中国画教学中写意梅花的创作研究

王回

摘 要：在中国画的写意梅花的创作、教学过程中，要掌握两个基本功：第一个是能够熟练地运用用笔的技法，第二个是掌握用墨的技巧。然而不管是用笔还是用墨，我们都首先需要进行临摹，掌握花鸟画的一般创作规律与法则。文章研究中国画教学中写意梅花的创作，通过对梅花外在形式的创作描绘，体现出其内在的意蕴美。

关键词：中国画教学;写意梅花;绘画

梅与兰、菊、竹被列为国画四君子，世代文人墨客皆喜用梅来表达自己内心的追求与情感。早期画梅花多用“积墨”和“圈墨”的画法，杨无咎、王冕、李方膺、金农、赵之谦、吴昌硕等人都是画梅的高手，由于其梅花作品各有不同的绘画特点，逐渐使画坛上形成了梅花姿态多样纷繁的局面。

对于中国画创作，潘天寿认为：“画好中国画，首先要学习传统，吸取传统的精华，去其糟粕，然后加以发展革新。……学习和研究中国画，第一步应是临摹，‘传移摹写为六法中的一法，这是祖先留下来的一个法宝，我们不能忽视。”中国画相较于其他艺术作品而言，有一套最基本的、较为稳定的程式性的语言——笔墨语言，即通过最基本的材料——毛笔、墨与纸之间的相互作用来进行画面的探索与形象的呈现。相较于油画而言，它的偶然性、不可覆盖性都成为艺术家在创作过程中不可忽视的元素。那么如何能尽快很好地把控这些创作元素，首先得要临摹。东晋顾恺之就很注重临摹，他的《魏晋胜流画赞》就是论述摹写要法的。对于写意花鸟画，我们临摹的不仅是作品的笔墨语言、技法的运用，还要感受作品意境的渲染，体会作者对所描绘事物的情感表达。因为每一幅优秀的作品都有作者所想要表达的思想与情感。当然，临摹只是一种学习的手段，不等同于创作，绘画学习者应秉持“笔墨当随时代”的创作态度，不拘泥于“古法”，学会创新。因为每个时代都有它独特的背景，生活在这个社会中，我们就应当将这个时代独特的精神融入画面之中。

中国画的创作，笔墨是关键。古人将用笔概括为“偏正曲直，轻重疾缓”，将用墨概括为“浓淡干湿”，并认为笔为“骨”，墨为“肉”，五代荆浩曾说：“吴道子画山水有笔而无墨，项容有墨而无笔，吾当采二子之所长，成一家之体。”由此可以看出笔墨的关系及其重要性以及画家们对笔墨的重视。元代书画家赵孟頫就有“书画同源”的主张：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通。若也有人能会此，须知书画本来同。”[1]这里强调的就是：中国绘画应以“写”代“描”，以书法的笔法入画。注意用笔的轻重缓急，并将诗、书、画、印完美结合，这样不仅丰富了绘画的表现技巧，而且可以使笔者更好地表达胸中的逸气，更好地抒发内心的情感，真正地达到“诗中有画，画中有诗”的美好境界。

近代画家黄宾虹在其“五笔七墨”中概括了中国画用笔的基本原则“平、留、圆、重、变”，而“七墨”即是浓墨、淡墨、破墨、泼墨、积墨、焦墨、宿墨，这正阐述了中国写意画用墨的技法。其中，破墨法在中国的写意花鸟画中是最常用的技法，而破墨法又可分为浓墨破淡墨、淡墨破浓墨、墨破色、色破墨。在写意花鸟画中用墨的关键在于用水，水少则枯，水多则漫，需要笔者根据自己的画面需要进行调节，把握好度的问题。其中“四君子”图的墨戏画历史最为悠久，用笔纯是书法。画梅，老干有铁骨峥嵘之势，行笔稳健，使转顿挫得宜，梅枝梗长如箭，短如戟，最富生命力，钉头挫出，收笔回锋。梅花以清瘦为上，圈花不可过圆，宜内方外圆[2]。注意用笔的力度与笔锋的收放以及对用墨的浓淡干湿的把握是我们绘画必须注意的关键所在，所以在进行中国画教学时也可适当让学生练一练书法，从书法中寻找用笔的感觉。

要创造性地再现自然的美，要在花鸟画中做到有景有情，就必须注意意境的创造。笔墨本身是抒情的，它随着人的情感而运动，是一种情感个性运动的轨迹[3]。清代画家石涛把绘画创作和审美体系称为“借笔墨以写天地万物而陶泳乎我也”和“搜尽奇峰打草稿”。创作者画画要关注生活，从生活中汲取营养，再用手中的笔墨来表达内心的情感，给画面营造一种意境，如果没有意境的渲染，只追求笔墨的形式，只会将前人的东西移前移后，追求古人已经达到的境界，毫无意义可言。

意境是艺术中一种情景交融的境界，是艺术中主客观因素的有机统一。意境中既有来自艺术家主观的“情”又有来自客观现实升华的“境”，这种“情”和“境”……是有机地融合在一起的，境中有情，情中有境[4]。在中国画的创作过程中，不仅要体现物象的形体的美，还要注意事物中所倾注的作者的情感，一幅好的作品应该是有主题思想的。

怎样把从生活中所欣赏到的美通过艺术的手段表现出来，这就是意境与表现方法的问题。这个问题涉及构图与技法等问题。所谓的构图，就是谢赫的画论《古画品录》中提到的“经营位置”，通常称为对画面的布局。构图是创作不可避免的问题，也是一幅作品好坏的关键所在。构图讲究形式美，写意梅花的构图大致有条幅、横幅、扇面、斗方、长方形、册页等。

创作者在进行梅花创作构图时，首先应该想到注意梅花画面的“主次、虚实、疏密、聚散、开合、呼应”等关系问题，并且注意到梅花的枝干是画面的重点，不能平均分布，在注意枝干花朵虚实关系的同时，应该关注到它们的疏密。疏密得当才是作品的关键，只有完美地配合才能使画面有节奏和韵律感。聚散则体现写意梅花的花朵在画面中的联系，聚散有致就要求合理安排梅花的生长姿态和花朵位置。创作者在进行梅花创作时选择两张六尺条屏作画，而两张画是要裱在一张画面上的，这就要求创作者在创作这两张梅画时，要注意二者构图之间的呼应关系，这样才不会显得突兀。当然，构图时还是要注意梅花的自然生长的状态，不能随意地摆放。正所谓绘画要形神兼备，不能取神而不注重形，或者说取形而忘其神。

技法，就是中国画的表现方法，主要包括构图、笔墨法和设色法等。写意花鸟画较工笔花鸟画而言，更需要注意笔墨的运用，可以说写意画更符合中国文人画的审美要求，追求“妙在似与不似之间”的笔墨韵味。因此要求学生构图完成后不断地进行练习，不断地探索运用不同的笔墨而产生的不同的意蕴效果，最终从中选取两幅最有意蕴的梅花作品。艺术的意蕴就是显现出一种内在的生气、情感、灵魂、风骨和精神。正如荆浩的《笔法记》中强调的“图真”理论，所谓“图真”就是要求画画要气韵俱盛，要形神兼备，这也是我们绘画所追求的最高境界。在设色方面，没有采取平涂的方式，根据画面的需要，选择让学生在梅花的周围点染一些黄绿的颜色，这样不仅使画面更有春天的气息，而且使画面更有韵律感，也符合画面的整体效果。

图1这幅梅花作品是借鉴吴昌硕、卢勇的梅花作品的用笔并学习他们对枝干巧妙处理的方式进行的探索创作。梅花的主干是用较枯的笔，要表现出主干的力度，进而使其能够撑起整个画面，次主干就要先分出先后遮盖的关系，然后分析枝干的生长与疏密关系，最后再分出笔墨的浓淡关系，在此基础上画出各种枝干上的分支。在用笔时要注意它的灵动性，用肘与腕的力度将笔拖出。采用中锋用笔的方式画梅花的枝干与花瓣，同时注意用笔的顿挫起伏，笔与笔之间的转折要圆润不能过于僵硬等。最后画梅花与花托，这个则需要注意聚散与浓淡的关系，然后根据画面的需要进行点染，使画面更加丰富与灵动。当然，在每天的创作时间里，要求学生要坚持练毛笔字，不断地感受写书法所带来的手、肘、腕之间的不同感受。

综上所述，中国画的创作，意大于法，法为意生，可见中国画创作过程中画面意蕴经营的重要性。只有意匠经营，以意使法，才能表现生动的意境，体会中国绘画中的意蕴之美。

参考文献：

[1]秦轩.笔风墨韵写丹青：历代书法绘画[M].成都：四川人民出版社，1996：158.

[2][3]中央文史研究馆书画院.中国书画讲座[M].北京：人民美术出版社，2014：313，20.

[4]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大學出版社，2006：337.

作者单位：

南通理工学院