浅谈写生对创作的重要性

摘要：写生对学画的人来说是一门必修课，通过写生可以训练造型、色彩、空间等一系列基础知识，无论是风景写生还是人物写生，都可以通过眼睛的敏锐观察来发现与众不同的点，在写生中获得体会和启发。本文主要分析写生对创作的重要性。

关键词：感受 观察 写生 创作

一、写生训练对造型的影响

（一）人体写生训练

写生所訓练的就是观察模特的方式和造型的本事，将形体在画布上如何呈现是一门独特的技艺，是通过自己的观察、训练和理解得来的。造型基础越坚实，对后期创作帮助越大。尤其是人体油画，当模特走进画室，开始摆姿势就是一幅画面构思过程的开始，要根据模特的自身条件、内在气质来进行适当的姿势调整，以显得不做作又充满鲜活的画面感。那么，应该怎样经营画面，就是值得思考的问题。要想画好一张人体油画或者素描，并不是一件容易的事，要怀揣研究的态度，研究合理的空间位置、形体的表现力，用心来感受这个画面的美感。如果空间位置合理，则画面看着会非常舒服，这是一个动脑的过程。

有时，同样的一个姿势画多了，思维就会固化，画什么都会产生雷同现象或者千篇一律，这时更不能松懈，要换个角度重新审视一下模特。比如，换一块长条的画布，改变一下画布尺寸，或转换一下思维。模特到底是什么形象的，应该具有独到的眼光和见解，这个模特今天与昨天有什么不同，要多观察多思考，有的时候画得顺了反而会忽略一些细微的特质。这个模特在自己的眼里是什么样子的，包括模特的体型、相貌、肤色、衣着等特点，都应该用心去观察、去感受，然后再画出来。而不是想到这个模特的姿势像哪本解剖书里面的结构，像哪本大师素描书里的模特，要是这样的话那只会一味临摹别人的东西，看到的也是别人所看到的东西，会迷失自己，成为别人作品的“搬运工”。只有善于发现，把感性那部分抽离出来和理性结合在一起，剖析越深入，画得越多，对形体的理解和感受才会越来越清晰，对后期画创作才越得心应手。

笔者一直把写生当作一棵树的主干，连接着枝干的各个方向，只有主干生长好，根基强壮，才有可能生根发芽。没有写生能力的话，创作也无从下手。在生活中写生和造型训练其实并不枯燥，要是发现那个乐趣点，就会喜欢上写生。速写也已慢慢成为生活中必不可少的东西，笔者在闲暇时喜欢用速写本记录身边的朋友们。对于笔者而言，这都属于生活的一部分。以前一上午可以画好几张速写，画得很起劲，甚至越画越快。直到后来画了大半本，发现所有的模特在笔者的速写本上体貌特征大致相同，这时才意识到之前画的速写就像废纸一样毫无价值，因为这些模特本该是各有特点的，却由于笔者缺少敏锐的观察而忽略。

要知道，不是画得快就叫速写，反而应该首要弄清模特所在的空间位置，观察头、肩膀、臀、手、膝盖和脚踝的落点到底在什么位置。慢慢去感受模特身体的微妙变化，感受从前面到侧面，再到后面这个三维的空间变化。速写对造型理解是很有帮助的，有些地方空间绕不进去的时候可以用线把空间“递”进去。众所周知，马蒂斯就是用线高手，其速写关节和关节之间咬合很紧实，用线很准，这种准是眼睛所观察到的准，是对形体的理解上的准，产生了一种美感。他所画的短期速写略在转折处加上一些旋转轻飘富有弹性的线条，对画面中黑、白、灰的分布很讲究，使每张画面体量感很足，画面扑面而来的情绪显得那样放松。对于所画的速写小头像观察很细微，这个人是长扁形脸还是圆嘟嘟的婴儿肥似的脸，甚至连睫毛的数量、方向，通过他的速写都能看得到。速写相对来说能尽快解决一些大问题，对着课堂上双人体模特的不同角度画上几张，慢慢体会眼睛所看到的和手上所描绘的在造型基础上那种美的律动，也算是对造型和素材的一个积累。油画人体写生中色彩和造型是应该是同步进行的，不能只研究造型上的事却忽视了颜色的重要性，在大的转折处那几笔灰色还是很难把握的。有段时间笔者进行大幅创作就觉得造型跟不上，总觉得掌控不住画面，意识到应该从写生中来解决问题，回到写生这个本质上去，没有量的积累就没有质的飞跃。

（二）风景写生训练

风景写生也是笔者比较喜欢的。到有山有水、有花有草的地方，早上起来出门就能闻到空气中弥漫着泥土和香草的气息，可以观察到清晨花瓣上的露水还未褪尽，空气中弥漫着浓浓的白雾，花朵上总有几只蜜蜂在那慵懒地休息。写生可以为创作提供一定的动力，就像是与大自然有一个对话过程。画家张璪提出“外师造化，中得心源”，说的就是面对大自然写生时，要有自己的感受，用自己的理解和体验去接近大自然，把内心的感悟和自然的美结合在一起。

每次外出写生的感触都是不一样的，从一开始的陌生到画几张画以后慢慢熟悉这个地方的山、水、风土人情，每次去都有着微妙的变化：村子里面盖了几所新砖瓦房子，谁家的院子扩大了，又种上了什么蔬菜，谁家的孩子已经长大了，这里的一切都在静悄悄地变化着。一座座挨着的山就像一个充满起伏的椎体，坐落在这个地球上;天空辽阔、空灵，一年四季中山的颜色、树的颜色也在变化着，山上的小路蜿蜒曲折。下笔前对这些景物与人物的细致观察，将会使呈现的画面更有富有生命力。

在风景写生中要考虑的因素很多，很锻炼在造型和颜色上的功力，以及对空间的认识。印象派的风景画像是协奏曲，在空气中到处弥漫的光和色交织，甚至都能让人感觉到是几点钟画的。在写生中，我们会发现光线是无时无刻不在变化的，颜色同样有丰富的变化，冷暖、空间、体积等很难捕捉，尤其是光线照在山、云、树、房子上的颜色，包括投影，每次抬头都会发生变化。所以，写生时可能刚刚画完天空，回头再看刚才画过的山又变样了，这样丰富的场景对颜色造型是很有帮助的。因此，需要画什么、该怎么画，便成了绝大多数写生者的难题。在观察时一定要多去研究画面物体之间的关系，远景、中景、近景的空间关系，以及画面的造型、颜色等。

笔者认为，对于写生的人来说要时刻对周围的事物保持一颗好奇的心，善于发现周边的人和事，就像到了一个陌生的城市感受到空气是湿润的还是干燥的，地面是偏土红色的还是黄色的，人和物有什么特点，哪怕是在大街上发现有什么特色美食都可以。

二、写生对创作的重要性

写生与创作是紧密联系在一起的，无论创作对象是人物还是风景都是一样的道理，可以说写生就是创作。写生会不断提高我们的造型能力，開拓视野，训练洞察力，积累到一定程度后就会使创作产生质的飞跃。通过写生来提炼创作所需要的元素，为创作起着铺垫的作用。

比如，达·芬奇、米开朗琪罗等早期数不清的素描、速写手稿或者局部写生训练，都是一个资料搜集整理的过程，都是采用记录写生的方式来搜集素材的，到后期都会为创作所用，在写生中可以找到创作根源。小幅静物画可以直接写生，但是大幅创作怎么办？这时候要借用辅助工具，那就是照片。相机可以很快拍出各种场景的图片，但是照片上永远是平面的、单薄的，拍出来的人物面部不够立体，甚至没有拍出衣服本身的颜色，显得很呆板，所画的就是照片中的人，而不是生活里的人。并不是画一张漂漂亮亮的画，没什么大的瑕疵就叫创作。甚至有时发现画完以后觉得像是复制的，不生动，一点自己的造型观念都没有体现。这时应如何把照片上平面的东西用三维空间的视角表现在二维的画布上呢？平时写生训练显得尤为重要，在写生中观察再经过理解之后，手上的画笔就是最好的工具。如果对造型有充分的理解和把握，就不会被照片所束缚，照片就会为己所用，变成一个辅助工具。如果对着照片创作觉得枯燥的话，也可以掺杂着几张写生来进行，顺势还可以解决在创作中所遇到的问题和困扰。

笔者认为，完成一幅作品的主要问题在于寻找合适的模特具有一定困难，日常见到的人都可以成为写生对象，可短时间的相处并不能找到人物的突出特点，画出来就显得假，摆出来的动作总显得做作。为什么很多人总画自己或者画周边的朋友，原因是对自己和朋友比较熟悉，对着镜子画自己没有顾虑，直接用眼睛看和动笔画就可以了。笔者也喜欢没事画画身边的朋友、家人，因为这些人对笔者来说比较熟悉，就在笔者的生活里。要把生活的感悟和真实情感投入到画面，别人才能感受得到。在写生中要结合理论上的知识不断练习，磨炼意志和基本功，使自身体会更能随意在画面上流淌出来。

三、结语

创作和写生应始终围绕着现实生活，二者是息息相关的一个整体，密不可分。创作就是在日常学习和工作中表达内心情感，表现日常生活碎片而形成的画面，是情感的抒发和表达。写生的价值就在于它是独一无二的，不是臆想出来的，必须是带有鲜活性和个体性的。任何一种技能的掌握都需要长期的努力，写生也是如此，在写生中要善于观察，积累素材，要把写生的意识带到创作中去，如此，才能不断提高在艺术表现上的综合能力。

（作者简介：焦旭东，男，硕士研究生在读，吉林艺术学院，研究方向：油画语言本土化）

（责任编辑 王瑞锋）