一组镜头讲完后，再去讲下一组镜头，逻辑上或者情绪上要有承接或者递进。不要一组镜头还没讲完就开始下一组镜头。

3.幕与幕之间，要有大的逻辑串联。拿《小时代1》的先导预告举例子，第一幕起势，第二幕主角亮相正常世界，第三幕关系恶化进入低谷，第四幕事件和人物有了更丰富的变化进入高潮。

下面说的剪辑技巧，以组为单位。

1.镜头之间的视点和动势

A视点就是视觉重点，上个镜头的视点结束在画面左侧，下一个镜头的视点就尽量从左侧起。

B动势变化要顺。这个看具体情况处理。如果你仅仅把动势顺着方向或者快慢“接上”，那么看起来虽然连贯，但不知所云。好看的动势要像书法。有断有连，有急有停，有粗有细，有起承转合。

2.根据音乐，普通镜头的剪辑要故意不压在节奏上，重要镜头压在节奏上

3.“刺激——反应”链条

剧情片里，说出的一句话，要接住。（用别人的反应、事件、不相关的话语等来接）

爱情片里，抛出的一个媚眼，要接住。（某人的媚眼，他人幸福的表情等来接）

动作片里，射出的一颗子弹，要接住。（东西被打烂，炸弹爆炸，死亡情绪等来接）

“刺激——反应”链条，是一组镜头最常用的叙事方式之一。有刺激就一定要有反应，一组镜头才有结束感，结束之后再开始下一组镜头。

4.跳切、快放、快闪夹黑帧、慢镜头

镜头节奏变化：快接慢;近景接远景;几个格斗，加个大场面;几句对话，来个爆炸等，永远要给出变化，要有能量的起伏。

5.起高潮之前压低，高潮后要安静，再起更高的高潮。

通常，开枪爆炸之前，可以剎住音乐，让整个音响安静下来，情绪稳定下来，再起开枪或爆炸。这样做是为了让高潮显得更高更有力。通过能量差产生对比，做强效果。

二、音响音效设计

音响设计涉及到的声音层次有三层：音乐、旁白、音效。

好莱坞预告片的音效使用量是非常小的，随意打开一支好莱坞大片的预告，旁白和音乐占音响总量的90%，只有在关键的地方才有一两个音效。他们的预告重点在于叙述，用镜头，台词建构一个新的语境，而音效次于叙述内容这个主体。

反观国内制作的影视，受市场化和商业性的限制，演员演技，导演功力，美术置景良莠不齐，这就直接导致一部影片的质量，而预告作为人们对于一部影片的第一印象，往往是要脱离于正片，用夸张的手法解构重建一个故事，以下体现在混响设计上：

原理是：“此起彼伏，有起有伏”。

1.有起有伏

从大的音乐结构来看，做到“有起有伏”，音乐的能量不要一直高或一直低，需要变化。一般做音乐，同一个旋律走两小节，就要变化。要递进、中断或者旋律发生变化。否则观众看的时候会产生疲倦。

2.此起彼伏

这里主要指音效和对白需要此起彼伏，简单来说就是“有音效的地方别有对白，有对白的地方别有音效”，“音效和对白不要打架”。以剪辑师为主，在剪辑时就应该注意，音响设计师做辅助。

观众在一定时间流里面能够接受到的信息是有限的，预告片属于高强度的信息流，对于观众注意点的设置一定是排列有序而不是挤在一起。

所以大家看标准范式的好莱坞预告片，大的节奏设计通常是固定的：“说几句话”+“插个音效”，完成一组镜头。对应剪辑就是：几个叙述镜头加对白或旁白+能出音效的镜头。

3.其他

音响在频率上大致有“高、中、低”三个频率段，许多新的预告片公司作品，往往听起来不够饱满、衔接不够顺滑。

首先是忽视了氛围音，简单说是低音的填补。有一些耳机几乎听不出来的长长的“嗡”“呜”的低音，我们是会随着音乐能量的起伏，压在音乐下面。这一层面很重要，缺少了就会让音响变得很单薄。

其次是音效的融合度不够。同一种类声音，例如开枪的声音，乐库里面可能有一千种音效，你要找到能够融合进整体音响里面的那一个，融合度低的音效，就像一段光滑木板上面的倒刺，很扎手。

最后是衔接处理要顺滑。一部电影预告片会用到好几段音乐，成百上千种音效。这么多的元素拼在一起，在音乐制作上，要联合好每一处细碎的元素，最后体现在整体才能自然。