身体语言在钢琴演奏教学中的实际作用和意义

黄因

钢琴音乐演绎时，演奏者可以通过切换弹奏发声方式，使钢琴发声产生“声乐化”的听觉艺术效果。还可以使用身体语言，通过视觉上可观赏的肢体动作来传递演奏情感，使钢琴演奏产生“舞蹈化”的视觉艺术效果，丰富现场观众的聆听感受，让钢琴演奏散发出无穷魅力。本文主要通过对弹奏发声、身体语言进行论证分析，讨论弹奏发声与身体律动在钢琴演奏中的重要作用和教学意义。

一、新的时代对钢琴教学提出的新要求

在常见教学现实中，幼儿学生和钢琴老师之间经常存在一个问题：幼儿因为无法理解成人的语言描述，在弹奏中弹不出曲子应有的情感，导致弹奏水平无法提高，止步不前。

从幼儿生理条件来看，幼儿在语言表达和文字理解方面的能力较弱，老师用语言表达的内容难以让幼儿理解，音乐意境又是抽象的没有具体形象，耳朵中听到的音乐是对声音的感知，当转化成演奏动作时，手指触键动作又涉及对演奏动作的感知，这中间存在着天然的教学障碍，等待老师引领幼儿去跨越。

尤其在幼儿启蒙钢琴教学的课堂上，老师都有一个强烈的共识：通过言传意会告诉学生音乐中的情感，是一个艰难而又痛苦的低效过程。老师应该照顾幼儿的生理弱点，掌握幼儿的特点，改进教学方法，帮助幼儿更好地理解音乐。

语言的尽头就是音乐，音乐是聆听的艺术，主要通过耳朵接收声音，用听觉来感受。幼儿通常会对“可视化”“可触碰”的东西更为敏感，所以将听觉感受转化为眼前可看、上手易做的具体动作，更利于幼儿的弹奏学习。

本文在此理论上大胆提出：感受身体语言和弹奏声音的微妙关系，掌握二者之间的处理方法，是能够帮助幼儿提升钢琴演奏水平的有效方法。

二、弹奏发声借以身体语言营造“音乐意境”

所谓钢琴的声乐化，是同人声歌唱声乐区分而来的概念。钢琴是通过敲击单个琴键来发声，因此，钢琴的强项在于敲击节奏，弱项在于让声音连起来，形成线条。人声经过训练，歌唱时很容易具有线条性、律动感，但要想让钢琴敲击出来的单音连续起来、具有线条性会比较困难。实际弹奏中，如果幼儿接收到的教学内容是曲子要歌唱，弹奏要体现线条，要有律动性，幼儿弹奏时就会很难实操。所以除了歌唱旋律，体会音乐的流动性，还要给予幼儿真正的弹奏发声指导，也就是钢琴声乐化。

以李斯特《匈牙利狂想曲第十一号》举例（谱例1）。乐曲的相关论文介绍里通常会说，乐曲一开始由震音引入轻柔的声音，营造出一种神秘、忧郁的感觉，使人产生许多幻想。比如联想到清晨在森林的远处传来了微风，吹动风铃发出的声音，由远及近，优美而轻盈。这是成人能够想象出来的意境，具体弹奏还需要老师引领幼儿跨越弹奏的障碍，让幼儿体会到微风优美、轻盈的意境，弹奏出连贯性和轻柔性。具体弹奏时，如果希望观众感受到特别的轻盈和连贯，我们就要做一些轻盈连贯的动作，用来辅助身体，辅助手的各个部位去达到这样一种音色。所以作为老师，此时就应抛开对乐曲意境的描述，指导幼儿去做出轻盈连贯的具体动作。弹奏曲谱上的震音部分，弹奏的方法就不是用手指头，而是用手腕和前臂，因为光手腕的力量还不够，还要带上前臂的力量来晃动，把音连起来，这就是幼儿能够做到的震音弹法。

作为表演，只弹对了音还不够，我们还要带着观众去聆听，比如演奏者要把头侧歪靠近琴键，给观众的感觉就是你在用心去听自己弹的音乐，那么观众就会去关注，和你一起听弹奏的内容，这就叫做“共情能力”。带着观众强迫性地立刻进入我们营造的一个森林意境，由远而近，演奏时要强调的不仅仅是手指头的弹奏，而且还要带上身体各个部位的协调运动。

回到音乐，第一小节有一个高音谱号的地方，是需要左手加进来，在这个地方它是个波音，波音底下打了一个点，就是跳音。这就说明作曲家在这个地方用了一个变化，去把右手的连线打断。然后再看第二小节，也是一样的，分了乐句以后，我们就能发现作曲家的聪明之处，演奏者看到的作品是单个音，但是作曲家并不希望演奏者弹出一堆的点，作曲家希望演奏者用音乐拽出一根线条，这里不需要演奏者用很快的速度把曲谱上的点弹奏出来，所以作曲家就在长线之中精心设计了两个点，左手弹奏的是一个点，右手弹奏的是条线，用点切断了连起来的线，音就会跳起来，有了对比度，最后的音响效果就会很好听。

三、弹奏发声通过身体语言达到理想的音响效果

钢琴弹奏不仅要“声乐化”，还要“舞蹈化”，借助身体语言来帮助弹奏发声，进而达到理想的音响效果，同样以上个作品为例（谱例2）。

作曲家还在一堆的线中间预留了两个点，单点弹奏起来“哒哒哒哒哒”，彷佛鸟叫一样，这就是点的存在，其余的地方都是线。因为小鸟在叫，所以用了8个跳音点，值得注意的是，这些跳音音符上同时还有一条连线，乐理上叫做非连音，非连音的处理就是既要断，又不要太断。在实际教学中，老师要教会幼儿，在断的过程中还要加上手腕呼吸，就可以做到似断非断。所以教学中告诉学生的时候，要把动作、语境、怎么操作、为什么讲清楚，学生才能真正学会并跟随示范做出来。

乐曲是以点来结尾，下一段要进入到线开头的乐段，用什么办法可以去衔接段与段之间完全不同的内容呢？乐谱上使用的是休止符，正常情况下，看到休止符我们就要停住，可是在这个地方是不能停的。段落与段落之间，用提手和慢跳来处理都是不够的，从点到线要靠身体拉断，用点来结束。线要吸气把演奏者的大臂拉起来，然后落线，这个地方的休止符这样就可以过掉了，既好看又能够衔接点和线段落之间的区别。这就是段和段之间用身体语言如何去衔接。

再回到乐曲第二段的第一句和第二句，谱子上是完全相同的。但是作为第二段，跟上一段比起来，音乐的走向是不一样的，乐曲现在走向更加快乐活泼的氛围，所以演奏者也要注意到这里面的区别。同前面的点不同，這里的每一个点都会刻意往上移了一些，要先上拉一点再拉下来。正常如果不加调整，这里就会一直弹，所以应该让音跳起来，具体怎样跳，就要加入腰的力量。让音跳起来，这个时候音乐的效果就变了，变得流动起来了。这其实就是作曲家的聪明之处，他在乐曲里面埋了很多宝藏，老师要帮助学生发现宝藏，并给学生提供合适的工具，来把这些宝藏从乐曲深处挖掘出来。让乐曲里神秘的内容变得显性化，类似的内容加大变化。弹奏的时候要放大乐曲里面细微的不同，让音乐的跳跃变得更加的活泼，这就是钢琴声乐化。钢琴舞蹈化是指，演奏者的身体其实是演奏中的好帮手，我们不仅要用手弹琴，还要用身体，还要用各个部位，包括面部表情都要跟上，这么多部位一起配合起来，就像是一位舞蹈演员在表演。音乐的乐句是有长短，有强弱，有拉伸的。演奏者要用自己的身体，用大臂去做飞翔，去张开，把身体力气拉开。不要永远都只集中在那几个手指头上。弹奏时要调动身体的一切感官，要去聆听，要去歌唱，要去进行一些变化处理，这才是音乐。音乐带给观众的不是好听，是美，还是演奏者的自我享受。

四、训练身体语言的教學示范

使用身体语言还能帮助乐曲表达不同的音响效果。提到用身体语言并能给观众带来深刻印象的钢琴家，大家第一个能够想到的就是郎朗，他弹琴时相对夸张的“动作”已经成为了他的“标签”，使他在年轻钢琴家中脱颖而出，成为了全中国琴童们的偶像，如果仔细研究郎朗每一个弹奏表达动作，可以发现，郎朗其实是在借用身体的各个部位帮助手指运动，进而达到乐曲需要表达不同的音响效果，这在钢琴教学法里有个专属的名称——身体语言。

弹过乐器的人都知道，作曲家为了让后人能够更好地还原出原曲的样子，会在谱面上或多或少地标注出各种演奏记号、表情术语，在实际钢琴演奏中，大家虽然也能够读懂这些术语的字面意思，可最终呈现出来的弹奏效果，相同的曲谱，演奏者却可以弹出不同的音响效果，就仿佛拿错了曲谱。为什么会产生如此大的区别呢？原因其实很简单，就是不会像郎朗那样用身体帮忙。

用钢琴基础教材《拜厄钢琴基础教程》NO.54举例来说，从谱面看，这首曲子的主旋律在右手，左手是由3个音组成的伴奏形式。那么一般在弹奏这首曲子的时候，演奏者都会处理为最基础的：

1.按照谱面上的连线进行提手呼吸，即右手1～4小节为一个长句，提手呼吸第一次;5～8小节为第2个长句，提手呼吸第2次，也是最后一次（全曲结束）。左手3个音为一个短句，一小节提一次。

2.根据谱面上面标记出来的PF等力度记号以及表情术语进行相应的音乐处理。

按照这样的基础处理，弹奏出来的音乐效果并不是那么好听。其实原因很简单，老师只是把谱面上的东西进行了讲解，但是谱面上除了这些记号，是用来提醒演奏者要进行断句、呼吸之外，最重要的还是要告诉演奏者，这些音符记号都代表了什么弹法？是连奏、还是跳音、还是断奏，等等。

所以回到谱面仔细观察就不难发现，在这首练习曲中：右手是2句长句，需要进行连奏;左手的3个音组成的短句，可以用落滚的方式进行处理。在第3个音的时候，可以把它处理成跳音，提早一些离键，使得整个左手的旋律小线，都变得更加活泼，并具有前进的推动性。

如果按照谱面上的标记进行提手断句呼吸，也能做出相应的弹奏法，可是最终弹出来的效果，不论从听觉还是视觉，离观众想要的音响效果还是有些差距。这就涉及到了身体语言，也就是在前面所说的，相同的曲子，到了郎朗那里就可以弹得特别好听，有连有跳，有旋律律动，仿佛就是在钢琴上舞蹈，而广大琴童，即使技术纯熟的孩子，在弹奏这些相同曲目的时候就达不到这样的音响效果。这是因为在演奏中，大家普遍缺少了最重要的一环——身体语言。

身体语言具体应该怎么做呢？用左手来举例。观察教材原谱可以看到，这三个音被一条连线连成了“一句话”。按照原谱正常弹下来，一方面将延续前面的稳定感，另一方面则稍嫌不够积极。怎样弹才出彩呢？为了使音乐形象更加生动、活跃，我们可以缩短连线，并且在这个最高音上加上一个顿音记号，把这个音作为顿音来弹。

处理到这里，只有一个四分音符的回落（结束音）有待完成，由于现在的情况是“用粗壮的大拇指去弹奏下行音程”，因而这个音很容易被弹得过于沉重。为了体现出乐曲所要求的轻松谐谑的气氛，要格外注意触键的方式和力量的控制——这个音必须“一触即放”，而且方向必须朝上。随着大拇指迅速离键，全曲结束。这样，当双手合奏的时候，就能听到左右手明显的两种不同的音乐表现：右手悠长而绵延，左手像小浪花一般活泼而向前奔跑着。

所以，这种运用身体帮助、带动手指弹奏的方式，不仅能够帮助演奏者更好地表达作品的音乐律动，同时也能给予观众以视觉和听觉双重享受。而这也正是使用身体语言弹奏，带给观众与众不同的魅力所在。

五、结语

综上所述，虽然训练钢琴基本功没有捷径可寻，但是提升钢琴演奏却大有方法可学。作为演奏者，在舞台上要跟观众有所交流，引导观众去聆听自己的演奏，用弹奏发声方式的处理和身体语言的表达，帮助观众发现乐曲的美好，欣赏乐曲的情感。要做到这一点，离不开老师平时对乐曲细节的分析和指导，帮助学生在钢琴弹奏中建立钢琴“声乐化”“舞蹈化”的思维，为演奏的进阶提升打下坚实的基础。

参考文献：

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