编排设计呼唤音乐美感

郭 娜

（广州工程技术职业学院，广东 广州 510925）

编排设计呼唤音乐美感

郭 娜

（广州工程技术职业学院，广东 广州 510925）

一个有良好节奏感的设计作品是把平面上的元素群组织在一起，有轻重缓急，有高低起伏，从而产生“动听”的旋律。这个视觉旋律能引导读者的阅读顺序，把画面调整到一个使人最感舒适的程度。我们的设计作品应当具备这种音乐的旋律特性和旋律美感，这样才能打动人心，才能与观众产生共鸣。

编排；设计；音乐；美感

贝多芬的《命运交响曲》震惊了世界，它开始的四个音符，刚劲沉重，仿佛命运敲门的声音，这便是音乐的主旋律。我们在第一乐章里听到了那种“完全的绝望的悲哀，那种忧伤的痛苦”；在第二乐章里听到了“那种爱情的温柔的忧思”；而第三、四乐章里用小号表达出来的“强劲有力的、年轻的、自由的欢乐”又是那么鼓舞人心。整曲交响乐主旋律突出，高潮迭起，圆号的低沉凝重伴随着中提琴、小提琴、铜管乐器时而轻快时而安详的节奏变化，便产生了音乐抑扬顿挫的美。这样的美使人心情愉悦，使人充满激情，我们热爱这样的旋律。

那么我们是否可以利用音乐的旋律美来组织我们的画面，把听觉转化为视觉以获得同样的美呢？答案是肯定的，而且国外的一些平面设计工作者已做出了成绩。

一、视觉与听觉

Cyan工作室经常为一些实验音乐领域的项目提供设计，《格式5》便是其中颇为出色的一个。只不过，跟接受大多数此类项目一样，Cyan工作可以享受更加独立、自由的创作空间，但却要承受更为有限的成本预算。这是一个主题为“电子声响艺术之讯号”的国际音乐节，于2001年在柏林老中心区的帕罗夏教堂举办。教堂在二战时期遭到了破坏，经过临时修复，如今的它已被当作一个举办文化艺术活动的场所。音乐节包括音乐会、声响装置和电子音乐研讨会三部分，“格式5”这个名字的来由也同音乐有关：空间中存在着五点——声音是靠这五点的不同组合来识别的（就像音乐简谱一样）。

受到音乐节内容的启发，通过对色彩空间的规划，Cyan建立了一种类似于摩尔斯电码的版式结构，以体现乐谱的节奏。听觉被视觉化了，荧光黄的明亮奏出来画面的最高音，连白色都显得安静了许多，再加上冰冷的银色，从不同角度观察，会体验到空间与视觉节奏的强弱变化。色彩配置的对比关系是如此的富有表现力，文字更像是声音的符号，而那些代码式的画面结构也演化成了色彩的载体。你会深切感受到那种莫名的距离，而这正是电子音乐的特征。其实，画面的建构非常简单，色彩也是只有两种（白色不包含在内），但恰当的色彩配置赋予了画面强大的视觉个性，无论内容、媒体、开幅如何变化，这件“音乐作品”都将延续下去。

我们发现音乐中旋律的编排与平面设计的编排有许多相似点：元素上，音乐中的音符相当于版面中的图片文字元素；五线谱的五根线相当于我们的纸张或其他设计载体；而音乐的各种标记符号相当于版式中用于平衡画面的元素符号。编排上，在音乐中无所谓哪一个音好听与难听，音符一定要放到一起去，才能叫音乐，否则“叨”“叨”“叨”一直按下去一定是噪音，“叨”“咪”“索”放在一起就变成了和弦“C”。这好比颜色中红蓝白的搭配一样，永远和谐。和弦可以继续往里添加新的音符，比如加个“来”这个和弦马上变了情绪，变成了一个7和弦。如果把“咪”换成降“咪”就更是大相径庭地跑到蓝调里去了，就好像在红蓝白的组合中，配上紫色或桔色给人的视觉感受是截然不同的。和弦一直可以添加音符进去，成为9和弦，13和弦……在色彩上就好比我们常说的高级灰。

二、旋律与编排

想要利用音乐美感来做编排设计就应该先弄清音乐的旋律是什么。

旋律也称作曲调，是一连串音乐的有组织地进行。与其他要素相比，旋律在音乐中的地位最突出，也是最主要的表现手段。任何人在听了一首作品之后，首先记住的就是旋律，它是可以由我们哼唱出来的，而其他要素如单纯的音区、力度、节奏，离开了旋律，就无法独立存在，旋律是音乐的灵魂。

旋律和我们的日常语言关系十分密切，最早的音乐，其旋律的曲折变化，是依附于语言本身的，它是将语言中的音高加以夸张得来的。比如我们中国人的吟诗，就是将诗句用较为音乐化的调子朗读出来，西方古老的圣咏也是这样。后来渐渐地有了不依附于语言的音乐旋律，这些形态各异的旋律仍然和语言有着深层的关系，比如曲折婉转的旋律，犹如亲切的谈话；短促有力的旋律，很像是命令或惊叹的口气；下行的旋律就如同我们日常生活中熟悉的叹气声，它往往用来表现哀伤的哭泣或沉重的叹息。

正因为旋律具有情感色彩，它能引起人们情感上的共鸣。作曲家就利用这一特征，来写作表现各种各样的情绪。就如贝多芬第五交响曲末乐章的开始部分,它的旋律是由主和弦分解而成的号角音调，棱角分明，具有英雄气概。这种旋律特性是贝多芬的一个鲜明的标志，是他的个性语言。

旋律在平面设计编排中同样有很好的体现，一个有良好节奏感的设计作品能引导读者的阅读顺序，平面上的元素群组织在一起，有轻重缓急，有高低起伏，产生“动听”的旋律。

视知觉是视觉旋律设计中很重要的部分，它的自然法则与音乐中的自然法则具有完全的同构性：整个视知觉与视觉艺术活动是在律式、调式、和声、旋律、对位等要素基础上发生的。视知觉与视觉艺术活动不但在系统整体上与目前音乐理论体系完全同构，而且在所有的细节——诸如和声、旋律的进行、连接法则、移调法则乃至各种变化和弦、色彩修饰等细节上都表现出高度、惊人的一致性;音乐中的每一个和弦——包括一些不常用的和弦——均在视知觉活动中有着其专门的、不可替代的地位和作用。

尽管音乐艺术与色彩艺术在自然逻辑上有着同构性，但是,音乐发生在一维时间坐标上，而色彩知觉发生在三维空间坐标上，利用这些特点我们可以将一些音乐旋律运用到视觉设计中，将它们立体化、物质化。

音乐艺术与视觉艺术都是以波为媒介的，从整体层面上的律式、调式、调集团，直至细节上的和声、旋律、对位、各种变化和弦、各种修饰手法，都是各式各样的类量子化的频率组合，每一个频率组合都充当着特定的视觉语句，并高度的专门化,甚至是唯一性的指向特定的视觉对象、视觉含义。艺术在视觉艺术中,当视觉语句与其指向的视觉对象达到一致时，便表现为和谐，相反的，便表现为张力。当我们进行视觉设计的创作时，如果忽视了设计中旋律性的东西，依靠本能创作，作品的节奏很可能就会混乱，让人觉得不舒服。

其实在现实生活中，处处都存在着视觉旋律性，比如，高架下川流不息的车辆，商业区里鳞次栉比的高楼，大街上熙熙攘攘的人群都会因为形状、色彩、速度等各种属性的差异产生旋律性。但是我们现在的视觉设计很多方面忽视了对于旋律性的运用，很多设计看似颜色艳丽形式新颖，但是由于没有把握住作品的旋律性所以就显得杂乱无章。音乐中有十二平均律，在视觉艺术中也有十二平均色律，但是事物过于规律性会显得呆板，怎样将这些规律性的东西运用到视觉设计中而又不显得呆板是个值得讨论的问题，所以对于视觉设计的旋律性还是需要更深入地研究。

其实在我们很多的优秀设计中就已经存在音乐的旋律美，设计师利用各种各样的手法来打破“平面”从而产生空间和韵律。如：打洞；夸张暗影效果；使用极具真实性与质感的图象；实物元素与绘画元素的对比使用；利用色彩之间的反差效果；利用线与色条的叠压效果；利用文字与图形、文字与文字的叠压效果；文字之间大小比例关系的对比等等。

三、色彩和弦

《嘹歌》是笔者近期做的一套概念书籍装帧，主要介绍壮族少数民族的风土人情，书以壮族独特的清唱歌曲为主线串起壮家生活的点点滴滴。

在色彩方面，我们从其民族的图案里，从当地自然景物中提取颜色，然后在实际的工作中使用。比如第一本书《布洛陀》每一章节的背景色就是从章节里最有代表性的一张照片中提取的，因为我们需要一套一眼看过去就很有民族的色彩。但问题很快就来了，许多我们在名家的好设计里总结出的颜色组合，再经过我们使用后就变了样，没了神儿，这是为什么呢？真让我们苦恼了一阵子。

起先我们还以为是在颜色记录时出了问题，查对的颜色不够准确，再后来的很多次实验都不成功，但幸运的是疑惑了很久还是让我们找出了原因。原来色彩的使用与音乐中的节奏一样，需要比例，许多好看的色彩组合还需要合理的色彩比例控制，在特定的条件下某个颜色的使用面积一定要大，某一颜色就要小，某些仅仅是为了透气，某些就是为了压沉，再往下我们就没有信心继续寻找规律了，实在是变化无常。但可以肯定的是平面作品一定需要一种节奏的控制。

通过对Cyan工作室《格式5》的研究，我们理解了颜色是应该分组使用的。这些组合的基础应该像和弦C、D、E、F……一样，有一个最原始的搭配，设计师想不断变化，就可以在这些组合里求变。当把没关系的颜色放在一起，就像“发”和“希”谁也不挨着谁，两者之间没关系，画面一定平淡；当把敌对的颜色放在一起，准会难看。运用和弦的道理去理解色彩，会立刻使我们跳出色彩贫乏的误区，发现眼前可用的颜色太多也太美了。合理搭配的色彩组合把画面的视觉空间不断拉伸，让画面不仅绚丽而且厚实，这就是色彩和弦的作用。

J5

A

1673-0046（2011）05-0169-02