从黑白交响到天地氤氲——我的绘画追求历程

祁海平

祁海平 雨过天青5 布面丙烯 60×60cm 2015年

我一直认为要画好一幅画并不难，难的是路该怎么走。回顾自己的发展过程，真可谓是“众里寻她千百度”，总结起来大概经历了三个阶段：1.油画语言研究；2.自我意识的觉醒；3.文化角度的明确。形式上也经历了写实、表现和抽象的演变过程。

一、油画语言研究，向大师学习

我开始学油画时，注重写实基础，重客观规律和描摹对象，并不注重个性的表达。后来认识到油画语言的重要，1988年去鲁迅美院法国专家伊维尔技法班学习了一套严谨的油画技法。1989年考入中央美术学院油画创作研修班，在写生研究的同时，以印象派大师德加为范本进行揣摩研究，从洗练的素描线条到写意的用笔，从构图的切割到色层的皴擦，从严谨的造型到混沌放松的状态，收获不少心得。不过有一点我一直是很清楚的，向大师学习只是自己的起点，而不是终点。

1991年研修班的毕业创作，画了一组音乐题材的作品。这组画截取某些演奏和排练的场景，构图如同镜头的拉伸，或俯瞰全景或局部推进，画法采取多层皴擦积色的方式，逐渐达到粗涩浑然的效果。随着创作的深入，我越来越注意对整体氛围的营造，细节逐渐模糊，觉得这样才能表达出音乐给我的感受。

这组画是研究油画语言的小结，也是我的创作由现实转向心性的开端。

当时也没想到由此会一直发展到后来的抽象作品。现在看来，无论你是深思熟虑还是偶然的判定，一切选择皆是必然，冥冥之中都已有所规定，既然无法预料以后如何，眼前的判断就是合理的，这点体会让我后来也看开许多事物。

二、个性意识的觉醒

所幸的是我的思绪并没有停止于此。1991年研修班结束后，我开始反思自己，认为不能无止境地模仿学习下去了，应该做自己的事了。

禅宗的思维对我有所启发，它提倡向内觉悟，认为向外寻觅反而容易迷失。所谓“顿悟成佛”，就是要当下见性。我意识到个性不需要寻找，而在于呈现，就在你要表达的时候开始。应该抛开一切束缚，完全按自己的意愿去做事，从自己的爱好和素养出发，用自己的语言说话。

（一）《黑色主题》的产生

现代音乐发展史告诉我们，一种新艺术的出现，有时源于形式的创新，有时始于观念的改变，二者是混杂交替进行的。我想一种画风的转变也是如此，分不清谁先谁后。

由于对书法和中国画的爱好，我在油画的基础上融进现代书法的构架和黑白的意象。为了改变客观的构图，我用水墨来画草图，那些难以控制的偶然效果启发了我的视觉想象力；我开始减弱客观的物象，将透视转换为平面，凸显笔触和肌理的表现因素，在形式语言上做了许多尝试。

转变的另一个原因是对题材内容的理解，即现代音乐的启示。一次在作曲家朋友那里欣赏斯特拉文斯基的《春之祭》和潘德莱斯基的《广岛》，给我留下了深刻的印象。现代音乐家用弦乐组成密集的音群，形成“音块”，给了我强烈的震撼！启发我在画面中连接大片黑色的团块，于是出现了我的《黑色主题》系列。

音乐是时间的艺术，而我从中获得的完全是一种空间的体验，它令人感受到人类的灵魂如此博大而幽微，崇高而丰富！画《黑色主题》这组画时，我的心里充满着强烈的声音，我希望作品给人一种震撼。笔触涂来抹去，形象由清楚变为混沌模糊，具体的细节融入黑白色块之间，流动的感情转换为厚重的材质，我形容为“流动的凝固感”。

我一直认为自己是一个传统的人，原来并不理解现代艺术，或者说从感情上就不怎么接受，由于内心表达的需要和由此产生的探索性做法改变了我的认识，从此进入了另一片天地。

（二）我的抽象转变源于一次观看

宋人论画“远观其势，近观其质”。

我发现看画有两种情况：传统是在边框之内欣赏的绘画 ；而现代绘画则是开放的，可以和空间结合起来，形成“场”的氛围，观众可以在特定的空间中感受到精神的气息。

1994年我的《黑色主题》组画参加青年艺术家邀请展，在中国美术馆展出，当我在美术馆展厅里远远地看自己的作品时，发现黑白之间像大山大水一样有气势，闪烁着某种精神的力量，我感到其中具象的人物已经多余，因为它会把观者的注意力引到题材的表面，而忽略对整体精神氛围的感受。我认为黑白语言的丰富变化完全可以从物象中独立出来，直接呈现精神的气象。画为心声，只有去掉具象的因素，才会更直接更单纯地达到明心见性，不需要表现演奏者，而应该采取与音乐平行的方式，以绘画的元素重新构成视觉的交响，才能成为真正的歌者。

当然变与不变不是根据道理进行的，最重要的是根据自己的内心需要。模仿客观对象是令人愉悦的，但是总让我感觉是在画“他者”，而不是表达自己，这也是我想改变的重要原因。

（三）探索的艰难

开始我以为转变为抽象很容易，不料无异于脱胎换骨。失去了形象的依托，新的符号又没有确立，画来画去找不到方向，一度非常迷茫。为了自由去突破限制，然而“破”是为了“立”，立在哪里？这使我体会到追求自由的同时就是在寻找新的限制，只有找到了限制才能获得真正的自由。当我看到斯特拉文斯基说的“艺术越是受到限制就越是自由的”这句话时，深有同感。

每天没有结果地作画，同时在思考，探寻着内在的逻辑，试图使自己的想法得到解答。作画的过程中产生大量的偶然因素，完全无法控制，索性顺其自然地发展下去，孙子曰：“夫兵形象水……水因地而制流，兵因敌而制胜。故兵无常势，水无常形；能因敌变化而取胜者，谓之神。”从“随波逐流”逐渐变为能动地驾驭，直到有一天忽然顺理成章了，一切变得容易起来。后来我把这种状态总结为：过程就是结果，偶然就是必然，在不求形式中完成形式。

祁海平 空间书写 布面丙烯 400cm×50cm×12 2016年

祁海平 游 布面丙烯 100×80cm 2012年

祁海平 天地氤氳•夜 240×200cm 布面丙烯 2010年

三、梳理思路，文化角度的明确

画画的过程也是一个不断认识自己的过程，艺术对于我来说，就像禅宗悟道一样，心目中有一个境界要去达到，尽管它有时清楚有时模糊，但我所做的一切都是在不断地了悟这个境界。

进入抽象领域以后，我的一切感受都可以自由贯穿其中。无论是某种内心的感觉，还是文字和声音，都能在我脑海里转化成视觉的意象。我对中国文化的爱好和积淀发挥了作用，感觉改变了，需要重新明确自己创作的主题，进一步去思考自我的角度，我开始从传统文脉中梳理思路，为自己的追求寻找底蕴。

“形而上者谓之道，形而下者谓之器。”道者“无”也，无中而生有，抽象就是道的表达。

“神无方而易无体”，打破一切事物的边界，回到混沌之初才能没有障碍，才能达到无所顾忌的畅游。

“知其白，守其黑，为天下式”，“一阴一阳之谓道”，阴阳的原理是我把握万物的根本，也是我运用终极色彩“黑白”的文化依据。

2005年我从《易经》的“天地氤氲，万物化醇”受到启发，开始创作《天地氤氲》系列。氤氲者，天地之气也，二者相互作用而化育万物。石涛说“笔与墨会，是为氤氲”，说明完全可能以纯粹抽象的语言来表现这个主题。

2007年画了《天地氤氲·乾》《天地氤氲·坤》两幅大作品，表现这样宏伟的主题，在以前写实绘画里是不可能想象的，现在完全可以用我的语言来演绎。接着创作了《庄周梦蝶》系列。2010年以为书法为素材创作《行草意象》。2014、2015年创作的《天之文》《行草万象》借鉴了屏风模式，将现代语言赋予传统的载体，将平面转移到空间里，在移动中进行观赏。

当我把这些年的系列作品整理分类，如《诗与词》《天地氤氲》《庄周梦蝶》《天之文》《行草万象》《雨过天青》《混沌之初》等等，发现了一条比较清晰的线索，我的作品都与中国文化主题有关。我的选择并不是出于策略，而是出于一种热爱。我对中国的文化艺术一直有着浓厚的兴趣，我感觉仅仅是中国元素的运用是不够的，所以试图回到中国文化经典中去思考，探入中国文化的主脉寻找灵感，从中生长出自己的艺术语言。

有人问我现在的作品是否跟音乐还有关系，我以为书写本身就具有一种乐舞精神，庄子曾形象地比喻：人演奏的音乐是“人籁”，大地窍穴发出的各种声音叫“地籁”，宇宙自在运行的气息音声则是“天籁”，我现在的作品可以说仍然是音乐精神的延伸。

其实抽象只是一个代词，凡是没有客观形象的都可以称为抽象，然而创作的想法和符号却是很具体的，我认为应该忘掉“抽象”，不执着于概念，而注重表达什么和如何表达，进入自己的想法去创造作品。以前我一直保持着油画的肌理和厚重感，现在有意消解“油画味”，画得越来越透明平滑。今天在我看来像不像油画，甚至画不画油画都是不重要的，一切都是手段，只要表达需要，艺术家可以使用任何材料和任何表现方式（当然也包括油画在内）。“不同同之之谓大”（庄子），站在以我为主的立足点，打破各种界限和画种的区别，融汇不同的东西，一切为我所用，走出自己的道路。

附：祁海平艺术自述

我追求简约单纯而混沌博大的艺术境界。

以黑白两色的矛盾变化，构成丰富的视觉交响。通过连续的涂绘与书写，呈现出流动的时间和交错的空间。

绘画对于我来说是一种心性的体验方式。我始终以因势利导的态度驾驭它的生长变化。

过程就是结果，偶然即为必然，无象包含万象，无形幻化有形。