王士魁教授课堂教学笔记

时间：2017年3月22日

地点：中国音乐学院琴房

教师：王士魁教授

学生：邵美含（中国音乐学院声乐歌剧系民族演唱专业本科一年级学生）

王士魁教授作为中国音乐学院声乐歌剧系的学术带头人，在教学中遵循科学性、民族性、艺术性、时代性的同时，也积极探索声乐教学更科学、更有效的新思路、新方法。他的声乐课堂朴实、生动，寓教于乐，师生配合默契，卓有成效。王士魁教授在传授演唱技术的同时，兼顾教学的个性化、艺术化，要求学生深入了解作品、感悟内涵，语言清晰准确，情感真挚感人。

“歌唱中求其真、求其实、求其情、求其意、求其美”是王士魁教授多年来与弟子们共同的艺术追求。本文是王士魁教授给学生邵美含上课的课堂记录，也是他默默耕耘在声乐教学一线多年的一个缩影，希望读者能从中获得启发（以下王教授简称“师”，邵美含简称“生”）。

一、练 声

师：我们首先练习哼鸣。练习哼鸣是为了获得高位置的发声状态，在哼鸣的状态对了以后，还要用哼鸣的状态来演唱歌曲。

师：（示意停）注意，练哼鸣时喉咙要打开，下巴要放松，哼鸣的位置才会高，从而获得更多的头腔共鸣。再“搭上”气息，用“中上支点”（胸口位置）来演唱，获得相对圆润的混合声效果。我们再来试一下。

（生第二次唱哼鸣，上行至小字二组的升f，下行至小字一组的c）

师：（点头并示意停）哼鸣获得高位置之后，同时要把声音的着力点放到“中上支点”（胸口位置）来演唱；但不要刻意用胸腔的力量去唱，否则你的声音就会变“重”。刚才“哼”的时候，因为有了多余的胸腔力量，所以失去了一部分头腔共鸣，也就失去了你比较好听的音色。再练一次，要仔细一点儿，像走钢丝一样，不能太随意，否则就失去了练哼鸣的意义。

（生再次练哼鸣）

师：这一遍好多了。就要这样练习，思想要走在声音的前面，想好了再唱，养成好习惯。我们往下进行，接下来唱下行音阶练习，体会“通道”的感觉。

（生从小字二组的c开始，上行至小字二组的b）

师：（示意停）下巴不够放松，有多余的力量。你现在吸一口气，感受一下“吸气”时喉咙的状态。

（生深吸一口气）

师：喉咙有什么感觉？

生：感觉喉咙里面“吸开”了。

师：好的，记住这种“吸开”的感觉，这个状态就是唱歌时喉咙的状态。演唱时要形成上有哼鸣、下有气息的支持，同时要在胸前形成一个支点，三点始终要保持在统一的垂直线上（老师示范演唱下行音阶练习）。这条练声曲，虽然是以“u”起音，但是我要求唱的时候，要感觉是在哼鸣的位置上用“u”母音与“a”母音结合的感觉来唱，体会歌唱时“通道”的通畅感与垂直感。你用这种感觉再唱一次。

（生再唱下行音阶练习，下行至小字一组的d）

师：这一遍不错。虽然声音稍稍有些不自然，但是努力的方向是正确的，要反复体会这种感觉，多唱、多体验，才能形成相对稳定的歌唱状态。我们继续唱下一条练习。

（生演唱级进音阶练习，上行至小字三组的c，下行至小字一组的d）

师：（示意停）这条练习，主要是练习声音的连贯性与灵活性。我们之所以练习“nu”是为了建立歌唱的“通道”，获得高位置、深呼吸和喉器相对合理的低位置。一、二年级时，我们主要进行“全通道”的练习，有了这条科学的发声通道，才会使你的音色、语言和作品完美地结合起来。之后在三至五年级，我们会进行自然歌唱的练习，为今后的演唱打下扎实的基础。唱的时候注意，要把头腔、鼻腔、口腔和胸腔在一条垂直线上贯通起来。

（生再唱一遍）

师：这一遍通畅了，但是连贯性和灵活性还不够。唱的时候要多抬笑肌，微笑可以帮助你在“哼”的位置上获得比较集中而明亮的音色，让声音进入到高声区时比较统一。再唱一遍，注意连贯性，学会合理地分配气息，不要拖泥带水。

（生又唱一遍）

师：这一遍好多了，声音比较通畅、连贯，也有一定的灵活性。当我说你唱对了的时候，你一定要记住这个感觉。接下来，用这些感觉唱一下作品。

二、歌曲演唱

生：老师，我今天准备了《哦，我的大东北》。

（师示意开始，生完整演唱一遍）

师：总体还可以。不足的地方是音色统一性不够，作品表现得不够感人。从声音来讲，有的地方很饱满，有的地方会不够润、偏“瘦”了一些，从而会有音色不统一的现象。你的哼鸣“挂”得不错，但是没有“挂上中上支点”，喉咙还不够放松，声音还是有点儿散，虽然音量很大，但是音色不够美。

生：老师，我觉得我唱这首作品似乎找不到感觉。

师：歌唱就是演唱者用歌声为观众描绘的一幅画，要设计好每一个乐句、每一个音符，而音乐的图画是由主观感受和客观感受共同组成的。第一，在主观上你自己会有一个判断，客观是教师帮助你进行调整。当主观与客观达到统一，再加上舞台的实践，那么这首作品对于你来讲就变得相对成熟了。第二，无论演唱什么作品，不要想着先去打动别人，首先要做到打动自己，要让这首作品变成自己的东西。

要知道，这首作品是由a小调开始，之后转到了A大调，是同主音大小调要看到和声的变化来歌唱。中间部分为什么要转调？因为主人公开始回忆，好像当年的场景在眼前闪过一样，历历在目，所以在这里转成了大调，你要运用音色的变化唱出明亮、阳光的感觉，给我们多一些亲切感。作品在最后又转回原调，在曲式结构上形成了调性的复合。

这首作品是由晓光作词、潘兆和作曲、刘聪配伴奏。我第一次听是在沈阳举行的“第二届民族声乐研讨会”，当时给我的感触就很深。所以说，拿到任何一首作品，都要认真了解它的创作背景和曲式结构。

我们再把转调部分唱一下。

（生演唱转调部分）

师：这一次我明显感受到了你情感的投入，虽然声音还是有些“硬”，但是我听得出你在努力，这就是进步。学习声乐本来就是一个从自然到科学的不自然，最后返回到更高级的自然的过程，所以你要在“挂”哼鸣的同时“搭上”气，放在支点上唱。感情投入是好的，但是一定要保持喉咙的状态和声音的位置，不能因为感情的投入乱了自己的阵脚。打开喉咙，“挂上中上支点”演唱。

生：是的，老师。我感觉到了，还是要把声音“搭”在气上，音色才好听。

（生唱结尾句）

师：这一次你的演唱就有对比和层次了，作品完成得较为完整。对于声音来讲，以后你还需要把“U通道”的训练再捋顺一些，不要着急。不要把歌曲唱得太满，不要把字咬得太死，要留有余地。现在你有了稳定的方法和发声基础，那么就要从科学的不自然状态慢慢地回归到人声最美丽的、最自然的状态。

生：老师，我今天还准备了一首歌剧选段《一首桃花》。

师：可以。这首歌描述的场景和所表达的情感是什么样的呢？

生：这首作品是歌剧《再别康桥》的选段，是女主角林徽因在疗养时，与久别的男友徐志摩重逢时所唱出的心声，表达了她细腻、温润、纯净的感情。

师：这首作品创作得很巧妙——既没有中国民族调式的感觉，也没有西洋歌剧较为激烈的戏剧冲突，而是恬静的、儒雅的，对于气息的连贯性以及艺术修养的要求都非常高。你先完整地唱一遍。

（生完整演唱《一首桃花》）

师：首先，这是一首歌剧选段。在前奏响起的时候，就要开始进入角色，比如你可以走动，这都没有关系；你的状态绝对不能和唱艺术歌曲一样。唱歌剧选段要注意“手眼身法步”的结合，要眼中有戏、有故事。前奏响起的时候，要在准备好气息等技巧的同时，从形体到情绪都要进入状态，要有思想的共鸣，身体也要随之律动。我们再来一下开始部分。

（生演唱开始部分）

师：（示意停）这一次就很好，我感受到了你内心的宁静以及情感的融入。当味道对了，你的声音就对了，音色也会随之发生改变。

生：是的，老师。我注意到了作品的开始是以弱开始，并且看到了谱面上的渐弱记号。

师：对了，因为想从弱音开始，就必须做到“吸开”，所以要下意识地更加注意“挂哼”的位置，“搭”上了支点，声音就不摇了。但是你在唱“朵朵露凝的娇艳”的时候嘴巴打开不够，要再微笑一点儿、心里甜一点儿；把“露”唱成“lua”，这么唱就是辅助你在咬完字后马上放开。这样的声音会更统一、更饱满。我们唱下一段。

（生继续演唱）

师：（示意停）作品在后半部分进入了高潮，音高也逐渐升高。这首作品之所以为大家所喜爱，就是因为它的优美与恬静。你刚刚的演唱有点儿太亮了，虽然很好听，我觉得不够含蓄、不够内敛，表现得有些外在了。我经常在说，民族声乐是要明亮，但是同时也要有内涵。中国声乐作品的美体现在，当你表现好声音的同时，还要表达出中国人特有的含蓄美、内在美，让人一听就觉得有音色、有内容、有涵养。所以在演绎不同的作品时，要有不同的音乐感觉。就像我常说的，作品决定色彩，色彩服从于作品。

我希望你演唱的时候，多想一下“放风筝”的原理，“风筝”不要放得太高，多想想“云遮月”的感觉。还有当你在唱反复段落的时候，一定要唱出层次感，需要有强弱以及情感的对比。就好比之前一直在蓄势，终于在最后一段爆发。我们再来一遍。

（生演唱完结束段）

生：老师，我觉得按您要求的唱反而轻松一些，唱起来也更自在。

师：你说得对，这样唱你就做到了“全身歌唱”；这样唱，你对作品的诠释就很完整了。但是还是要注意声音与艺术修养的关系，不要用力过猛，不然唱的人表情僵硬，听者也会不舒服。最后这一遍，你做到了字正腔圆、声情并茂。你现在的演唱还是“唱”的多，“说”的少，但是唱歌的高级阶段是“说”，而不是“唱”。所以要一步一个脚印地打好基础，唱合适的作品，要形成完好的“U通道”，并且要多听、多模仿。我一直在强调，先模仿后超越，多听名家的演绎，再结合自身条件和能力进行思考，你会有不一样的体会和心得。

生：老师，我接下来唱什么作品比较合适呢？

师：可以唱《无名花》，加强“通道”的通畅性，同时辅助气息的练习。再学习一首《蓝花花》，体会“唱”与“说”的关系，感受一下二者之间的平衡。希望你多听课堂录音、多思考、多体会。这节课就到这里。

生：好的，谢谢老师。