浅述交响乐团弦乐声部训练

戴 越，王春雨（通讯作者）

（佳木斯大学 黑龙江 佳木斯 154000）

在交响乐团排练和训练中，音色的融合处理水平直接影响作品的表现力，正规的交响乐团中一般含有4种弦乐器：小提琴约20把，是4种中体积最小、音调最高的，不仅可作为乐团的和声背景，还可以进行独奏，主旋律以及副旋律通常交给它演奏；中提琴有10 把，肩负填充内部和声的重任，但独奏功能较弱；大提琴10 把左右，负责低音部分的演奏，可用于独奏，亦可用于合奏，偶尔负责主旋律及对位旋律的演奏；低音提琴仅4 把，顾名思义，负责低音声部的演奏，且常与大提琴联合演奏，体积最大、音调最低。

一、弦乐声部在交响乐团中的重要地位

交响乐团中的弦乐声部有主旋律及和声演奏、低音表现等功能，这与其拥有较其他组群更为宽广的音域有直接联系，不同的运弓方法可以实现力度的调整以及色彩的区分，便于演奏出悠扬而延绵的长音，甚至可以做到不间断演奏，这也是其他组群所不能比拟的优势。此外，弦乐声部的和谐音响效果格外温暖，音色表现力强，最适宜表达曲子的复杂情感以及作者想表达的内心世界，综上所述，弦乐声部自然而然地成为了整个交响乐团的基础。

弦乐器历史悠久，在多年发展过程中，种类不断丰富、技法不断创新，多种乐器间的配合也越发熟练。无论是小提琴、中提琴、大提琴还是低音提琴都有其应用范畴、功能价值和音响效果，在交响乐团中都有着无法取代的地位。无论是从交响乐团的演奏曲目看，还是从乐团席位的安排情况看，弦乐声部一直以来都是交响乐团建制的中流砥柱。尤其是在中西方音乐大融合的背景下，合奏作品的难度越大，对弦乐声部的要求越高，每一个交响乐团在发展过程中都面临着一个又一个挑战，而弦乐声部反复适应新挑战这一方面显示的优越性远超其他声部。弦乐声部在声音模仿这一方面有着得天独厚的优势，经过灵活选择、应用指法与弓法，牵动无数观众的思绪，与之达成精神层面的情感交流，为交响乐团的演奏增添一份音乐表现力及感染力，深受观众喜爱。为此，提高弦乐声部的训练水准已成为当前阶段的重点研究课题。

二、交响乐团弦乐声部的训练思路与建议

（一）积极培养乐团思维

所谓乐团思维，是指要将自己置身于整个乐团中，在其中发挥自己的作用，既不过分突出自己，又要在乐团需要之时挺身而出。不可否认，弦乐器独奏时的艺术魅力会给人留下深刻印象，演奏者们因此也逐渐形成独奏思维。在许多作品中，作曲家会留出足够自由的空间给演奏者，以便其即兴发挥，为此演奏者习惯在独奏中展现个人的所思所想，独奏思想根深蒂固。这种思维模式在交响乐团中并不受欢迎，甚至对演奏的整体和谐度有一定反作用。为此，对乐团演员的考核标准不应局限在扎实的基本功或高超的技巧水平，还应充分考虑其乐团思维的成熟度，以此确保演奏者既能在自我演奏时控制好音乐，又能维持声部的整体音响和谐，这也是交响乐团排演及弦乐声部训练的重要前提。

单个弦乐器的独奏以及交响乐团中的弦乐声部合奏不可相提并论，这是因为乐团思维强调的是演奏的共性问题，即各个乐器以及与其他声部之间的应有的默契。在乐团思维之下训练弦乐声部，要做到避免个人炫技式的演奏，改掉那些有别于其他乐团成员的演奏习惯，尤其在根据排演曲目进行分声部练习时，一定要明确不同声部扮演的不同角色，还要在此基础之上进行各声部间关系的梳理指导，深入贯彻落实整体乐团思维，确保演奏时能够朝着同一方向前进、为满足同一要求而努力，从而实现交响乐团整体演奏水平的进步。

（二）具体乐器的训练建议

1.小提琴的训练

右手的训练强调对音色的控制，尤其是运弓的方式，应尽可能地还原作者的要求，正确、标准的持弓姿势才能得到想要的音响效果；还需强调对弓速的控制、压弓力度的控制以及准确把握发音点，只有清楚认识三者的关系才能在演奏时做到得心应手。刚开始练习时，一定重视弓位置的分配，这是因为不同的位置适用不同的演奏弓法，表达的音乐情感也不尽相同，从观众的角度来说，统一的琴弓位置给予他们一种统一的美感，这也是成为一个合格的交响乐团的重要前提。碎弓是交响乐的震音，为得到细而密的音乐效果，在弓尖进行弱奏，练习时放慢速度，打着拍子并一点点向上加；运用跳弓技巧时，应充分利用琴弦上最有弹性的中部，配合不同的运弓速度和力度，得到不同的音效。练习之时可将自己想象成机器人，仅在空中做运弓动作，保持手腕不动，尽可能地放松大臂，灵活地控制手指。演奏时一定要关注手指的抬落动作，无论是空弦还是琴弦，都要保持4 根手指位置不变，直竖大拇指的同时控制好与其他手指的间距，避免误碰琴弦。就揉弦而言，应保持演奏节奏与演奏作品的风格相适应，放慢速度可表现恢弘气势，而减小压力可表现欢快的音乐氛围。

2.中提琴的训练

在交响乐团中，每一件乐器都有其特点。受音域的影响，中提琴音色比较稳重，要求演奏者在下弓前做好演奏准备，在头脑中构建要演奏出的声音以及达到的效果，寻找一种将弦挂住的感觉，将手臂的力量经手腕及手掌汇集在指尖，确保所有力量都能作用在琴弦上。众所周知，共鸣箱的大小会直接影响演奏的音色及音量，而中提琴体积较大，考虑到交响乐团弦乐声部女演员较多，为了方便触弦，经常会将左手拇指置于琴颈之下。但这样难以保证音准，且频繁换把可能会影响演奏速度，为此在平时可以对各种大小调、三个八度的音阶及琶音多加练习。使用弓子时，无须要求如小提琴那般灵活，在选择弓法时需要考虑到演员的自身条件；指法及把位在实际应用中，应区别于小提琴，将左手手肘伸得更远一点，甚至可以弯曲以便勾到最低的弦，且手指触弦应当保持稳定发力，以此确保音响效果的清晰与连贯。在演奏贝多芬等浪漫主义音乐家的作品时，一定要突出其旋律性。日常练习时，不仅要练好自己的独奏部分，更要加强练习乐团片段，加强与首席或指挥的有效交流。

3.大提琴的训练

在交响乐团之中，大提琴声部一定要强调整体与共性、削弱个别与个性，以此确保整体创作及演绎的完整性及协调性，这就要求演奏者不能过于突出个人，尽可能地将自己融入整个声部之中，学会用眼睛去看他人的弓弦位置，用耳朵去听辨认的演奏效果，寻求一种整体统一的共鸣。由于大提琴组的位置不如小提琴组靠前，为此与其他声部的配合、交流也大多依靠乐队指挥，可见正确理解指挥有多重要。演奏者应当牢牢掌握谱例上的每一个符号，严格按照首席乐手标记的弓法及指法演奏，以此确保整个大提琴声部和步调的一致，音色的统一。在看指挥的手势时，还要关注首席的动作，理解力度、掌握节奏、跟上速度。总之，一切都要做到随机应变。边演奏边判断自己的音准，控制自己的力度，使之与本部音色保持高度一致，融为一体。就具体技法而言，演奏旋律时可使用连弓，尽可能减少换弓，从而保证音准及整体连贯性，在乐曲尤为激昂之时可考虑使用长弓，适当增加运弓的次数，确保能够准确表达出曲子的内容并实现情感的传递；就指法而言，应当尽可能选择那些简单的、幅度较小的指法，最好在顺把及横向五度中选择。

4.低音提琴的训练

多次改进倍低音古维奥尔提琴后，低音提琴才逐渐成型，虽然它在交响乐团中的数量较少，但却是不可或缺的一部分。虽然它的演奏功能远不如其他弦乐器丰富，但却直接影响低音的表现效果。在日常练习可以分两步进行：一方面，对演奏者进行常规技能训练，以《拉斯卡》等教程为依据、在指导者的配合下进行；另一方面强调针对性训练，练习时适当放慢节拍器，将内容填充在框架中，待多次练习并完全掌握后再逐渐加快速度，反复多次循环，直至达到我们想要的水平。就人工泛音的训练而言，许多现代音乐作品中都存在泛音，谱例上的相关标记令人眼花缭乱，受低音提琴自身音域特点的影响，人工泛音多出现在高把位即拇指把位之上，但低音提琴是4 种乐器中体积最大、音调最低的，对音准的要求也更高。可按照纯四度的方式进行练习，即拇指要按实、无名指要按虚，慢慢过渡到实音与泛音的交替演奏。低音提琴的训练难点在于高音区的换把，可以先以较音器找到指板边缘的音高，然后按照排列顺序，由下至上地进行记忆训练；训练的难点还在于双音，演奏者应当先保持较慢的速度，在做到自然换音后再练习双音，强调连接部分。

（三）注意音色的融合训练

交响乐团弦乐声部的训练应当关注不同种乐器的音色融合情况，这不仅决定了音乐形象的塑造情况，同时还决定了整个作品的表现力。所谓融合，一定要以把握乐团音色与音准为前提，做到节奏及速度的高度一致。为此音色融合也具备了两层含义：一为和弦音色的融合，二为旋律音色的融合。演奏者一定要深入分析音乐作品、了解音乐性格、熟知音乐内容，演奏中既要结合自己的理解，又要完全体现谱例上的演奏要求，既要发挥自己的最高水平，也要注重与团队其他成员的协调与配合。在表达作品内容及情感之时，既要采用统一的演奏方法，又要保持一致的技术手法，唯有如此，才能产生更为理想的“群声”。

以弦乐声部的音准统一为基础，校验旋律音准时，不可以纯粹的物理学音响效果为标准，反而要关注旋律在运动变化过程中的相对音准。这是因为在旋律行进过程中，必然显示出一定的倾向性，且音准问题还会受调式、调性等多方面因素的影响，这要求演奏者要时刻倾听其他声部的旋律音准，从而适时地、及时地调整自己的演奏，尤其是在演奏速度较快、频繁换把时，更应当放慢练习的速度，直至精准掌握音准再逐渐加快练习速度。就接触点问题而言，不同的接触点会产生不同的音色，在演奏具有穿透性效果的音色时，应将琴弓尽可能靠近琴码，为了发出融合度较高的音色，应当将手指落在琴码及指板之间，为了演奏出较为柔和的音乐，可以尝试靠近指板，但一定要把握力度。就运弓部位及弓法而言，需要按照总谱以及分谱上的标记与规定演奏，但不同演奏者对音乐作品的理解也不一样、习惯喜好也有所差异，这需要首席以及各组组长进行协调统一，在演绎前确定最适宜、更统一的弓法，以此得到协调的音色效果。就指法及用弦而言，一定要注意音色及力度的差异，例如在旋律乐句中，不可使用空弦，但可以转用速度较快的过渡句；又如在速度较快的乐句中，一定要注意控制把位，高把位时尽可能使用二指或三指的揉弦技法，以此提高音乐的整体表现力。

综上所述，弦乐声部是交响乐团的合影。丰富多样的结合方式，音域宽广的演奏特点，区别于独奏的合奏思维，乐团演出强调的整体及和谐，为此一定要充分发挥弦乐器的音色融合性较强的特点，加强对弦乐声部的整体训练以及对演奏人员的科学指导，在得到理想的音响效果的同时提高音乐表现力。为此本文以弦乐声部在交响乐团中的重要地位分析为切入点，分别分析小提琴、中提琴、大提琴及低音提琴这四种主要乐器的练习方法，最后从音色大融合的角度提出建议，希望以此给予相关从业人员新启示并切实提高交响乐团的整体演绎效果。