美术创作方法的表现——以绘画为例

谢舒平 曲鸽（长春师范大学美术学院）

绘画作为美术中比较重要的一种艺术形式，它所包含的内容极为广泛，现在绘画种类的区分，大多都是看其材料的区分。从绘画的形式种类来说，整个艺术门类中较为丰富多彩的艺术形式一定会有绘画的一席之地，从画种上进行区分可以大致分为中国画、油画、水彩画，水粉画、素描等。这些画种因为使用的物质材料、工具或表现技法不同，又可分成不少样式。这几种绘画也不限于对某一特定的物质材料或者工具的使用。文章将选取主要的几种绘画种类对美术创作的方法进行论述。

一、中国画创作方法

中国画是我国的传统绘画，历史悠长。中国绘画并不是独立存在的艺术形式，结合书画同源学说，中国画发展逐渐形成绘画、书法等两种形式。另外，受到生产生活以及“天人合一”的思想观念的影响，我国绘画与自然密切联系，这决定了中国绘画的风格，多以山水画为主，作画时讲究随心、随意，借物来抒发创作者的主观情绪与思想。因此，绘画作品更多地突出神似，表现精神，偏抽象。然而我国绘画作品，多是通过多点透视，以全面、具体地表现画面的空间感，几乎每一个中国绘画作者都是全方位地观察物体，无论是构图安排还是思想情绪，都能够将可见的、不可见的都表现出来。此外，中国绘画有一个突出的特点，即留白，我国古代绘画作品中留白是常见的现象，甚至部分作品中留白要比事物画面的空间要多。另外，中国绘画对光源的讲究不太明确，山水墨画会注重光源方向，然而其他绘画艺术类型，如肖像画，则很少重视光的来源。最后，从材料与选材上也存在差异性，中国绘画多是以自然山水、花鸟鱼虫为主，以水、墨、宣纸与毛笔为绘画材料，较为简单，简单更能凸显出空灵缥缈的感觉。中国绘画多是以水墨画为主，色彩只有黑白两种颜色，这主要是受到思想意识方面的影响，认为自然宇宙变动不居，而中国绘画与自然融合，与自然一般怡然自得。尽管我国绘画仅有黑白两色，但同样重视色彩形式，以墨的浓淡变化来表现出色彩的层次感与丰富。另外，中国绘画艺术的色彩观受到哲学、美学等影响，并没有固有色等色彩概念，即色彩并非物体所固有的。尽管中国绘画色彩应用较为简单，但讲究曲直、精细、浓淡、疏密等形态的变化与组织的统一，重视线条、明暗等，能够勾勒出细若游丝的笔致，同时也能挥墨营造奔放大气的气势。在创作方法上，中国画分为山水、人物和花鸟，而这三者的划分则与中国哲学观中“天、地、人”有着紧密的联系，属于一种哲学的艺术定义。其中，中国画中以六法论最为著名。六法论源自南齐书画家、理论家谢赫在其绘画理论著作《古品画录》里提出绘画的标准。这个标准在日后的中国美术史的发展里也逐渐变成了作画和品画的标准。接下来本文就以这三者绘画中常见的创作技法进行分析。中国画创作方法中比较显著的特点就是关于墨线的使用，墨线可以用来表现物体的轮廓和明暗，也能表达画家的思想和精神。且墨线本身就极具美学价值。中国画中笔墨是其精神所在，笔墨可以说是绘画时所用的毛笔和墨水的技巧，也可以说是在中国画中的气韵等绘画语言。用笔上讲究“骨法用笔”，即用笔要有力度，有骨气，心随笔转，意在笔先。也就是用笔要痛快，讲究提按、顺逆、快慢、转折等变化，山水画中运笔有中锋、侧锋、藏锋等方式。笔线的形式在画画时也要有粗细、曲直、刚柔、轻重等的变化和对比。执笔方式上也有很大的讲究，要有腕力，用笔足够灵活，画出圆浑的立体感，要做到“笔为我所用”，顺其自然，切记矫揉造作，行笔之前要做到胸有成竹，才能为整个画面增色。在中国画中，关于“墨”的使用也是极为重要的。“墨”并不是像常人所认知的只是一个简单的黑色。在一幅作品中，即便没有墨色之外的颜色，也可以让画面产生深浅、明暗的变化。墨色有干、湿、浓、淡、焦五种，其中“浓”与“淡”是比较色度深浅；“干”与“湿”是比较水分多少；“焦”，在色度上深于“浓”。“干”墨常用于山石的皴擦，“湿”墨中加水较多，多用于渲染，使画面具有湿润质感，也可以用于泼墨表现出水墨淋漓的韵味。“淡”墨色颜色较淡，多用于画远的物体或者物体的亮面，颜色虽淡，但却充满韵味。“浓”为浓黑色，多用来画比较近的物体或者物体的暗面。“焦”比浓墨更黑，常用来突出画面最浓黑的地方。国画一直以来都是以墨色为主，色彩为辅，因此中国画的墨就是色。用墨的技法也是非常丰富的，大致可以分为泼墨、冲墨、吸墨、让水法、赶墨法、平涂、积墨、破墨等，这些是关于用墨的技巧。在中国水墨画中，墨的使用方法也是极为丰富的，具体有淋法、滴法、洒法、弹法，这四种方法可以综合使用，不必拘泥于某一特定方法。关于墨水的具体使用还是需要多加实践，且多法混用，才能让画面更加丰富、充满生机。一般在用笔方面，要注重毛笔含水量的多少会出现不同的墨色效果，用墨时要注意轻重疾徐、浓淡干湿、浅深疏密。因此，中国画中关于笔法和墨色的运用是极其重要的，是中国画的精神所在，对于强化国画意境美、增强画面的灵动性，工笔画法和墨色的渲染占有不可缺少的地位。因此，只有注重自身笔墨修养的提升，才能更好地进行国画创作。

二、油画创作方法

油画是使用油画颜料，用油和树脂作为媒介进行创作的一种绘画方式。由于油画颜料的成分原因，因此油画颜料可以在画面上进行堆叠。油画最早出现在文艺复兴中后期，人们现在所看到的文艺复兴时期的作品大多数都不是油画，而是蛋彩画或者是湿壁画，后来在杨凡艾克兄弟的改进下，逐渐出现了比较容易携带的油画，油画自此开始广泛传播起来。油画的一个优势就是干得较慢，可以进行多次修改。对于油画作品效果不满意可以铲掉或者用油画颜料进行覆盖，早期的油画作品大多以木版油画为主。例如，《阿尔诺芬尼夫妇像》这幅画就属于木版画，而且画得都很精致，尺幅却是比较小的。早期的油画家充分利用材料的延展性配合透明罩染法画出细腻的色彩变化，以追求塑造真实的造型。早期的艺术家利用油画的透明性从底层开始多次分层去上色，类似于工笔的三矾九染，艺术家利用颜料本身的延展性把不同的色层融合到一起，以此达到画面上鲜少出现笔触，并真实模拟眼睛本身所看到的效果，这属于油画技法之一。随着油画的逐渐发展，艺术家所追求的油画画面效果也逐渐发生改变。到伦勃朗时期，他开始追求笔触在画面上的显现，目的就是为了脱离平面塑造体积。在他的画面中，伦勃朗还使用了刮痕法，用笔杆在厚实湿润的颜料上刮画来强调人物的头发胡须，或者衣服上的一些图案装饰。早期油画的表现形式更讲究写实，注重描摹、仿造，偏具象，作画时更多的是理性思考，鲜少借绘画来抒发创作者的主观意识。构图上，重视黄金分割，以求准确地表达物体，重视绘画作品画面的立体感。注重画面的充实感，鲜少有留白，油画对于光源是非常重视的，通过光的来源来表现明暗关系。所以，早期的油画以古典主义油画为主，重视写实以及色彩的运用，所创作的绘画作品往往是优美、庄重与壮阔等类型。油画对于色彩形式的应用有着严格的区分，黑、白、灰等颜色属于非彩色，其他色彩则是彩色，在绘画过程中，重视光与色的关系。文艺复兴之后，艺术家们对于绘画描绘的对象开始从客观世界的真实再现转到对人们自身的关注。到了十九世纪中后期，画家们不再拘泥于室内的绘画，开始从画室走出来关注到自然中的色彩，在色彩表现上逐渐丰富起来，印象派的艺术家们与之前古典主义艺术家的不同之处在于他们更侧重表达自己，在创作方法上也逐渐发生变化，首先是色彩上追求对于色彩变化的感受和印象，他们画面的色调相较于古典主义也逐渐变得丰富起来。古典主义绘画中的油画作品中在表现色彩时，主要表现的是物体造型基础上的素描关系，而在印象画派的绘画作品中，色彩之间的素描关系不再单单是实际物质的造型。创作手法上，传统的油画画法没办法表现绘画情绪，已经不再满足艺术家们的需求，他们也不再使用轮廓线划分形象，而是进行基础光影铺底，再用小笔触作为肌理，冷暖校准，通过色彩的并置，让无数小色点在观者视觉中混合成丰富多彩的颜色。印象派画家的色点一般是基础色，并不会在调色盘上完全调准颜色，在把握素描关系的基础上，注意颜色的微妙变化，并且在不破坏整体大关系的前提下，尽量保留小笔触的肌理。自印象派之后，油画的创作方法基本都以直接画法为主，直接画法对于画家的基本功底的要求会更高一些，并且综合各种笔法和刀法，直接在画面上解决形体和色彩之间的关系，并且完成时间较短，更能抒发艺术家的个人情绪。之后随着科技的发展、人类思想的进步，油画创作方法变得更为丰富多彩，用色更为丰富多彩，用笔大胆泼辣，不再局限于传统意义上的油画，在绘画材料上也使用了油画色彩与其他材质相结合的方式，产生不一样的画面效果。

三、水彩的创作方法

水彩画是一种以水作为媒介，来表现作画过程的一种艺术形式，水是水彩画区别于其他画种的特定界限。水彩画所展现出的效果和它所使用的媒介与中国画的表现手法较为相似，水彩的颜色与油画相比更为透明，创作过程中可以使用罩染的方式进行上色，但不适合多次覆盖和调和过多的颜色，水彩画干得较快不适合大幅作品创作，比较适合制作小幅作品。水彩画大多具有通透的视觉效果，且具有流动性和透明性这两大特征。在笔触运用方面，水彩画的笔触并不如油画笔触让人记忆深刻，但其实在水彩画中也可以运用笔触，以此加强画面的视觉效果和张力。水彩画的笔触表现方式较为单一，大多以点彩为主，笔触有大有小，更深刻地表现画面，且更好地呈现出点、线、面的完美结合。刮法和留白胶在水彩绘画中的运用较为广泛，而且能达到不一样的视觉效果，留白胶不可以大面积使用，留白胶具有快干性能，将其绘制在纸上会产生一种胶膜，水彩中所含的水分不会浸湿到纸上，因而能看到较为清晰的白底或者是浅浅的色层。水彩中干画法也是比较常见的一种创作方法，干画法也属于干纸着色技法，第一遍底色可以选择较为清淡的颜色，且等上一遍颜色干了之后再进行二次上色，多次反复，就能使多种颜色混合到一起，但并不与调和的色彩完全一样，具有色彩本身的特性，表现出颜色的丰富程度，从而使画面颜色更有层次。但在创作过程中要注意叠色的次数，叠色次数过多会降低色彩的纯度，使画面颜色不够明朗，因此用干画法一定要具备足够的耐心，并时刻关注着画面效果。与干画法相对应的还有湿画法。湿画法又可以分为湿画重叠和湿画接色。湿画的重叠指的是，在绘画前根据自己的需要将画纸打湿，在画纸还没有干时进行着色，或者着色未干时进行颜色的重叠，水分和时间的掌握要仔细，叠色太早会导致形散，太晚会导致画面衔接不够自然。一般在重叠颜色的时候，笔头含色要多与水结合，才能更好地把握形体。表现色彩渐变或者是柔和画面效果时多用接色法，在画面还没有干的时候着色，水分一定要均匀，否则会产生多余的水渍。其也可采用干湿并用的方式进行水彩绘画的创作，干湿结合能更充分地表现画面趣味。在水彩创作的过程中，水分在画面上有流动、蒸发、渗透的特性，画水彩要熟悉水的特性，充分发挥水的作用。其也要根据纸的吸水速度的快慢来掌握用水的量，还有在需要大面积涂色时就需要用较为饱和的水进行铺色。水彩技法还有“留空”的方法，画面中一些比较浅的颜色或者白色部分需要上色前留出来，因为水彩颜料的透明性浅色不能覆盖深色，所以大部分水彩画在画面上都或多或少有一些留白，增强了画面的生动性和表现力，但是过度的留白会造成画面琐碎繁杂的效果，因此要注意画面的构图。

四、总结

如今绘画发展越来越多元化，绘画方法也不再有固定的界限，各个画种的表现技法和创作方式都已不再是单一的某种绘画所固有的，而是互相融合、互相借鉴，用一切所能用到的方式进行画面的创作与表现，以最大的可能来展现艺术家内心的情感抒发。现如今的绘画形式已经逐渐转变为绘画方法的综合，通过运用不一样的材料，从而获得不一样的肌理效果。绘画中创作方法是极为重要且不可缺少的，创作方法是表达的工具，类似于人们说话用的语言，只有通过语言别人才能感知你内心的想法，绘画同样也是。只有通过绘画创作方法将艺术家内心世界表现出来，观者才能体会到绘画作品所表达的内容。