浅析色彩在摄影实践中的应用

司新磊 / 上海大学

摄影是一门摄影师在底片上作画的艺术，是从绘画中分离出来的艺术形式，摄影的实践和架上绘画有着密不可分的联系，如同绘画一般色彩对于摄影而言有着举足轻重的地位，无论是使用传统胶片进行创作亦或是使用数码相机进行创作，摄影师对于色彩的选择与搭配都最终影响着画面呈现和观者的观看体验。

1 摄影的色彩特征

1.1 色相的选择

摄影术在诞生之初摄影师们只能创作黑白的影像，并且摄影并不被作为一种独立的艺术形式而被看待，而是要依附于绘画而存在，但摄影家和化学家们并没有停止对彩色摄影技术的探索，摄影作品中第一次出现颜色是在1861年由詹姆斯·克拉克·麦克斯韦所拍摄的缎带的照片，在十几年之后的1877世界上第一张彩色景观照片《法国南部的景观》（图1）也拍摄完成，摄影逐渐走向彩色时代。色彩是影调的主要构成因素，早期的画意摄影流派的摄影师们就开始对照片的色相进行初步的探索，如蓝晒印相工艺，铂钯印相工艺等传统的转印工艺都在影像的色相表现上进行了尝试。

图1 《法国南部的景观》

摄影是用光的艺术，然而色和光是区分不开的，色彩的本质就是光，不难想象没有光线的存在画面一定是漆黑一片的，颜色也就无从谈起，因此在摄影创作时颜色的呈现是由光控制的，而光又由色彩表现出来，二者相辅相成[1]。光的三原色是由红、绿、蓝构成，而摄影的色彩表现也基于光的三原色，摄影师的创作实质上是对光线的再制作，白光由七色光构成，无论是自然光线或是灯光摄影师都可以通过对色温的控制梳理出想要影调构成。

不同的颜色都存在与之对应的事物，观看不同颜色的同时也会产生不同的感受，例如，日本摄影师川内轮子的作品在色相的选择上是贴近自然的色彩，她拍摄所选择的视角如同孩子一般单纯而又特别，往往最简单的颜色却能达到感人至深的效果，观看川内伦子的照片往往会被那些纯粹的色彩所吸引而无法自拔，仿佛在观看她的作品之前，人们从未如此平静的去观看这自然界中最简单、最朴实的色彩。她的作品中最频繁出现的颜色同样是自然界或者日常生活中最常见的颜色，比方说蓝色、绿色、黄色、和红色等。蓝色和绿色这些偏冷的色系在川内伦子的作品中往往占比很重，经常作为背景色出现，当观者观看川内伦子的照片时内心往往是平静的，这种平静的情绪在一定程度上是偏冷的影调所赋予的，同时蓝色和绿色也是自然界中最常见的颜色，绿色人们通常会联想到植物，而蓝色则会联想到天空、海洋，因此当一幅照片同时出现蓝色和绿色观者就不自觉的联想到自然景观，这就是摄影师所使用的一种心理蒙太奇，因此川内伦子在拍摄时就会偏向于这些颜色的使用，同时川内伦子的作品也不乏暖色系的出现，例如常见红、黄等。暖色系和冷色系的搭配使用也是川内伦子的作品中所经常出现的，但在画面中冷色系往往占较大的面积处于主导的地位，而冷色系则占较小的面积起点缀的作用，这种冷暖颜色的对比运用使川内伦子的照片简单而不单一。

例如这幅《海龟》（图2）是川内伦子比较被人所熟知的作品，作品的构成也十分的简单，画面的主体是一只在水中游泳的海龟，清澈的蓝色水纹中，海龟正悠闲地漂浮，这自然中再常见不过的场景，经过摄影师的拍摄莫名有了一种不可言说的气质使观者浮想联翩，这就是色相的选择在起作用。画面中的深色海龟在蓝色的影调的对比衬托下显得十分显眼，观者可以一眼就捕捉到画面的主体的原因是摄影师在拍摄时就通过色彩搭配做好了视觉引导线。

图2 《海龟》

1.2 饱和度

饱和度是摄影的重要指标之一，色纯度是指色彩的颜色程度，是一种颜色和相同亮度的消色之间的差别程度，摄影作品色彩的饱和度指的是画面中色彩的纯度，饱和度较高的摄影作品往往有较强的视觉冲击力，反之作品的表现则比较平淡。摄影作品画面的饱和度和现场的光线条件息息相关，当现场的光线为漫反射光线时，画面的饱和度往往偏低，相反在光线条件充足的条件下，往往能够获得较高纯度的色彩，其本质是当不同的色光之间的混杂程度越高时，与之相对应的色彩纯度就越低。通常摄影师会使用一些滤光镜以消除进入镜头的杂光如偏振镜，从而提高色彩的纯度，此外使用灰度镜片或使用慢门拍摄都能达到控制饱和度的效果。在色彩饱和度的选择上，摄影师会根据不同题材的照片从而调节所需要的色彩饱和度，色彩饱和度并非越高越好，随着后期技术的发展摄影作品的饱和度可以达到传统胶片摄影所不能企及的程度，但当画面中的饱和度较高时通常会带给人一种虚假感，如果摄影画面中物体的饱和度高于自然界中人眼所观看到的色彩纯度就会造成画面的失真，并且当观者长时间去观看一幅高饱和度的影像时往往会视觉疲劳。一部分摄影师的作品往往是在寻求饱和度的平衡，有时较低饱和度的色彩配制往往可以渲染出一种深沉的气质，摄影是在摄影师对自身与社会的自我反思中不断发展的。

1.3 固有色

摄影的重要功能之一就是还原世界的本来面目，自然主义流派摄影的创立者彼得·亨利·爱默生，他在长达三十多年的摄影生涯中一直力求展现真实的世界，即“真实的照片”，他主张摄影师应该到自然世界中去记录最真实、最纯粹的影像，并且创立了有关于摄影的自然主义美学理论，可见对真实世界的还原一直是摄影师所追求的。还原被摄物体的固有色是摄影师所必须具备的基本功，顾名思义物体的固有色是指物体本身所呈现出的颜色，即物体所反射光线的颜色，摄影实践中物体在正常光线的照射下所呈现出的颜色就是物体的固有色。影响被摄物体的固有色的因素有很多，如拍摄现场光源的颜色，通常情况下日光的色温在不同的时间段是不同的，清晨和傍晚光线的色温一般为3000K左右，而中午的色温则能达到5000K，而阴天的色温则为7000K。不同的光源色会干扰摄影师对固有色的还原，所以在拍摄一些商业题材的摄影作品时摄影师通常会使用人造光源进行拍摄，人造光源相较于日光有着恒定的色温，同时配合柔光箱等一系列补光器材可以最大程度地使光线分布在物体的表面。此外环境色也在一定程度上对被摄物的固有色产生影响，环境本身反射的光线是带有颜色的，此时会干扰被摄主体的色彩还原，因此摄影师如果想要在室外的日光条件下尽量还原物体的固有色，需要选择尽量空旷且颜色较浅甚至接近于白色的背景进行拍摄。环境的反射光相较于环境的主光源而言相对较弱，因此环境色对被摄物的色彩还原影响较小，且主要呈现在被摄物的暗部，而光源色的影响则为被摄物的亮部。然而摄影之所以被大众认同作为一种独立的艺术门类而存在并不是单纯源于它的商业属性，摄影作品是摄影师的创造，是带有摄影师主观情感的产物，摄影师对被摄影物色彩的还原如同绘画一般也同样是主观的，摄影师们对于司空见惯的物品色彩的再创造往往会使观看者耳目一新。

2 摄影实践中色彩的情感象征

摄影师表现情绪的方式多种多样，光线会赋予被摄物情感特征，摄影师会通过控制光线对比的强弱从而控制被摄物的情感表达，如当画面中的明暗对比强烈时会传递出一种极端紧张的气氛，如果被摄主体是人则给观者一种刚毅的感觉，所以对比强烈的光影效果适合在拍摄男性时使用，而较柔和的光线则更适合拍摄女性题材。同理，摄影师在色彩的使用上依旧遵循着相似的原则，色彩也同样拥有性别指向，这基于大众长久以来形成的视觉习惯如蓝色这种偏冷的颜色往往象征着男性而黄色、红色这些暖色系的颜色也通常被贴上女性的标签，而摄影师在构想一幅摄影作品时会充分利用这些色彩符号从而达到自身想要的呈现效果。摄影师在创作时会使用一些情感指向性较强的颜色进行创作，如红色作为血液的颜色，通常会营造出一种心跳加速的感觉，此外无论是电影摄影亦或是图片摄影，红色都有一种危险的情感寓意。而同样作为暖色系的橙色也是摄影师经常会使用到的颜色，例如秋叶的颜色、晚霞的颜色都为橙色，摄影师往往会搭配较深颜色的背景来衬托出橙色的温暖的气质。再如蓝色则会带给人一种忧郁的气质，如果摄影师在他拍摄的画面中大量使用蓝色或作为背景色使用，那么画面往往会呈现出一种伤感的气质。

色彩是拥有情感的，是摄影师输出情感的重要手段，色彩明度、色彩的饱和度同样是影响色彩情感输出的重要因素，同一种颜色如果色彩的明度或饱和度不同带给观者的主观感受是天差地别的，例如同样是红色，在一些摄影师的画面中可能是火热的、积极的象征，但如果把红色的饱和度增强明度减弱则可能象征着枯萎死亡，如摄影师荒木经惟在所拍摄的花卉作品中红色的运用使整幅画面都充斥着某种孤寂且压抑的气氛，这也正是摄影师想刻意营造的，即对生与死的探讨[2]。摄影不单单是对被摄物的致敬，摄影在某种程度上会成为被摄物的一部分，作为被摄物的延伸而存在。

3 摄影作品中色彩的构成

一幅高品质的彩色摄影照片其色彩的构成也必定是合理的，当人们试图去分析一幅照片时图像的色彩构成也注定是评判一幅照片优劣的标准之一，然而摄影作品的色彩构成评判标准并不唯一且与大众的视觉心理、审美能力息息相关[3]。某种特定的文化可能把自然界中的各种颜色区分开来，然而色调的进一步细分则是无意义的。摄影作品的色彩构成也不存在所谓标准或定义，一幅照片的色彩可以由多种颜色构成，其中就包括同类色、邻近色、对比色、互补色等多种色彩搭配，摄影师在拍摄时会先观察拍摄场地的色彩构成，通过调整构图和进入镜头的光线比例从而改变进入取景器的色彩比例进而改变影像的色彩构成。摄影作品的色彩构成本质是对现实世界的色彩构成进行提炼和取舍之后的再创作，同时人造光源同样是摄影师对影像画面的色彩构成进行改造的主要手段，摄影师可以使用一些人造光源对现场的色彩进行补充如使用一些彩色的滤光镜或某些带有颜色的灯光从而进行创作，环境光源的反射光线也是摄影师经常加以利用的创作手段。

3.1 色温

在摄影实践中色温的选择是摄影作品的色彩构成的基础，摄影中常用的色温一般为灯光片和日光片两种类型，色温为3200K和5500K，当现场光线的色温值低于胶片的色温值整体的影调会偏向黄色、橙色，显示为暖色调，而当现场光线的色温值高于胶片的色温值时则显示为偏蓝的冷色调，因此摄影师在拍摄实践中往往可以通过调节相机的白平衡参数或使用不同色温值的底片并结合现场光线的色温值从而进行艺术创作。

3.2 对比色

对比色的应用十分广泛，如服装、建筑、商业广告等领域都能经常看到对比色的使用，对比色有着较强的视觉冲击力，通常摄影实践中使用频率较高的色彩构成为冷色调和暖色调的对比使用，其中常见的暖色调包括红色、黄色、橙色，冷色调则主要以蓝绿色为主，冷暖色调的搭配使用可以建构画面的层次，摄影的本质就是对时间和空间的讨论，而照片的色彩搭配对于空间的营造起着重要作用，以冷暖色调为例暖色调在距离感上相较于冷色调更靠前，冷色调会带给观者一种疏远感，通过远近关系的搭配从而塑造出画面的景深。此外对比色还有利于被摄物和背景的区分，如当被摄主体和背景颜色为邻近色或是同一色系时会产生一种空间透视压缩效应，使被摄主体和背景压缩在一起不利于突出主体。如在拍摄实践中，当摄影师在主光源的选择上为暖光源时，暗部可以进行较高色温的辅光或背景光来完成一幅具有冷暖色调反差的摄影作品。

4 结语

摄影离不开光线，其本质是光的艺术，而色彩也同样源于光线，人们无法定义色彩的原因在于不能保证人们所见的色彩为同一种色彩，人类对色彩的认知本身就是存在差异的，摄影与色彩密不可分的联系在于被摄物一定具有具体的形态，无论照片的光线和色彩真实或虚假，被摄物都是光线和色彩塑造出来的，光线塑造了被摄物的形而色彩构造出了被摄物的体。同时色彩间是相互作用的，摄影师可以通过控制相机对色彩进行调配，增减各种颜色的比例从而调节画面的情绪从而充分地带动观者的情绪。