油画创作中的色彩运用技巧

摘 要：色彩是油画的基础，也是油画作品的重要组成部分，不同类型的色彩搭配能带给人不一样的感觉。本文简要分析色彩运用在油画创作中的价值，阐述了印象派、写实派、表现派、抽象派在油画创作中的色彩运用特点。为了进一步增强油画作品的视觉效果，本文从突出表达、细节处理、和谐搭配等方面，提出了色彩在油画创作中的运用技巧，以供参考。

关键词：油画创作；色彩；运用技巧

中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：2096-7357（2024）26-000-03

色彩搭配是一种视觉艺术，是油画创作中不可或缺的一环，合理的搭配使得画面结构更为完整、作品内容更为丰富，在表达创作者个人风格的基础上，激发人们的情感共鸣。油画创作自发展至今诞生了一系列流派，色彩运用方式逐渐丰富，展现了艺术创作的魅力。对于创作者来说，色彩的运用便是对自身情感的表达，能赋予油画作品生命力，发挥油画创作在艺术审美中的价值。

一、色彩运用在油画创作中的价值

色彩是油画作品的灵魂，对于创作者来说，色彩的运用不仅仅是画面内容的创作，也是自身情感的表达，赋予作品生命价值。色彩的合理搭配，使得油画作品空间结构更为完整，立体感增强，能带给观众不一样的视觉感受。同一色彩的不同饱和度，也会引起画面对比，高饱和度的色彩更为深沉，低饱和度的色彩更为明亮，搭配使用便会起到空间营造的作用，从而激发观众想象力，发挥油画作品的艺术价值。

色彩是艺术作品的重要组成部分，色彩的固定搭配也是彰显创作者个人风格的一种方式。在油画作品创作过程中，创作者会发挥主观能动性，将自身对作品内容的理解使用色彩搭配的方式展现出来，借助固定的色彩搭配技巧，会使得观众一眼便分辨出作者所属流派。此外，部分色彩在心理学中被赋予了特殊含义，如鲜艳的红色代表激情、爱情、危险等；深沉的蓝色代表冷静、神秘、悲伤等[1]。以特定色彩为主的油画作品，能激发观众情感共鸣，促使其从特定角度感受作品内容。

二、不同创作流派的色彩运用特点

（一）印象派

印象派产生于19世纪下半叶，是以画家爱德华·马奈为中心，西斯莱、毕沙罗、莫奈等人反对学院派艺术为出发点，对艺术创作进行革新，从而形成的一种艺术风格。印象派的艺术作品常使用艳丽色彩，强调色彩的直观表达，借助光影的变化，展现作品风格。印象派画家的色彩运用较为大胆，运用独特的笔触技巧描绘自然景象与日常生活。此类油画作品细节刻画较少，更多使用色彩对比的方式，表现不同光照条件下的景物变化，注重环境空间的渲染。

（二）写实派

写实派由西班牙岩画发展而来，更注重对物体的细致观察与精准刻画，使用更为直观的方式展现生活中的人物、景象、社会环境等。写实派的油画作品更为真实，色彩的运用以实际生活为参考，注重对物体真实形态的描绘。写实派的作品通常较为细腻，色彩的运用提高了作品的真实感，情感表达更为强烈，使观众产生身临其境的感觉，直观展示作品主题。

（三）表现派

表现派兴起于德国，作品画面对比强烈，明暗色彩交错运用，夸张、变形等手法是此派别常用的表达方式，旨在宣泄内心情感，促使观众从特定角度对画面内容展开思考。表现派的油画作品颜色运用更为大胆，擅长借助颜色的对比，表达自身对事物的看法，主观性较强。诺尔德、蒙克为表现派的代表性人物，他们的作品常使用高饱和度的色彩，其色彩对比给观众带来强烈的视觉冲击[2]。同时，明暗交错的画面结构，增强了作品的氛围感，是创作者对内心情感的表达，也是对当下社会环境的理解。

（四）抽象派

抽象派是一种“脱离自然”的艺术风格，打破了传统绘画艺术的观念。想象是抽象派作品的重要创作方式，借助色彩搭配展现物体形象，是对传统色彩运用方式的创新。色彩不再是刻画物体的手段，而是表现自身心理状态与思维情感的工具。同时，抽象派作品借助渲染、对比等色彩运用方式，使得不规则色块的搭配更为合理，在营造画面空间感的基础上，促使观众产生联想，激发其情感共鸣。

三、色彩在油画创作中的运用技巧

（一）突出表达

色彩搭配不仅能展现景物的样貌，也能表达创作者的真实情感。油画作品中，大面积使用某一色彩，便能点明作品的主题，加之色彩的合理选择，能帮助观众快速感受创作者的情感。同时，以主色彩为出发点，合理选择色彩搭配方式、调节饱和度，借助对比的方式，进一步强化作品主旨。因此，在油画创作过程中，创作者应对画面内容进行构思，分析本幅作品的创作目的，从而选定主题色彩，突出表达作品中心点。例如，以“自然”为主题进行创作，可使用绿色、青色等色调，使得画面更为和谐，使画面产生宁静、清新的感觉；以“爱情”为主题进行创作，可使用红色、橙色等色调，点明画面中心，营造热烈、激情之感。使用主题色彩表达作品中心，能够通过视觉引导，使画面更具吸引力。

同时，创作者应进行色彩的合理搭配，以突出主题色彩为出发点，在其周围使用低饱和度的色彩。借助色彩饱和度之间的对比，制造画面焦点，使得主题颜色成为画面中最为突出的元素，色块交汇的边缘更为明显，促使观众将更多注意力集中到主题中[3]。例如，泰奥尔多·局丹《肯特的海滩》，通过将明亮的白色与昏暗的褐色、黑色等交错搭配使用，使得海面与天空相互交融。亮色与暗色的强烈对比，向观众展现了海面的波涛汹涌，作品使用大篇幅描绘海面与天空，帆船集中在画面左侧，体现了生命的顽强，使观众对生命与大自然产生敬畏。

（二）细节处理

油画创作过程中，创作者可借助不同色彩的颜色对比，对局部细节进行刻画，从而构建空间、突出主题。运用色彩进行细节处理，使得不同饱和度的色块更为和谐，提升作品美感。创作者应根据作品主题合理选择细节处理位置，确保细节之处能起到完善作品结构的作用。在创作风景类油画时，可对花朵、树叶、水面等元素进行细节处理，使得画面更为生动；创作人物类油画时，应对眼睛、头发、嘴唇等进行细致处理。细节处理使得特定元素在画面中更为突出，从而强化作品主题，使观众将注意力集中在特定元素上。

除特定元素处理外，也可对特定空间进行细致化处理，引导观众的情感走向。创作过程中，可对色彩的饱和度进行调整，通过增强或减弱某一空间色彩明度的方式，提高作品空间立体性，营造环境氛围。例如，普基廖夫《不相称的婚姻》描绘了少女与老者举行婚礼的场面，画面中人物形象较多，细节处理集中在主要人物形象中。画面中少女的头饰、衣物与神态均被细致描绘，精美的装扮体现了人们对婚礼的重视，但少女却展现出了悲哀、无奈的神情，点明了本幅作品的主题。同时，老者的面部表情被细致刻画，明暗对比加深了老者面部的沟壑，使其展现出傲慢、不屑的神态。画面中少女的空间较明亮，其他人物形象的空间较灰暗，神父则处于灰暗与明亮之间，营造出自然光线照射进教堂的感觉，也是创作者对病态社会现象的批判。

（三）和谐搭配

和谐是艺术创作的基础要求，作品的和谐性不仅能为观众带来更好的体验，也能增强大众对作品的喜爱。因此，油画作品的色彩搭配应以统一、和谐为原则，在点明创作主题的基础上，带给观众更好的视觉体验。围绕主题色彩进行颜色搭配，要求其他颜色在情绪强度、色彩明度等方面，均低于主题色彩，避免喧宾夺主。

色彩的和谐搭配，应从色相、明度、饱和度三方面出发，即色彩三要素。其中，色相是基础，如蓝色、紫色等；明度是影响观众视觉感受的重要因素，即色彩的明暗；饱和度与明度之间相互影响，指色彩的强度。在创作中，应将三种要素相结合，使得画面结构更统一。色相相近的色彩，能够营造出和谐的氛围；调整色彩的明度，能够使得画面的层次感更加分明；调整色彩的饱和度，能够突出画面重点。例如，伊萨克·伊里奇·列维坦《夏天的傍晚》的画面以黄、绿、黑三色为主，橙黄色的天空搭配灰色的云彩，黑色的树林搭配绿色的树木，阳光照射下的水潭倒映出了树木与天空的影子。画面中的元素并不多，色彩的搭配使得画面空间层次分明，作品明暗度较低，使观众产生悲凉之感，以民间故事为创作背景，更能引发观众对特定社会现象的思考。

（四）对比运用

色彩对比是艺术创作的视觉表现手法之一，不同色彩之间的明显差异会促使观众将注意力集中在作品中，从而感受创作者的内心想法。同时，色彩对比的方式，能够凸显画面中的特定元素，从而点明主题[4]。创作者通过色彩对比，能对自身特定情感进行表达，进一步延伸作品深度，也能构建特定空间。在油画创作过程中，创作者借助色彩表达主题、突出中心，增强画面的感染力。色彩对比的方式很多，但其中心思想便是在营造视觉效果的基础上，表达内心想法。

以色彩三要素为基础，可使用冷暖色对比、明暗度对比、饱和度对比等多种方式。其中，冷暖色对比需借助不同色彩在强度上的差别进行呈现，冷色通常代表低温、高强度，暖色代表高温、低强度，不同温度的色彩自身便会形成对比，搭配使用能起到激发观众特定情感的作用。例如，克拉姆斯柯依《月夜》使用银灰色系与黑色系呈现对比效果，描绘了夏夜少女的形象。画面中天空使用黑色，人物形象使用白色，画面上方空间与下方空间形成强烈对比，既增添了少女的神秘感，也营造了夏季夜晚宁静祥和的氛围。少女背后的菩提树上半部分隐匿在夜色中，下半部分呈现在少女背后，色彩的对比，使观众获得树木参天的视觉体验。画面下方的池塘与水面的睡莲又形成一处对比，昏暗的池塘上方漂浮着洁白的睡莲，使得周围环境更为神秘，不禁使观众产生恍若仙境的感觉。

（五）渐变处理

色彩渐变是油画创作过程中的重要技巧，不同色彩之间的连续过渡，营造了更为唯美的画面空间。色彩渐变技巧的使用，能够使得画面内容更为真实，渐变的颜色能引导观众视线流转方向，从而表达创作者的内心情感。不同色彩经渐变处理后，能够加强画面中各元素之间的联系，使得背景与元素浑然一体，画面结构更为紧密。

色彩渐变仍以色彩三要素为基础，色相、明度与饱和度之间存在相互影响的关系，创作者通过调整色彩的明度与饱和度，实现色相的平滑过渡。因此，在创作过程中，不仅能够对色相相近的色彩进行渐变处理，还能够将此种技巧应用到对比色中。为了实现色彩的连续过渡，可使用“湿拖鞋”技巧，即色彩均匀涂抹至画布表面后，然后立即在其表面叠加其他颜色，借助工具完成点、刷、抹等动作，便可实现不同色彩的渐变效果。此外，还可使用分层涂画的方式，底层颜料完全干燥后，叠加不同明度与饱和度的颜料，从而完成色彩过渡。例如，路易斯·埃克托尔·勒鲁《维苏威火山爆发》，火山上方的天空色彩便经过渐变处理。黑色与白色的渐变，使画面产生强烈对比，黑色与白色相互交融，火山爆发产生的尘埃表现出“遮天蔽日”之感，凸显了自然环境的恶劣。同时，色彩的渐变使得尘埃与天空形成一个整体，明暗色彩的对比，使得远处天空更为立体，增强了画面的真实感。

（六）光影技巧

除了上述几点内容外，在油画创作过程中，为确保色彩运用效果，还需掌握一定的光影处理技巧，以提高作品本身的立体感、层次感，进一步优化视觉效果。从油画的角度来讲，光影的明暗、强弱、方向均可以借助色彩呈现出来，进一步展现作者想要传递的情感、氛围，给观众带来全新的视觉体验。不少经典油画中均可以看出光影技巧的应用效果，尤其是印象派的作品，在创作中将光影和色彩进行充分结合，借助细腻的处理方式，利用多元化的色彩运用，赋予作品强烈的视觉印象。

莫奈的《撑阳伞的女人》《日出·印象》《睡莲》等，不仅注重光影和色彩的结合，在光影捕捉、再现上也非常突出，通过打造出渐变色彩，完成光线折射，创造出闪烁的画面效果[5]。在创造光线与阴影的过程中，色彩运用与明暗对比是其中非常重要的技巧，尤其是在油画中，应积极利用各种色彩以及不同的明暗层次，来表达光影变化。在光线充足的地方，可使用浅色和亮色色调，在光线比较暗的地方，可使用深色色调。通过颜色、明暗的反差，使画面中的光与影得到逼真的表现。例如，艾伊瓦佐夫斯基《九级浪》大面积使用暖色调，并以黑色为搭配色彩。远处天空使用黄、橙、红三种色彩，通过调整色彩的明暗度，描绘了光影变化，凸显了太阳的明亮，增强了画面氛围感。画面中的自然光影为分段式结构，明暗的反差向观众展示了海面的波涛汹涌，人类在暴风雨中与大自然抗衡，是作者对人类大无畏精神的歌颂。

四、结束语

油画是一种西方传统艺术的表达形式，近年来受到越来越多人的喜爱。了解不同创作流派的色彩运用方式，能帮助观众意识到色彩搭配对油画作品的艺术价值。因此，创作者应根据油画作品的主题与自身对作品主题的理解进行色彩搭配，表达自身情感，带给观众更丰富的视觉体验。

参考文献：

[1]李心怡.浅析印象派油画色彩与设计的交融[J].收藏与投资，2024，15（09）：166-168.

[2]张军.中国当代油画艺术的装饰化语言特色及实践[J].鞋类工艺与设计，2024，4（13）：186-188.

[3]杨会.油画中色彩语言的运用[J].嘉应文学，2024（03）：117-119.

[4]张菁.当代油画色彩语言研究[J].嘉应文学，2024（02）：125-127.

[5]王晓仪.山水与风景题材油画色彩语言的表达技巧研究[J].喜剧世界（下半月），2023（12）：74-76.