陶瓷绘画在陶瓷艺术设计中的体现*

曹中琴

(1 四川工商学院 成都 611745)

(2 蒙古国CITI大学 蒙古国 乌兰巴托 999097-15141)

1 陶瓷绘画与陶瓷艺术设计概念界定

1.1 陶瓷绘画

如果用词语拆分法进行概念界定就发现,“陶瓷绘画”由主体陶瓷和绘画共同构成的。陶瓷是一种将含有硅酸盐的矿物质经过人工制成的物品。绘画是此名词的另外一个组成部分,绘画是人们通过借助一定的实物载体,将自身的艺术想法搭建为具体的视觉识别物,从而满足人们的审美需求。而陶瓷绘画的主体和承载物为特殊的二维曲面。陶瓷曲面与球形曲面类似,都相对闭合,紧致联通。从广义上来说,陶瓷绘画泛指一切陶瓷类的绘画作品。在当下更为强调物品实用化的时代,陶瓷绘画作为彩绘的一种,成为提升陶瓷物件审美度和附加值的工具。而陶瓷绘画既是一种物品美化称呼,也是一种艺术领域的设计思想。

1.2 陶瓷艺术设计

陶瓷艺术设计是融合艺术学、陶瓷工艺、设计学和陶瓷设计等多个领域的整体性知识体系和内容。从宏观层面看,陶瓷艺术设计是指陶瓷工匠按一定的制作工序和内涵逻辑,充分发挥匠心和创作性精神,达到陶瓷材料、纹理设计与表层装饰、空间分布和架构以及形体色彩几方面因素的巧妙融合,形成独具特色、兼具实用性和审美性的陶瓷艺术作品的过程。从具体层面来说,陶瓷设计涉及陶瓷制作中的各个环节和工序,包括成形工艺、烧成工艺、瓷器形状设计及制作、陶瓷釉上装饰、陶瓷相关产品装饰设计等。陶瓷艺术设计所创作对象为陶瓷艺术作品,其中包含具象、隐喻、抽象和象征等艺术表现形式。一件出色的陶瓷艺术作品往往富含创作者的智慧和思想,是一件极具灵魂属性和收藏性质的无价之宝。陶瓷艺术设计按产品需求的不同可分为纯实用性陶瓷艺术设计和兼具实用审美双重功能的艺术设计。笔者主要研究的是实用审美双重功能的艺术设计形式。

2 陶瓷绘画在陶瓷艺术设计中的应用价值分析

2.1 陶瓷绘画有助于工匠精神的延续

陶瓷绘画是我国最为珍贵和历史悠久的“国粹”,是一种蕴含于陶瓷艺术中的艺术形式。距今6000多年的半坡文化遗址中,人们就发现了简单彩绘的痕迹。相较于纸张绘画来说,陶瓷绘画更为考验工匠制作者的细心、耐心和雕饰技术,最终呈现的艺术作品也更具张力和立体化。陶瓷彩绘艺术形式也是古人文明智慧和工匠精神传播的重要途径,每一件陶瓷艺术作品并不是单独意义上的手工作品,其中蕴藏着创作者的心血和独特思想。陶瓷创作者在产品制作过程中雕饰和研磨作品,改善工艺技巧,并专心打造物品,升华产品质量。我国工匠精神的内涵在于坚持不懈追求卓越的精神品质、精益求精的质量要求、不断突破革新的创造精神,工匠精神是我国制造业前行的精神源泉,也是一个企业发展中重要的内在文化和品牌资本。陶瓷绘画作为我国几千年生活的记录方式,深刻反映了不同时期经济生活、宗教信仰的信息,无论是其制作工艺还是历史价值都是我国工匠精神最为真实的写照。

2.2 陶瓷绘画有助于提升产品价值性

陶器最初出现并成为人们常用性工具时,瓷器外表面并没有多余的装饰和图案。陶瓷绘画的出现是随着人们审美意识的增强而逐渐出现的陶瓷装饰工艺技术。从最初一些简单的印痕和不规则纹样,到演变为现今五彩缤纷、更具艺术属性的彩陶技术,体现着人们对于追寻物质美属性的极大需求。陶瓷绘画作为瓷器本身的附带作品,对于丰富其物质功能属性,提升产品整体性价值具有极大的促进作用。人们的视觉欣赏更加偏向于色彩丰富、图案精美和造型各异的工艺品,而陶瓷绘画技术又完美恰当地迎合了人们对于视觉欣赏的这三点要求,从而使得陶瓷产品更具价值性和收藏意义。蕴含陶瓷绘画的陶瓷产品与单一的产品本身,更具市场竞争性,能够应对时代和社会进步带来的新挑战。

2.3 陶瓷绘画有助于丰富人们的审美体验

人们审美体验形成过程中的每一个元素都至关重要。传统审美观念追求元素的多和杂,认为艺术元素越多越好,搭配越复杂越好。而随着人们知识水平和审美情趣的不断提升,已经从单一性的审美理念中跳脱出来,审美理念得到进一步提升,整体审美更偏向于纯粹化和简单化。现阶段所追寻的美感是一种“多一分则肥,少一分则瘦”的匀称美,也是一种天然去雕饰的自然本真美。陶瓷绘画相对于其他艺术产品来说更加纯粹,是一种将简单艺术元素创作出新形态的艺术手法。例如,我国最为著名的青花瓷制作技艺中,将青与白两种颜色的搭配和调制运用到极致,从而使青色和白色很好地融为一体。青花瓷生产和创作技术证明了不是只有多颜色混合才能吸引人,简单的两种颜色也能创造出优秀的作品。陶瓷绘画技术和青花瓷一般都是对色彩的深层摸索,通过对生产原料和制作工序的严格把控,巧妙设计出纷繁多彩的艺术作品,从而扩宽原有的欣赏视域,使人们获得更为丰富的审美体验。

3 陶瓷艺术设计中绘画构成要素分析

3.1 线条与图案

线条以及图案是陶瓷艺术设计中最为基本的构成元素。其中线条既有较为明朗和具有辨别性的直线,也有较为柔和舒缓的曲线线条。线条与线条之间搭配形成具有层次感的完整图案。最为常见的曲线线条图案有旋涡纹、波浪纹、弧边三角纹等,此类纹样能够给人一种回溯感和眩晕感。波纹纹样的存在是为了凸显整体陶瓷艺术产品创作理念即“无始无终,回味无穷”。彩瓷整体呈圆弧形状,面向四方。将瓷器一面作为出发点,观看其瓷体图案时,这一面中的图案成为视觉的着力点,具有一定的稳定性和具象性,随着视线发生转移,整个图案仿佛也开始跟着视线一起游走,仿若“躲月亮”游戏一样,月亮始终在跟随着我们,而彩陶中的曲线线条也带给人这种的感觉。彩陶中的几何形状和纹饰图案,最初是由原始早期陶器演变和继承而来。编制网状图案、水涡旋转图案和树叶形状是原始居民生活中最常见的生活元素的映照。

在我国古代青蛙具有生育、生殖的美好寓意,因此,蛙形和鱼形是彩绘中最为常见的动物纹样图案。人们将青蛙雕饰在瓷器之上,寓意种族繁衍得以绵延长久。曲线线条能够使整个画面具有流畅感,线条走向与器物形状的起伏变化相呼应,从属性更强。直线线条笔锋硬朗,能够加强整体画面的雕塑性,通过对直线线条倾斜度和粗细严格调控,使得线条的大小、轻重和比例尺度与画面具有更高的契合度,达到线条与瓷体曲面的完美融合。直线与曲线线条的结合,使彩绘画面呈现静中有动、动中有静,动静结合的美感。例如,秦锡麟青花作品《芦荡飞鸿》中,芦苇枝干部位用粗直线描绘,而芦苇叶片则用曲线构成的叶片作为点缀,通过对叶片曲度进行把控,对芦苇疏密和大小进行调整,形成不同弯曲度对比的芦苇丛图案,将风的韵律藏于芦苇的倾斜中,在静谧芦苇中感受风吹过的动态感,以简单的线条表现事物的多种形态。

为了使整个陶瓷图案具有对称性和协调性,陶瓷艺术设计中图案组合设计通常采用重复、二方连续、四方连续,或将整个形状进行二等分、三等分等方式,形成局部和整体的合理等分与重复。彩绘线条勾勒秉承先外后内,先轮廓再填充的原则,先对所描绘形状和图案的外形轮廓进行勾勒,再对内部躯干和细节进行填充。以此保证图案形成更加井然有序,部分与部分之间具有良好的区分度和连接感。

3.2 色彩

色彩是现代陶瓷艺术设计中占比较重的构成元素之一。色彩本身就具有一定的隐喻含义和象征意义。我们通常将红色与太阳和热血联系起来,红色象征热情、喜悦和活泼;橙色是温情、华贵的象征;黄色寓意光明;绿色象征希望、平静和安全;白色象征纯净和清净,表示淡雅和神圣之情。色彩与人的视觉想象有一定联系,用色彩寄托不同情感和思绪,将色彩合理搭配后呈现更具艺术感染性和表现力的作品。彩绘的色彩呈现和着色原料、矿物开采及研磨技术、上色技巧都有一定联系。古代时期的大地湾文化中,彩绘色彩是偏暗的红彩,与铁锈红颜色类似,之后相继出现了黑彩、白彩和棕色复合彩。彩绘烧制中需要进行高温焙烧,瓷体上色材料必须能够经受住高温烧制,以此保证颜色经过高温后依然保存完好。红彩的显色原料以自然中的赤铁矿为主,显色元素是铁。黑彩显色元素主要是铁和锰,陶瓷工匠将蕴含于赤铁矿与磁铁矿的混合矿物颜料进行融合性提取,控制显色浓淡,最终使其成色具有层次性。在黑彩和红彩相继出现之后,通过控制黑彩中锰和铁的含量,达到一定配比度之后,便出现了棕彩。棕彩作为一种复合型颜料,极大填充了整个彩绘中的色彩层次。白色也是彩绘最为重要的颜色之一,最为出名的青花瓷器便是以白釉为底进行色彩渲染,而后构造出精美的瓷器作品。后人利用石英粉末作为白色的上色剂,填补和调和颜色。随着人们对颜色搭配的深度研究,对颜色的掌握与运用已经达到了新的高度。例如,景德镇陶瓷大学李磊颖教授的作品《嬉灯》中出现了多种色彩,包括黄色、橙色、棕色、绿色和青色等,亮色调与暗色调之间形成鲜明的对比,表现了孩童率直天真、朴实无华的形态,而青色、绿色和棕色等偏暗的色调则凸显了整个场景恬淡、清丽之美。

3.3 材料

陶瓷制作中的瓷体材料和上色材料是提高陶瓷器艺术表现力的重要因素。古人在开发材料的过程中,最终寻求到最为适合的绘画原料和着色剂。色彩原料在不断探索中得以完善和提高的。例如,白色彩料最初的使用原料为方解石和石膏,粘合度较差。随着胶质质量的提升和白彩料质地的改善,其陶器粘合度更强,制作效果也明显提高。同时,我国最初常见的陶器为铅釉,之后逐渐出现了乌金釉、金砂釉、孔雀蓝釉、玫瑰红釉等,艳丽的彩釉吸引国内外各界人士的喜爱和追捧。最初彩釉绘画图案以传统艺术元素为主,之后随着人们绘画技术的提升,传统戏剧场景、剪纸也成为陶瓷绘画中的素材,极大丰富了陶瓷艺术设计的主题和画面。

4 陶瓷绘画与陶瓷艺术设计之间的关联性分析

陶瓷绘画与陶瓷艺术设计是相互独立的单独体系,也是互融互生的整合体。从两者的概念界定和所涵盖的内容来说,两者具有极大的耦合性。陶瓷绘画和陶瓷艺术设计最终都是为了满足人们对于美的追求,以提升陶瓷产品欣赏价值为目标。同时,两者也都是创作者匠心的体现以及思想情感的寄托。通过采用意蕴美和形体美结合的方式,大大提升陶瓷工艺的时代价值和收藏意义。陶瓷绘画在一定层面上必须依靠陶瓷艺术设计而存在,在绘画时不能忽视对于陶瓷整体形状、色彩以及材料的综合性考虑。从两者各自独有的特色来看,陶瓷绘画主要是对点、线条和平面,以及色彩进行设计创作,从而呈现有价值的新作品。在此过程中创作者的主观参与性比较强,是创作元素的自由操纵者。而陶瓷艺术设计所考量的因素更为复杂,使用环境、对象和用途等都是其考量范围,在实际工艺制作过程中也形成了一套较为独立的规则体系,由此可见,两者也存在一定差别。陶瓷绘画与艺术设计融合发展已经大势所趋,也是当下陶瓷艺术继续发展和改革的中坚理论和技巧基础。陶瓷绘画应在自身规律体系之内进行适当外延,加快其艺术设计的纵深发展,提升陶瓷器物的整体艺术表现力。