西方现代音乐之我见

齐丽文

摘 要：20世纪的音乐在“反协和”“反传统”的思潮指引下，其音乐发展的内在动力与前几个世纪的音乐相比是空前剧烈的。瓦解调性是这一时期音乐最大的特点，将过去系统的调式体系打破重新排列注入个人的理解使这一时期的音乐中个人主义、自我意识空前增长。和声体系沿着两条脉络“愈行愈远”，一是“将功能逻辑向极端化发展”，二是“对功能逻辑从根本上否定”，这样原则下已没有和弦法则可言，有的只是音响效果的堆砌。面对音乐构成元素发生的翻天覆地的变化，我们要从中学习、借鉴什么，才能推动我们民族的音乐的发展，还是沿着西方的音乐道路与之共舞？这些都是值得深省的问题。

关键词：乐音；噪音；现代音乐

中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2014）12-0205-02

一、西方现代音乐中“音”的概念

音就是声音，是音乐构成的最基本载体，它是由物体的振动而产生的，分为乐音与噪音两大类型。在音乐中使用声音的概念是随着时代而变化的，不同的时代对声音的审美观是不同的，是随着社会思潮而变的，人们对声音概念的认知也应与时俱进，决不可固步自封，与时代脱节。

1.乐音与噪音在音乐中地位

西方传统音乐到现代音乐的过程事实上就是吸纳噪音程度最大化的一个过程，把一切可以听到的声音尽可能地引入到音乐中去，用这样的声音去发展音乐。以往，人们对协和的乐音是十分偏爱的，以至于冷落了不协和的噪音，这是人们听觉的自然性造成的。在巴洛克时期，人们在教堂中使用音乐来赞美上帝的功德，用最美好的声音来表示对神的虔诚，因此是悦耳的、优美的，决不会掺杂不协和的音和噪音。古典主义时期人们开始对声音的使用进行探索，但前期基本是在乐音的范围内行进，直至其后期才关注声音的丰富性，不协和、杂音开始进入音乐。随后的浪漫主义沿着古典主义后期的开拓性思维继续向前，和弦的结构变得越来越复杂，这从贝多芬后期的作品可见一斑，不协和和弦使用的频率要超出前一个时代。到浪漫主义中期，人们在贝多芬开拓的创作航道里继续探索着，半音化的和声音响效果冲击着大众的视听神经，也冲破了上一时代的束缚，舒曼、舒伯特、门德尔松、肖邦、李斯特等一大批作曲家等都在这一领域进行了大胆的尝试。从瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》开始，调性音乐开始走向瓦解，瓦格纳把功能和声、调性思维发挥到了极致，作品中变换调性速度之快，这样一来音响效果的尖锐性就大大增强了。到德彪西的印象主义时代，和弦使用的非功能性更加明显了，确定调中心的手法也变得不那么清晰，音乐的描绘性语言表达已不再是人内心的情感，而是变化不定的自然世界，这样的音乐组织思维又超出时代向前发展了。德彪西的《大海》《帆》以及穆索尔斯基的《荒城之夜》都是这样的作品，在这些音乐作品里，不协和音的使用大量增加，不协和音的地位日趋凸显。到了勋伯格的表现主义时代，作曲家把音乐从乐音时代带到了纷杂的噪音时代，声音的两个方面在音乐的历史长河中终于取得一致的地位。纵观历史，声音在音乐中是从乐音走向噪音的一个过程，是不协和音逐渐走向极端化的一个过程，是乐音体系瓦解的一个过程。了解了声音在音乐中发展的历史才能够给我们今天的音乐创作带来无限的启迪。

2.噪音的概念与噪音的使用

随着审美思潮的不断变化，噪音在音乐中的使用日益频繁，作用及地位愈来愈重要，使人们对“音”——这一音乐最重要的元素的观念开始发生变化。那么到底该如何理解噪音这一概念呢？噪音是物体不规则的振动所产生的听起来不协和的声音，是乐音的对立面。声音的概念有狭义和广义之分，狭义的噪音是指由乐器演奏出不协和音程或和弦及改变乐器的演奏法而得到的声音，广义上泛指一切的不协和、不悦耳的声音，如工业噪音、施工噪音等。狭义上，西方的现代音乐颠覆了传统的调性体系，突破了功能和声的规则，使音符结合所产生的音响效果的刺耳程度远远的超过以往任何一个时代。作曲家们不在满足于传统演奏法而得到的声音，而是致力于改变演奏法得到不协和的声音，如在马林巴的边缘用琴弓来拉奏，打开钢琴后盖直接去拨琴弦等。把这样的声音与不协和音程、和弦混杂在一起的音响效果是彻底的“反传统”“反协和”。广义上，把自然界的声音，如动物的叫声、水流声、雷电声等一切不悦耳的声音加入乐曲中，追求音乐领域的新意，就是“让声音就是声音本身，而不是人为的理论或人的感情表现的工具”。

二、西方现代音乐中“乐”的概念

乐，即曲调，是以音符为符号，声音为载体的艺术形式，包括旋律、节奏、调式、和声、复调、曲式等要素。从某种程度上讲，音乐中乐的一面与文学中的文本是一致的，因为它们都是通过符号来传达作者内心世界的，所以说任何音乐作品都是经过作曲家精心创作出来的，绝不是凭空而来的。

1.乐中各要素的时代变化

随着时代的变迁，乐中的各要素也随之发生改变，尤其是调式调性的变化，是紧随时代步伐的。从古希腊调式衍生出中古调式，从中古调式发展为大小调系统，又从大小调到序列音体系、十二音技法等无调性的技术原则。调式调性的变化直接引发了和声世界的“革命”，从使用一、四、五度音程原则到三度叠置而构成和弦，从调式自然音和弦到变幻莫测的变化音和弦，从极富动力的离调进行到和声功能的复杂化、极端化，直至土崩瓦解。用“固定音型”的节奏来达到曲式上的统一，配器上追求尽可能的乐器组合，这一系列的变革无不和时代的变迁息息相关。这些变化铸就了西方现代音乐，不过它变化的步伐似乎仍在迈进。

2.作曲家的自我意识不断增强

音乐表达的思想感情是随时代而变化的。巴洛克时期的音乐更多表达的是对神的情感，音乐中充斥着对上帝的赞美；古典主义时期的后半期人对人的感情成为音乐抒发的主题；浪漫主义时期，个人的情感世界被充分挖掘，以不同的体裁形式来表达；印象主义时期音乐开始把镜头对准了自然。至此，作曲家们的内心情感的表达完全是个人化的了，自我意识在他们的作品里从萌走向高涨。作曲家自我意识的变化与时代的进步和思潮的变化是密不可分的，与人与人之间的关系也是有很大联系的。因为音乐具有社会性，它不是孤立的艺术门类，与社会中的各要素是相联系的。

三、对西方音乐的借鉴

对西方文化的借鉴，五四时期就存在着三种不同的观点：一是洋化派——完全学习西方；二是中西结合派——取长补短，为我所用；三是本土派——否定西方文化。在今天，我们仍然要思考，对西方音乐我们应该采取哪种态度。

现在，我们的音乐界似乎采纳了对西方音乐全盘接受的做法，对它的态度似乎已远超本土文化，这显然是不科学的。如何对待西方音乐文化？这其实不是一个新问题，早在五四时期就有了答案——“取其精华、弃其糟粕”，因为一国之音乐，如果脱离本民族的文化土壤是不可能繁荣的。西方音乐的广泛流传不就是在于它的兼容并蓄吗，它也在吸收其他民族优秀文化的精华，我们应该看到这一点。我们当然要学习西方现代音乐，但不能搞“拿来主义”，而是要取长补短，以我为主，这样，我们才不至于迷失方向，失去了对本民族的文化辨别能力。我们学习外来文化的目的是启迪我们的智慧，使本民族文化发扬光大。学习就要有取有舍，不能进了篮子就是菜。学习他们优秀文化是为了补我们的短处，把西方的音乐思维、技法与本民族的音乐有机的结合起开，推动和发展我们本民族自己的文化。

事实上，音乐创作必须根植于本土文化，一个音乐作品如果没有民族的“灵魂”在其中，那就成为浮萍，国人不会认可，其他民族也未必接受。因为音乐作品离开了本民族的音乐元素就成为“空壳”，已经丧失了存在的价值。早在五四时期这一问题其实就有了答案，那就是不照搬西方，也不闭门造车，而是“取夷之长，为我所用”，这是我们成为音乐强国的必由之路。

参考文献：

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〔5〕宋祥瑞.中国民族音乐学研究的历史与问题——兼论当代的“接轨情结”与中国现代学术的性质及任务[J].武汉音乐学院学报，2001，（2）.

（责任编辑 姜黎梅）