写意花鸟画中色彩的运用探究

写意花鸟画是我国传统绘画艺术的传承，在多元文化格局日益形成的背景下，写意花鸟画也得到了极大发展，不同的画家个人风格突出，绘画的语言更加自由，线条也更加成熟，尤其是在色彩的转变和追求层面，不同画家对其进行创新开拓，使得花鸟画更具审美性与表现性。

1 写意花鸟画中色彩的传统运用

1.1 发展历程

花卉和禽鸟是生活中常见的景象，为生活增添了无数色彩。从远古时期起，人们就开始用简练的线条描摹自然界中的动物，1978 年仰韶文化出土的彩陶作品《鹳鸟石斧图》中，一只昂首站立的白颧，嘴上衔着一条大鱼，色彩和谐，生动古朴。春秋晚期至战国初期吴越青铜器上的鸟虫篆纹饰，以及战国漆器上的鸟虫花纹，均说明了当时人们对花鸟的喜爱。秦汉时期，花鸟绘画水平得到一定提高，从出土的文物来看，花鸟纹饰是当时丝织物最流行的装饰图案。魏晋南北朝时期，花鸟画不仅实现了独立分科，还出现了著名画家，如梁元帝萧绎。东晋的著名画家顾恺之，其创作的《凫雀图》，给后代造成了一定影响。唐代时期，域外文化大量输入，促进了花鸟画的进一步发展，如著名的薛稷画鹤、韩滉画牛等，都说明了花鸟画的进步。

五代时期，最有名的花鸟画代表人物是黄筌等，其用色艳丽华贵、绘画极尽工细，极大程度地影响了北宋宫廷绘画。徐熙也比较出名，其经常漫步于田野园圃，绘画对象多为汀花野竹、水鸟渊鱼，传写物态，皆生动有趣。北宋时期，画家都比较重视对物象色彩的细致观察，如赵昌在色彩的运用上最为接近自然，所画花卉极具生意，因此自号“写生赵昌”。

元代以后，政治环境比较特殊，当时的画家多用绘画表现个人的理想与抱负，所以出现了竹石、梅兰等大量绘画题材[1]。宋、元之际的文人画家多善于遗貌取神，追求古意与士气，笔墨简逸、格调高雅。元代的画家擅长用绘画寄托自己的孤傲与高洁，在创作花鸟画的时候，也常常以水墨写意为主。如具有代表性的画家钱选，其晚年创设了彩色没骨画法。

明代是写意花鸟画在色彩运用方面的变革时代。在明代前期的时候，花鸟画在一定程度上集成了两宋院画传统，保持了大部分的宫廷绘画特色。但是，民间的绘画形式却突飞猛进，花鸟画不仅有工笔设色，又有没骨画法。在明代中晚期的时候，写意花鸟画也发展到大写意，色彩清雅秀丽。

清代之后，写意花鸟画的变革更加明显。如恽寿平在创作的过程中，其更加重视写生的形似，还十分强调取神而“摄情”。在具体的创作中，恽寿平的用色十分巧妙，他经常在色中施水，用色渲染，点染并用。与此同时，“扬州八怪”的画家各有各的风格，他们布局、赋色等不拘绳墨，用色方面优雅淡泊，充分反映出士人知识分子的情怀。

19 世纪末至20 世纪初期的“海派”花鸟绘画，将写意花鸟绘画的色彩运用推到了历史新高。如具有代表性的吴昌硕，他在色彩的运用上巧妙地以色助墨，以墨醒色，色墨相融，色彩丰富而又有层次感。名作《三色牡丹图》用色大胆，将大块的红色进行堆积，再加上浓厚的墨绿进行衬托，不仅给人强烈的视觉冲击力，且从整体上看，画面颜色也十分和谐。潘天寿先生称赞吴昌硕为大写意最善用色的能手。

20 世纪20 年代之后，写意花鸟画主要朝着两个方向发展。其一是继承传统的模式，进行了本土化的创新，如代表人物齐白石、张大千等。其中，齐白石在花鸟画的创作过程中，他十分注重写生观察，尤其是在其晚年的时候，他擅长用色画花、以墨勾叶，整个作品色彩鲜艳、层次分明，同时齐白石还将书法等融入其中，形成了独特的艺术面貌。张大千在创作花鸟画的时候独辟蹊径，在他晚年时直接将色彩泼在画面上，让其自由流动渗化，形成了独特风貌。其二是将西方绘画元素和东方传统相结合，如代表人物高剑父、林风眠等。其中，高剑父积极汲取了西方的绘画技法，喜用色彩和水墨的渲染来表现物象的形象和质感，强调色彩层次的变化，给人一种独特的立体感。林风眠主张中西调和，他的作品运笔简洁，色彩斑斓，既有油彩之浓郁，又兼水墨之清灵，给人厚实平淡，天真明净的感觉。

1.2 色彩观与情感

古人以“丹青”指代绘画，说明了色彩在绘画中的重要地位。在古代绘画中，石青、石绿等矿物颜料的运用十分普遍，而花鸟画本来就以花卉、禽鸟为对象，所以色彩的运用更加重要。南朝谢赫在《古画品录》中的“六法”中提到“随类赋彩”，它是中国画用色的基本原则，是一种用色标准。在创作上，既要求符合客观物象的色彩，又要契合画面的创作主题及情感表达，突现了色彩在花鸟画中的重要地位。

在我国绘画的传统色彩美学理念中，通过探析优秀的名画作品，得知色彩的主要作用是突出画面的情致，是为整体表现所服务的[2]。如潘天寿在《听天阁画谈随笔》中指出：常见的花卉本来是没有黑色的，但是传统中国画在创作的时候，常常用墨色来展现花卉。可见，绘画的核心在于“写意”，突出画家内心的情感与感受，可以从想象的角度来完成作品的赋色，进而展现出独特的气韵。

不同的画家思想情感不同、创作背景不同，所以对于具象的事物也会产生不同的审美情感，这就使得花鸟画的色彩运用更加丰富多样。但是，不管是怎样的创作，其都要做到有境界、有韵味，画面整体要和谐，给人一种美的感受。例如，徐渭笔下的水墨花卉，其灵活地使用了墨色，传递出徐渭的狂放与简傲。吴昌硕使用浓艳的色彩创作，展现出一种苍厚的精神气韵。张大千的用色秾丽厚重，晚年的泼彩更加自由奔放。

2 写意花鸟画中色彩的多元创新

2.1 传统色彩观的继承与突破

谢赫提出的“随类赋彩”，主要是指依据不同的绘画对象，为其赋予不同的色彩。事实上，从古至今人们在花鸟画的色彩运用上也做到了这一点，所以也形成了丰富多样的花鸟画作品。我们可以从李思训、李昭道父子的作品中感受唐代画家在色彩运用方面的热烈与精致，也可以从“元四家”的作品中感受到简淡、素朴。然而，真正突破传统花鸟画色彩局限的是“海派”画家。在早期阶段，“海派”画家在色彩的运用方面还比较传统，如赵之谦的作品用色以典雅为主。而后，吴昌硕等人开辟了新的色彩运用天地。在创作方面，吴昌硕极大程度地受徐渭和八大山人的影响，同时在色彩的应用方面大胆创新，且富有一定的生活情趣。通过解读他的画作，可以看到色彩明丽、赋色浓重，充分展现出花卉的明艳。

随着时代的变迁，石涛提出“笔墨当随时代”的观点。如今的画家都比较推崇“笔墨当己意”这一观点，其在实际的创作中也不受到传统程序化的束缚，而是积极借鉴了西方的绘画色彩，应用现代人的思维去感受自然，结合个人的理解和思想情感，创作出更加富有生活气息的作品。

2.2 对西方绘画色彩的借鉴

西方古典绘画作品的色彩具有丰富性、象征性，且和其文化有着不可分割的关系，更加突出质感和光影带来的视觉效果。19 世纪晚期以后，印象派画家放弃了颜色概念，画面的色彩语言成为画家个人的视觉反应，这也造成了后面光怪陆离的色彩运用成为现代西方绘画的主要表现方式[3]。中国隋唐时期的绘画对日本的浮世绘影响重大，人物画流畅的线条，平板式的画风和装饰性的颜色运用。改革开放后，西方现代艺术观念给中国花鸟画带来了极大程度的影响，越来越多的画家开始研究和借鉴西方的色彩运用并进行创新，使得我国花鸟画展现出新的时代面貌。

2.3 写意花鸟画色彩运用的多种形式

传统写意花鸟画的色彩运用方面充分展现了我国古人的观念和智慧，融入了我国古人的思想情感。不同的画家在色彩运用上，一方面对自然花鸟进行了观察，总结了一定的规律，另一方面在色彩运用上熟练变化，随时创新，这也与画家不同时期、不同状态下的内心情感是相契合的。对于画家而言，色彩是抒发情感的载体，色彩的运用既要符合普通的规律，又要高于其自身，赋予画面更高层次的艺术感观。

在现实创作中，我们可以看到将真实的色彩运用于花鸟画，这会使得画面更加生动逼真，但是个别时候，运用不到位，也可能会造成画面的气韵变得庸俗。这一点，对于创作者的要求是十分高的。画家的可贵之处，就在于其能在自然色彩的基础上，将色彩融合运用，提高其内核价值，并给人以不同的视觉感受。通过合理地布局、规划和搭配，使得色彩画面符合人的多元化审美需求，又能给人不一样的感悟。经过重新加工而呈现出来的色彩，可以是来源于自然，又高于自然的。这种巧妙的现象，不仅考验了画家的专业水平，考验了其对自然色彩的细致观察，还能让我们看到画家的真实内心世界，了解其精神状态。在这一创新的色彩思想上，如今依然指导我们进行艺术创作。

2.3.1 色彩的和谐

这一点是花鸟画创作的主要追求之一。就自然界中的色彩来看，不同的色彩组合在一起给人以不同的感受。在花鸟画创作中，色彩的运用就必须要注重色彩之间的和谐，这一点在当代的花鸟画作品中得到了证实。色彩的和谐不仅能满足欣赏者的视觉需求，给人以舒适、不突兀的感受，同时还能传递创作者的思想情感，营造出不一样的意境。与此同时，色彩本身是中性的，没有立场的。在具体的色彩运用中，画家的思想情感占据了主导作用，他们只有积极汲取成功案例，积累丰富经验，才能搭配好色彩。对于画家而言，对色彩观念的认知在一定程度上影响了其色彩的协调状态，而这一协调状态也可以认为是花鸟画语言形式的一种表达。虽然，在传统的花鸟画创作中，画家对于笔墨的协调有一定的要求，但相应的也必须要重视色彩协调的搭配。著名的表现主义画家康定斯基就认为色彩是体现画作核心精神的标志，色彩的和谐与画家本人的心灵是统一的。因此，花鸟画的创新必然不能离开色彩搭配的协调统一。

2.3.2 色彩的对比

色彩的运用是对立且统一的，在绘画创作过程中，色彩的搭配不仅影响着画面的效果，还对作品的思想感情的呈现有着辅助作用。色彩的搭配过程在画面中是“和谐”与“统一”的过程。所以，画家们必须要积极处理色彩关系的对立面，以此为依托有效提高花鸟画的创作水平。就我国古典绘画作品来看，色彩的运用已经呈现出对立统一的特点，鲜艳的色彩在画中形成各种差异和冲突，最终形成和谐统一的整体，展现出独特的魅力。我国传统的五色概念，包含了青、黄、赤、白、黑，它们并非独立静观的存在。在不同的事物中，“五色”对应着不同的事物并得到了丰富的运用。“五色”各不相同，有着显著的差异，又能经过调和，衍生出丰富多彩的其他颜色，画家可以很好地利用其特性，大大增加画面颜色的丰富性，使画面给与观看者更多的视觉感受[4]。例如，在吴昌硕的作品中，强烈的红、黄、青三种颜色与深沉的墨色形成鲜明的对比，鲜明而不庸俗，具有强烈的视觉冲击力。齐白石从吴昌硕的绘画技法中汲取灵感，将色彩的对比与和谐发挥到极致。在当代画家中，小写意花鸟画大师孙奇峰先生非常善于在绘画中运用色彩对比来达到表达情感的效果。

就当代的写意花鸟画发展现状来看，不同的作品风格迥异，原因主要是近年来全球文化的融合和冲击，在无形之中给我国画家的思想观念造成了一定的影响。再加上现代人的审美追求越来越多样化、个性化，这也推动了画家在实际的创作过程中，不得不去主动适应社会审美变化，在色彩的创作上进行创新。王雪涛先生是巧妙融汇中西的大师，他善于用灵巧多变的笔墨，在传统固有色中融入西洋画法讲求的色彩规律，各取所长，达到视觉上的和谐、均衡与统一。他还能准确地把握动态中的花鸟，在情景交融中体现出转瞬即逝的情趣。因此，王雪涛先生笔下的花鸟虫鱼，刻画细致入微，变化多姿，情趣盎然，造型生动，摆脱了明清花鸟画的僵化程式，凭借清新、高雅、独到的画风，成为20 世纪卓有影响的写意花鸟大师。通过欣赏王雪涛的《伴侣》和《牡丹蜜蜂》两件作品，我们可以从中看出其在花鸟画创作时的用色特点。其中，《伴侣》这一作品的枝干部分全用黑墨画成，浓淡相间，挺拔苍劲。画中的红叶则红中带黄，姿态生动，鲜艳明亮。两只小松鼠充分吸收了西洋画的精准造型与明暗技法，工写相间，极其活泼生动，整个画面充满了生机。又如《牡丹蜜蜂》中的牡丹用笔率意生动，用色则花青、赭石、明黄、橘黄、深红、浅红加墨等混合使用，形成复合色，厚重而生动，鲜艳而精丽，不落俗套，成为画牡丹的典范。飞舞的蜜蜂也率意而生动，为画面增添了许多生机。这种将中西方绘画精髓结合在一起，既保留了传统特点又进行了现代创新的画法，十分值得我们借鉴和学习。又如著名画家陆抑非先生，他的花鸟画技巧和写生功夫堪称一流，其最大的特点就是用色厚重华丽。如潘天寿曾评价陆抑非的花鸟画：当代用色第一！可见陆抑非先生在花鸟画色彩上的辉煌成就。

2.3.3 用色的技法表现

水彩色兼用法。水彩色比较细腻鲜艳，不仅透明度比较高，且还具有较强的渗透力。在花鸟画的创作过程中，如果想要表达一些透明度比较高的物体，则可以用水彩色。特别是在渲染中运用水彩色，能够获得更加清新的画面效果。

色墨调和法。该方法主张墨带色或以色带墨，具有中国画水墨特点，讲求色彩调子，使墨色进入环境色、光源色行列[5]。常见的方法涵盖了四种，即直接调和、衬色调和、喷色调和、染色调和。通常情况下，每一幅画都需要有一种主色，或者是由一种主色占据画面的主要位置。这一要点就需要画家结合画面想要表达思想情感，并且结合自己的意念去调和。直接调和，即在水墨使用时注意带色，使其形成统一调子，进入环境。但要注意的是不能使墨色受到影响，如墨与赭石要在盘中调透，而青与墨又不宜多调，应让它们在纸上自由渗化、融合。衬色调和，即以色纸衬托，调和统一色彩，如在画面后衬裱色纸，或直接用有色宣纸作画。喷色调和，即用喷绘的方法调和统一色彩。染色调和即用渲染的方法调和统一色彩，所用色彩不宜过深，也不能太花，一般待画干透后进行，而且最好在反面用大笔渲染。

3 结语

探讨写意花鸟画中的色彩运用，对于其发展有着重要价值。写意花鸟画经过多年的发展，其色彩创作更加多元化，和当前社会的审美相一致。通过研究分析花鸟画中的色彩创作，以及解读不同名画家的作品，有助于为花鸟画的传承注入新鲜活力，推动花鸟画色彩运用的进一步创新。