简论形式美在艺术创作中的作用

瞿大明

“美在于形式”的思想及其变化作为重要的范畴，一直是西方美学史与艺术哲学中极为关注的问题。英国艺术批评家贝尔提出“有意味的形式”说。英国哲学家休谟认为“趣味无可争辩”，形式美与艺术间的关系是多元的和不断变化的过程。

形式美是人类符号实践的一种特殊形态，是从具体美的形式中抽象出来、由自然因素及其组合规律构成的具有独立审美价值的符号体系。

形式美最典型的形态呈现在艺术美之中。就绘画而言，是构成画面的线条、色彩和由它们所组成的形体本身以及它们相互之间的关系即所谓形式美所具有的感染力。克拉夫·贝尔说：线条，色彩在特殊方式下组成某种形式或形式的关系，激起我们的审美感情。这种线、色的关系组合，这些审美的感人的形式，我称之为“有意味的形式”。从欣赏的角度上说，形式美就是审美主体对这种“有意味的形式”的感知。成功的艺术作品，总是耐人寻味。当你目光接触到对象时，就深深地吸引住。在观赏的过程中，会见出风韵、个性、情感。比如，在凡·高的绘画中看到了对生命的渴望，在毕加索的作品中感受到激情。当你还未来得及看清画面里具体事物的形象或具体人物脸上的喜怒哀乐时，形体的整体感，基本形所传递给你的信息，就使你引起某种情绪的初步感染，这就是形式美。

在模仿性作品中，形式美有它相对独立的意义。这里面有两个因素，一是作品中那些特定的线条、形体自身的美，如绘画的基本形、雕塑的影像、工艺美术的造型等等本身的美；二是它们之间的个别构成因素的相互关系所形成的节奏和韵律，这些因素交融在一起传达出作品主题思想所蕴涵的特定的情感。造型艺术离不开节奏。一种运动的多次反复即形成节奏，这些节奏有规则的变化和再现就产生了韵律。线条，形体的长短，大小、横竖、交错，色彩的深浅、浓淡、冷暖，所有这些因素的对比、和谐，或者说“不协调因素的协调”，它们的交替反复，都会形成一种特定的节奏和韵律。在绘画作品中，例如同一类形体的反复、再现，会加强观众的某一种印象从而产生感染力。形体的大与小，疏与密的差异和强烈对比，能产生热烈、紧张的情绪，而它们的匀称，均衡则往往让人感到柔和舒适，不同的对比关系会产生不同的心理效果。

在具象的作品中，造型艺术的形式美就是以某种形体、线条极其组合关系体现某种神态。那主题形象的基本形，以其自身形态的特性在整个画面的视觉效果中起着显著的作用，在它们的主体形象的外轮廓中总会存在着一个明显或隐晦的抽象的主体形态，这就是作品的“基本形”。所谓“基本形”是指不违反形象个别细节的特殊点的整体感，是对于个别细节在观念中的抽象。基本形作为作品整体的抽象，在艺术的形式结构要素中占有主要的地位，对视觉的感受起着主导作用，是“主导要素”基本形以外的其他要素称“辅助要素”，依照在画面中的作用大小称为“第二要素”，“第三要素”等等。这些抽象的形式要素以一种合规律的方式如多样统一、平衡对称、对比照应等组合在一起，产生了一种与作者的主观表现有着密切联系的特有的节奏，从而赋予丁整个画面独特的感染力。这就是作品的“形式结构”。这反映在欧洲的古典绘画中。古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，这也是学院主义的奉行的原则。正如学院派奠基者法契诺所讲：“美是所有艺术吕的最高目标，它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成。”其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。作为19世纪新古典主义的代表，安格尔善于握拥古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一简练而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”(文社里语，见《西欧近代画家》一书)。因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨，色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》《大宫女》《瓦尔松的浴女》《土耳其浴室》等。如《大宫女》的基本形是弧形，从人物背部，臀部沿着头巾的外轮廓一直延伸到头顶，表达了女性体态的饱满，圆润。与右臂短弧线，右腿的反向长弧线相呼应，体现了形式结构的主导作用。而圆的眼珠、眼窝、乳房突出了丰满柔媚的效果。而人物自然舒适的支撑动作，给人平稳安定的联想。背景、卧榻的布帘，床单的直线，创造出柔和、平稳、优美的节奏，加强了画面的优雅、华贵的气氛。他在《瓦尔松的浴女》的创作中，从这个丰满女子微妙的背部，画家找到了使之激动的因素。色调明暗、冷暖的变化，半明半暗的光色，在她柔嫩的背部变化浮动着；他用绿色的帘子、白色的床单、白色带花的头巾……，安排在浴女的周围，成为陪衬，空间和浴中等物的装饰，通过色彩关系和素描处理，显得十分和谐，因此，溢出一种特殊的美感。同样，法国让·雅克·埃内的《浴中的苏珊娜》中美丽的苏珊娜正在沐浴，她低头、弯腰、屈膝，构成了一个优美的“S”形，特别是强烈的明暗对比，更突出了她窈窕秀美的体态与风韵。拉斐尔的一系列以圣母为题材的作品以优雅、秀逸、和谐，高度的完美为标志。《西斯廷圣母》是一幅祭坛画，他以精湛的技艺塑造了一个平凡而又伟大的母亲形象，她为了人类美好的未来，献出了自己惟一的儿子。拉斐尔一反传统手法采取了一系列新的表现手法，让人们从运动的观点和运动的感觉来观赏圣母下凡，从构图来看显著的特点是稳定的安详感和旋律般的运动感。艺术史家高度评价这一杰作可与《蒙娜丽莎》媲美，都是人类文化艺术宝库中的稀世瑰宝。

形式对艺术本性的揭示在不同的艺术存在那里是通过不同的方式与途径完成的，如美术主要凭借视觉上的形式美如色彩美、光线美、线条美、质地美、结构美等；而音乐则基于听觉上的形式美。还有许多其它的门类艺术，以及这些门类之内尚有各种各样的子类，它们所表现的形式美既有共通性，又存在着不小的差异。真正美的艺术离不开这种形式，这对于许多现代艺术来说也是如此。无疑，形式美为人们带来了情感上的满足与精神上的享受。不同的艺术家对待形式的态度也是不一样的，“性格急躁的艺术家总是要反抗形式，但是，聪明的艺术家却使自己的天才适应形式，使这种形式最后成为具有同等自发性的第二天性，再不然就另创同旧的形式一样明确的新形式。”康德就艺术的本性问题提出了自己的独到见解，他认为艺术是通向自由的必由之路。而海德格尔则认为，“美属于真理的自行发生。”而艺术的本性就是“存在者的真理将自身置入作品。”而在胡塞尔那里，形式本质就区分于质料本质。即使海德格尔将形式隐而不现，视而不见，形式这幽灵仍然挥之不去，在海德格尔对凡·高的油画《农鞋》的解读中就没有形式的东西吗？或是海德格尔换了话语？海德格尔对美与艺术本性的揭示无疑是深刻的，极有启发性的。不同的形式通过艺术作品对艺术本性的揭示既是多元的，又是独特的，不具有简单的可比性。因此，我们常说出色的艺术作品都是惟一的，具有不可替代性。马克思在论及美与艺术时，更看重人的内在固有的尺度和其他物种的尺度的统一。在马克思那里，“美的规律就是人的规律，即有意识的生命活动。”把美的规律与主体的生命活动与创造性实践关联起来。伽达默尔把美学作为解释学的组成部分，基于艺术本文的开放性和生成性，伽达默尔坚持艺术阐释的多元性与无限性。杜夫海纳认为：“意义内在于形式。”审美中并非所有的形式都是美的，他认为：“审美形式只有引起想象力和理解力自由活动时才是美的。”在接受美学看来，对作品意义的寻求与解读的不断赋意是分不开的。尽管如此，对形式与艺术本性的关联的揭示仍然是艰难无比的，这一点谢林早就表达过类似的感慨，他说：“在这样的实践艺术家的时代，除寥寥无几的个别者，对艺术的本质毫无所知，因为他们通常不能企及艺术理念和美。”贝尔廷力图从艺术史中去揭示艺术的形式与艺术自身的内在关联，他说：“相对来说，在艺术最纯粹形式上的风格史已从历史的解释中清除了所有的那些外在的因素以及最初并不属于艺术的条件。”艺术史就是水无止境的对艺术本性探求的历程，也许在现代与后现代的许多理论看来，这种探求是无意义的。针对把形式理解为诸种要素构成的总体关系排列的说法和“形式”概念的混乱，布洛克认为：“美学中出现的：形式主义却远远不是上面的意思。事实上，‘形式一词被人们用到各个不同的场合，分别支撑着各种不同的艺术理论。”形式与艺术本性相关联的复杂过程，也是形式多元化的过程，而“形式概念的多元化本身就是形式美学繁荣的主要标志。”任何无视这种情形的研究或简单化处理都将无助于增进对艺术本性和美的认识和理解。