绚丽技法的完美诠释

冯源

摘 要：钢琴演奏技法是衡量钢琴演奏水平非常重要的指标，同时也是体现不同作品风格的基本条件。钢琴演奏技法的演变并不是独立存在的，它是通过钢琴这件乐器的不断完善和钢琴作品的丰富以及钢琴教学训练方式的相互影响、相互促进而演变的。

关键词：钢琴作品 演奏技法 钢琴教学

每一个历史时期的音乐作品都有自己的独特的风格特征和表现方式，浪漫主义时期是宣泄情感的时期，作曲家们追求个人情感的无畏表露，甚至在一定程度上摆脱了古典主义时期曲式结构的束缚。18世纪末，经过不断改进的钢琴，以其丰富的表现力在社会上的地位迅速提升，取代了羽管键琴和楔植键琴的主导位置，成为当时最主流的键盘乐器，人们也开始越来越热衷于学习钢琴。钢琴创作在这一时期得到了前所未有的发展，音乐家通过钢琴来表达自己的思想和情感。与此同时，钢琴独奏音乐会的兴起成就了一大批钢琴演奏家，钢琴演奏技法是衡量钢琴演奏水平非常重要的指标，同时也是体现不同作品风格的基本条件。

钢琴演奏技法是技术和方法的综合，是对颤音、八度、刮奏、连奏等某种演奏方式的描述，每一种技法都有各自不同的演奏方式，每一个阶段和时期都有其不同的发展特点。钢琴演奏技法的演进并不是独立存在的，也不仅仅是演奏方式的增加和演奏技法的难度所决定的。钢琴演奏技法的演变是通过钢琴这件乐器的不断完善和钢琴作品的丰富以及钢琴教学训练方式的相互影响、相互促进而演变的。

一、浪漫时期钢琴演奏技法与钢琴

键盘乐器的发展经历了一个非常漫长的时期，从管风琴到古钢琴再到现代钢琴，键盘乐器在发展和不断更新的过程中，产生过了很多不同的体制和分支。管风琴作为最古老的键盘乐器，已有两千多年的历史，它与教会音乐的发展密不可分，大多为宗教内容的声乐伴奏。之后古钢琴的发明，有击弦和拨弦两大类，即楔槌键琴和羽管键琴，楔槌键琴声音轻柔，在家庭等小范围的独奏比较适宜，羽管键琴则是室内乐的主要乐器，并确立了当时独奏乐器的地位。随后，才诞生了早期钢琴，如果没有钢琴这种乐器，也就无从谈起钢琴的演奏技法，钢琴自身的发展与革新同钢琴演奏技法的不断演进是相辅相成、相互依赖的。

在钢琴之前，羽管键琴和楔槌键琴一直占据着主导地位，但随着人们的欣赏水平越来越高，老式的键盘乐器很难满足听众日益增长的需求，作曲家也更加重视情感表达的深刻性。乐器自身的缺陷导致作品只能停留在一个固定的模式之内，从而限制一些演奏技法的发挥。比如其构造使其声音持续时间短、声音的强弱变化非常有限，这都限制了大量的连奏和富有歌唱性旋律的演绎。

钢琴诞生初期也并不完善，制作也相对粗糙，并没有获得作曲家和演奏家的广泛关注。直到18世纪80年代后期，随着钢琴制作工艺的精进和不断改良，在构造和制造材料以及音域方面较羽管键琴和早期钢琴都有很大的发展，钢琴声音才得到人们的认可。钢琴的演奏技法并不是单独创立的，很大程度上继承了管风琴、羽管键琴和楔槌键琴的演奏方法。伴随着钢琴音色控制原理的变化，演奏者为了适应并满足当时的要求，逐渐调整触键力度和演奏速度以及灵活的控制触键手法。在当时演奏者运用高抬指的方法训练钢琴演奏技巧，增强手腕和手臂的力量，使其力量集中在指尖，增加触键的力度，更好的宣泄作品所表达的情感。

二、浪漫时期钢琴演奏技法与钢琴作品

钢琴音乐经历了巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期以及现代主义时期，不同时期的音乐作品有着各自的风格特征，演奏方式和演奏技法也在不断变化。钢琴音乐作品作为钢琴演奏技法的载体，同样非常真实的记录了钢琴演奏技法的发展和演变。

浪漫主义时期音乐贯穿了整个19世纪，并且延续到了20世纪初期。当时的音乐思潮解放了作曲家，追求让艺术自由，重视个人的情感表达。作曲家可以自由的创作自己喜欢的音乐作品，不再受限于模式化的宫廷音乐和仪式音乐，出现了大量与文学作品相关的标题音乐。作曲家为了更好的表达作品的内容，不断探索新的演奏方式，同时将已有的演奏技巧加以拓展，这都促进了钢琴演奏技法的不断丰富和发展。以肖邦、李斯特为代表的作曲家，将钢琴练习曲推向了一个新的高度，他们创作出一大批具有音乐艺术性的音乐会练习曲。此类练习曲创作的目的就是用超常规的演奏技法演绎作品的丰富内涵。

肖邦倡导每个手指发挥各自的优势，根据不同的手指特点，进行有针对性的练习。他的27首练习曲基本包含了浪漫主义时期所有高深的演奏技法，并将其与诗意的情感融合在一起。每一首的技法训练都不一样，比如作品op.10，No.1是分解和弦的快速琶音训练，作品op.10，No.6、op.25，No.7是运用连奏技法演奏作品的歌唱性，作品op.10，No.9、op.25，No.9是针对手指的力量和支撑力的训练，还有针对特殊节奏和断奏技法的训练分别贯穿在不同的作品当中，展现他精心设计的画面。

李斯特作品的演奏技法和音响效果非常宏伟，他的练习曲也被冠以超级技术练习曲的称号。在他的作品中，为了强化旋律的线条并增强音乐演奏效果，使用了大量的八度甚至十度，以及快速的轮指和双音颤音。此外，李斯特还广泛使用华彩乐段以连接乐句，显示作品的绚丽。他在1838年创作的《帕格尼尼大练习曲》运用震音、远距离跳音等众多技法，来模仿小提琴的演奏技巧，给人非常强烈的震撼感。

浪漫主义时期的钢琴演奏技法展现出多元化的特点，众多技法的融合和传承更好的用于表达情感。颤音这种演奏技法就是从管风琴和羽管键琴等键盘乐器继承而来的，虽然演奏技法还是用两个不同的手指进行快速轮流弹奏，但是随着乐器的革新、创作体裁的发展、情感表达的丰富，颤音的演奏已经从二度音程到三度音程，甚至到八度音程，演奏技术也从最开始只需要手指的灵活性到需要加入手腕的力量才能更好地表达清楚作品的内容。八度颤音在当时使用范围非常广泛，这种技法对演奏者手指的灵活度、手腕的松弛度以及手臂的跨度要求比较高，只有将这三种要求有机结合起来，才能使八度颤音的演奏更加熟练。

随着时代的变化，同一种演奏技法在不同时代的作品中，也能表达出不同的情绪，比如颤音不仅可以表现欢快的气氛，在低音区使用时，还能表现出低沉压抑的情感。为了情感表达需要而不断创新的钢琴演奏技法，同时又会推动乐器的不断改进和优化。直到钢琴、音乐表现力和演奏技法达到相对统一的状态，或者乐器可以满足或是超越现有的演奏技法所能表达的情感，才能形成一个相对稳定的风格。这一时期的音乐作品更倾向于表达情感，不单是强调手指娴熟的技能，同时强调音乐的表现力和生命力，这样的变化，给钢琴教学提出了更高的要求。

三、浪漫时期钢琴演奏技法与钢琴教学

钢琴教学的意识和技巧的训练方式在探索中不断发展，每一段时期都有针对不同作品而产生的训练方法。肖邦对钢琴作品的歌唱性处理以及李斯特将钢琴音乐做了管弦乐队化的处理，都将钢琴的表现力大大提升，进而引发了钢琴演奏训练方式的变革。单纯的手指已经很难将作品的全部情感的表现出来，手臂、肩旁甚至全身肌肉的协调运用才能更淋漓尽致的表达作品的内涵。

早期钢琴所演奏的作品，大多都是为羽管键琴所创作的，针对钢琴演奏问题的探讨基本很少提及。直到钢琴诞生的80年之后，钢琴教学才逐渐开始。克莱门蒂作为制造现代钢琴的先驱者，已经开始有针对性的为钢琴创作音乐作品，成为专门为钢琴写作的第一位作曲家，他的一生跨越了从巴洛克时期到古典时期再到浪漫时期这三个伟大的时代，他将钢琴演奏技法与羽管键琴等其他键盘乐器的演奏技法明确区分开，确立了钢琴演奏中的众多演奏技法，成为19世纪钢琴演奏技巧的奠基人。他在1801年发表的《钢琴演奏艺术导论》也是最早讲述钢琴技术训练的著作。他创作的《名手之道》练习曲成为当时广泛使用的教材，作品风格优雅，非常有针对性的练习了颤音、分解和弦、双音等钢琴演奏中的各项技法。

许多音乐音乐家也相继开始针对钢琴练习曲进行创作，车尔尼在《钢琴学派的全面理论与实践》一书中建议，在弹奏时要增强肌肉内在的紧张程度，在保证手指柔软度的情况下注意结合手臂力量。这样的方法在一定程度上解决了弹奏时力量不够的难题。克莱门蒂的学生约翰·巴普蒂斯特·克拉默创作了《84首练习曲集》，伊格纳兹·莫谢莱斯创作的《24首钢琴练习曲》，体现了古典主义到浪漫主义过渡时期的特征，他们创作的练习曲都是针对钢琴演奏的技法训练，为19世纪初期的钢琴教学起到了非常重要的作用。

随着这些教材的编写以及钢琴教学体系的建立，钢琴教学也变得有据可依，当时的钢琴教学更多的追求技术至上，以训练演奏技能为主，所以长时间的重复练习成为19世纪钢琴教学的趋势，这样的教学也较为有效的解决了当时钢琴演奏的许多技术难点。

这一时期钢琴教学注重矫正学生的手型、指法等问题，让五个手指训练的一样强壮，并保证每天的手指灵活练习时间。夏尔·路易·哈农就是为了使钢琴演奏技巧在短期内得到提升，编写了《哈农练指法》，按照难易程度分为三个阶段，并且在前言里就说到了如何钢琴演奏技法：“如果我们手的五个手指全都绝对地训练过，他们就有能力去弹奏为钢琴所写的一切曲目，而技巧的存在也仅仅只是指法问题。假如把它完全弹熟后，并且每天花一定的时间练习，困难就会奇迹般的消失的无影无踪，随之而来的是演奏的干净、灵活、清晰，这恰恰是演奏家成功的秘诀”。①

肖邦虽然很少关注钢琴教学，但他的想法却很独到，他将上肢看作一个不可分割的整体，他认为在演奏中手指、手腕和手臂的配合最为重要，演奏者应该将作品演绎的像歌曲一样流畅。舒曼更加注重探究作品的本质，演奏者内心是否能够理解作品的内涵，才是能够演奏好作品的根本。李斯特则认为，演奏者只有掌握了将作品中出现的技术难点通过分析和聆听，化成基本形式的能力，才是具备了演奏所有钢琴作品的能力。他们的观点在当今的钢琴教学中有着不可忽视的作用。

在浪漫主义这样一个感性的时代，十分注重情感和音乐性的表达。钢琴这件乐器的确立经历了诞生、再现、普及和确立四个艰难的阶段，并以超强的表现力成为了当时主流。钢琴音乐也在这时进入了发展的高峰时期，演奏技法突飞猛进。快速发展的演奏技法推动着钢琴的不断优化，钢琴家也在越来越完善的钢琴上，不断创作新的钢琴作品和演奏技巧，探索更科学的教学方式。所以说钢琴演奏技法的演变并不是独立存在的，也并不是顺延或者继承的，钢琴这件乐器是技法存在的根本，钢琴作品是呈现演奏技法的载体，钢琴教学则是演奏技法传递的重要方式，它们之间互相影响、互相渗透，共同向前发展。

注释：

① 引自夏尔·路易·哈农，《钢琴练指法》，2004年，百花文艺出版社。

参考文献：

[1]乔治·考切维斯基.钢琴演奏的艺术[M].北京：人民音乐出版社，2010.

[2]赵晓生.钢琴演奏之道[M].上海：世界图书出版公司，1999.

[3]叶茵.论外国钢琴练习曲的生命力[D].厦门：厦门大学，2009.

作者单位：沈阳音乐学院