浅谈水彩画创作中的色与光

解雪莹 ［英］John Burns

浅谈水彩画创作中的色与光

解雪莹 ［英］John Burns

水彩画的创作除了熟练掌握基本技法，水分的运用等基本技能外，色彩和光影的运用尤为重要。文章对用色彩表达主题和情感、光影对艺术效果的表达、光影对空间的描绘、光影对色彩的影响等方面进行了论述，并就水彩画未来发展中对其他画种的借鉴提出了自己的观点。

水彩画；色彩；光影

图1 凡·高 橄榄园

图2

水彩画以水为媒介调和彩色颜料进行作画，其作品具有色彩透明、流畅、淡雅、画面水色交融而韵味十足的特点。创作水彩画的基本技法有干画法和湿画法以及干湿结合等几种画法，其中干湿结合相对常用。水彩画还有一些特殊技法，如刀刮法、蜡笔法、吸洗法、撒盐法、对印法、油渍法等。水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一，要求作画者具备把握水在纸面上、空气中蒸发、流淌、渗透的能力。对于水的性能的掌握应该是适当、巧妙的，这有利于创作者去充分地表现自身的感受与艺术个性。水与彩的结合与搭配、调和是水彩画创作中最为基础的一个环节。借助水的流淌、扩散、聚集和分解使色或浓或淡，其形或隐或现，虚虚实实、朦朦胧胧。水彩画的水赋予色彩以生命，使颜色透明、富有流动性，使得画有一种浑然天成的气韵。水彩画创作核心环节是创作中思想与感情的融入。要清楚自己想要表现什么样的情感，带着情感去创作。除此之外，作者认为在水彩画的创作中运用好色彩和光影尤为重要。

1.色彩的运用及作用

水彩画依靠色彩的明度、变化、对比与调和来状物抒情，水与色彩的协调结合，思想与情感的适当融入，形成具有感人魅力的艺术作品。其中，水彩起着关键作用。

1.1 色彩的运用

第一，确保色彩的透明度。水彩画的色彩浓淡深浅变化是靠水来调和，并利用白色的纸底来反射色彩，画面最淡处是纸本身。因此水彩用色方法一般为层层叠加，从浅到深。这样既可以产生微妙的层次，使画面有透气感，又能增加画面的厚实和含蓄感。如果在深色的底子上叠加浅色，画面易出现滞粉、浑浊。

第二，用色的准确性。作画者对色彩的观察判断要准确敏锐，胸有成竹，找出统领画面的总色调，全面把握色彩的倾向及大的明暗关系和冷暖关系，逐步使画面的色彩丰富起来。切忌在上色时含糊犹豫，过多的修改、反复的渲染，会使画面既脏又死。

第三，熟练掌握调色的基本规律。比如，以补色相调，用黑、灰加纯色相调，用中性色或低调色加纯色相调，高明色相调，同类色相调，同种色相调等等；深色、浓色在调配时不能过厚，上色时最好一次到位，并尽可能地用深颜色调和大量水分表现浅色调，以达到色彩的透亮效果。[1]

1.2 用色彩来表达主题和情感

色彩是人们视觉上的一种反映，人们只有凭借光才能看见物体的形状与色彩，从而获得对客观事物的感受与认识。在水彩画的实际创作中，可以通过实际分析运用色彩来表达主题和情感。一、运用对比和互补增强绘画效果：如果一个创作者想使自己的作品引起欣赏者的关注，可以在绘画中增强对比。如应用互补颜色和其他冷色与暖色的对比；用强烈的色彩衬托暗调；增强肌理的对比以及将上述方法综合使用。二、以个性化的色彩表现个性化的情感和人物特征：不同的色彩表现形式结构令人产生清新、活泼、高雅、悲壮等不同心理感受。构成水彩画色彩情感的因素有色相、明度、纯度和水彩画中色彩的肌理、位置、形状、面积等。任何一个因素的改变都会给表现色彩整体的情感带来变化。明度低的色彩给人的感觉为朴素、含蓄、低沉等，明度高的亮色给人的感觉为轻盈、活泼、愉快、华丽等。纯度低而暗的色有忧郁、收缩、后退之感，纯度高而明度高的色有活泼、向前进、膨胀之感。形状不同、位置不同的色，都会给人前后、动静和轻重的不同感觉。创作者经过长期的创作，逐渐会形成个性化的习惯用色，使作品具有个性色彩，从而拥有自己独特的个人风格。色彩最能体现画家的感情，如凡·高的《橄榄园》（图1）、塞尚的《瓦利埃画家》等都体现出了强烈的个性化色彩情感。水彩画家安德鲁·怀斯通过细腻的干笔水彩和蛋彩画，用深褐色、墨绿色、土黄色和赭石色等习惯色，使画作充满了一种忧郁和凝重的个性化气息，并运用强烈的黑白对比，形成了他自己深沉的色彩个性情感。[2]三、用象征和色彩配置传达创作主题：色彩经常具有象征性的情感意义。红色具有热情、力量和激情的内涵，可以唤起爱的情感和想象，也代表大胆和冒险。蓝色看上去冷静、平和或者有些忧郁。我们可以利用这种特征表现创作主题或意图，传递给观赏者精神上的感受。四、用主体色彩或背景建立画面的中心：我们可以根据构图需要用背景的补色对比衬托中间色调的主体，可以用鲜艳的背景来衬托浅色的物体，还可以用模糊的背景衬托主体，以突出主体色彩，成为画面的中心。

2.光在水彩画中的运用及作用

水彩画的色彩神韵通过光来表现。光赋予事物色彩，也赋予色彩生机。没有光就没有色彩，有了光就一定会有阴影的存在，光影的运用是增强作品艺术表现力的重要手段。

2.1 光影对艺术效果的表达

画面的艺术效果可以利用普通光、反射光、投射光和从窗户等射进来的特殊光的不同视觉效果来表现，让画面趋于完美。例如，若是光源聚集在一起集中照射到物体上，那么这个物体将会呈现鲜明的立体感。普通光照射的话，则立体感没有那么强。若是想要让绘画的物体从繁杂或沉闷的背景中脱颖而出，可以好好地利用特殊的反射光。我们若想让画面自然一点，物体就可以用直射光照射。强调或者增减画面的某部分，则可以充分利用明与暗对比关系实现。

逆光可以达到通透灵妙的效果。物体处于暗影里，形象模糊不清，细节全部虚化，但物体的轮廓、形状却勾勒得真实深刻，呈现出一种有趣的抽象概括，提高了视觉张力和通透性。同时，逆光下光影所产生的光晕和烟雾效果，加上水彩的交融变幻和随意性的偶然效果，能够营造出妙趣意境。

在艺术作品中，光影还具有一定的情感性，不同的光影会产生不同的画面效果和基调，营造不同的气氛，表达不同的情感。光影对于渲染画面气氛有着重要作用。画面气氛的营造很大程度上取决于光线形式，日光、月光、烛光以及都市夜晚的灯光都有各自不同的特点。晨光使人充满愉悦与希望；黄昏的光辉让人产生忧郁惆怅的情绪；月光易引入沉静、诗意的境界，令人产生无限思绪；都市夜晚的灯光具有灿烂辉煌的效果。另外，光的强度、形状、方向以及光对色彩所产生的影响，对画面氛围的调节也起着重要的作用。对比强烈的光影给人以激情爽朗的感受，而对比弱的光影营造出一种含蓄平和的氛围。创作中光影不一定全然符合光学规律，可以根据画面的需要而去添加或减少，以适应绘画整体构图和需要，体现创作者的情感、观念、思想。

2.2 光影对空间的描绘

在二维的纸面上要体现大自然的三维空间，对绘画者来说是一个巨大的挑战。为了逼真地表现所描绘的对象，可以通过光照射的强弱变化和方向变化来表达物体的三维效果。如果增强照射的光线，物体呈现的阴影的浓度和清晰度就高，其主体感就强。同时，相关联的物体形成的阴影重合到一起，又表达了物体之间的整体性或相关性。绘画表达时，接近光源的部位，颜色鲜艳、层次丰富、纹理清楚、阴影形状分明。远离光源的物体则相对模糊或者根本看不到具体细节。而光照越强，物体的细节看的越清晰，越弱则反之。实的部分作画时要深入细致地画，虚的部分则简单概括，空间感在这样一个虚实对比之中得以体现。光影与空间的关联和互动能够体现出光影在空间中的运动，利用动感的光影来融合画面空间中的各种因素，赋予画面以生命。通过掌控运笔的方向、力度，借助水色的流动特性对光影形态的影响，表现出光影的韵律感和流动感，营造出空间动态的视觉意象，获得一种运动的视觉效果。水色幻化的动感光影给人以栩栩如生、动态活力的感觉，显示出鲜明的艺术特色。

2.3 光影对色彩的影响

光影既能够对色彩的效果产生影响，又能赋予那些生活中平淡无奇的景物以动人的形态和生命力。著名的法国画家劳尔·杜菲（Raoul Dufy,1877-1953）曾说：“光是色彩的灵魂，没有光，色彩就没有生命。”The beach and pier at Trouville (1905)（图2）光影对色彩的影响可以根据补色规律，在阳光照射下的物体的阴影呈现灰色，而地面受到强烈阳光照射时，变成了橙黄色。这时树木的影子受色彩对比的影响，呈现出青紫色。在冬日雪融、天晴、金黄色阳光下都布满白雪的大街上，各种投影明显不同。当有红色光照射到白色物体上时，暗部和白色桌布上的影子以绿色为主基调。相反，绿色光源照射下的物体暗部和影子则以红色为主调[3]。我们在作画时必须时刻注意到这种变化，更真实的体现自然界的色彩。

2.4 高光的使用

物体因受光照的程度不同，形成了亮部、暗部、投影、反光等。绘画时为表现画中物体的凸起部分，可使用高光。有高光的部分就闪烁着光芒，会显得比较生动而逼真，并具有一定的质感和空间感。在那些闪烁着光亮的绘画里，看起来发亮的部分，其颜色是最浅的，又是最纯的，它们周围的颜色稍重，但永远是中性的。高光形成的反光和阴影也更明显，使描绘显得生动形象、栩栩如生。同时要处理好高光与阴影之间的关系。阴影表达的特点是含蓄而又包含神秘感。通过光影的对比，色彩与画面就会明亮、有趣味性。[4]

光影虽然可以产生各种艺术视觉效果，但也要注意不要使用太多太杂，要取得表达明确、充分的效果即可。

3.对其他画种借鉴的思考

“水”的韵味，“彩”的透明性，是水彩画在艺术面貌和审美价值方面区别与其它画种的独特性所在。但与中国水墨画和油画相比，又有部分相似性。有鉴于此，对其他画种特长的借鉴与吸收可以丰富和发展水彩画的表现能力。

3.1 对中国水墨画“意境”表达的借鉴

在水的运用上，水彩画与中国水墨画有着天然的渊源。都以水为媒介作画，在纸的吸水性，笔的柔韧性表达，以及水与色的渗透变化等方面，都相当接近。[5]水彩画以写实为主，以表现自然之美为目的，中国画重在写精神，对“意境”的表达是其所长。[6]中国画讲究“外师造化，中得心源”，推崇“天人合一”，以“似与不似”为审美法则，注重人生的感悟和心灵体验，强调“气韵”“神韵”“意境”及“骨法用笔”，而不拘泥于细节末枝的真实。在构图形式上，以“散点透视”追求心理时间，以“三远法”以求诗意般的艺术空间，始终以“自我”把握画面的主动。在用墨用色上，从“墨分五色”的丰富色阶手法，到笔和色间的焦、枯、干、湿的变化，直至泼、积、破的应用等等，均体现了对意境表达的艺术内涵。因此，在特定的水彩画创作时对中国画的上述特点进行参考和借鉴值得尝试。

3.2 对油画“浑厚”色彩的借鉴

油画的色彩以宏伟的气势或浑厚见长。在创作水彩画时，可以尝试将油画色彩的表现手法运用到水彩画的表达方式上来，从而使色彩变得更为生动活鲜。使观者既能感受到油画色彩的厚重，又能感受到水彩画色彩的透明和灵动，实现整幅画面色彩浓淡相宜、浑厚而又生动。但也必须注意到水彩的色感与油画不同，绝对不能有用错了颜色再修改的观念，借鉴时要保持水彩画的最大优势，就是色彩与色彩之间的透明度。

4.结语

水彩画是光与色的艺术，光与色是水彩画永恒的追求。在画家的眼里，光作为色的媒介，对其进行有意识的设计和研究可以使其演变成水彩画的光与色。画家站在艺术的高度，以独特的审美眼光去观察自然，将自然解读、重构、演绎成斑斓的色彩世界，把光与色的挑战转变为趣味盎然的点睛之笔，创造出属于水彩艺术的“话语权”，使其无可替代的艺术表现力在绘画艺术之林中占有重要的一席之地。在水彩画中，光是通透中的明快和清澈，色是情感的流淌和莫测的神秘。光与色结合，水彩画便产生了轻快、透明、湿润、朦胧的特点。同时，为了推进水彩画创作艺术的发展，借鉴其他相关画种的优势和特长来丰富自己，也不失为一种尝试。这种尝试的原则应该在保持水彩画的本体语言和固有特性传承的基础上。借鉴只是为了丰富和发展，只能适度。

注释:

[1]Lindsay Stainton British Museum, (1991), Nature into art: English landscape watercolours, London: British Museum Pres

[2]涂远芳.浅谈水彩画中的色彩情感[J].大众文艺,2013(1):75

[3]龙艳珍.水彩画之光影魅力[D]:[硕士学位论文].长沙:湖南师范大学,2012

[4]Eric Shanes, J. M. W Turner, (1997), Turner's watercolour explorations 1810-1842, London: Tate Gallery Publishing

[5]British Museum Anne Farrer; Hayward Gallery, (1990), The brush dances & the ink sings: Chinese paintings and calligraphy from the British Museum, London: South Bank Centre

[6]George Rowley, (1970), Principles of Chinese painting, Princeton, N.J.: Princeton University Press

解雪莹 考文垂大学艺术与设计学院硕士研究生

［英］John Burns 考文垂大学艺术与设计学院课程总监及高级讲师