大提琴教学中的音乐表现力的培养分析

□董培瑛 渭南师范学院音乐学院

因为每名学生对音乐的理解能力不同、情感思维方式不同，所以其音乐表现力也存在很大的个体差异。而毋庸置疑，好的音乐表现力能够更好地升华音乐艺术，而学生若是对音乐缺乏理解，则其音乐表现力也就较为苍白和机械，如此也就难以传递出音乐的灵魂。为此，教师就应通过科学的方法，不断引导学生提升自己的技术、技巧，进而加强大提琴的音乐表现力，更好地实现学生艺术修养的提高。

一、提升学生的呼吸技巧

就大提琴演奏而言，演奏的乐曲会时而热烈，时而悲伤，时而寂静，时而欢快，而这些情绪的表达势必要与演奏家的呼吸进行配合，如此才能通过演奏家的表情、肢体动作以及内在情绪等来展现音乐的魅力。但在日常的大提琴教学中我们可以发现，学生在进行演奏练习时动作都较为僵硬呆板，表情较为麻木，且学生对拉琴的速度控制也较差，甚至还会发出刺耳或是较为晦涩的琴音。此外，当演奏结束时，学生通常会长出一口气，并觉得全身酸痛。以上这些情况的出现均说明学生未能掌握正确的呼吸方法。

因为不会利用呼吸去调整演奏时的姿势和状态，所以演奏过程中全身始终处于憋气和紧绷状态，如此就导致演奏紧张不舒展。为此，教师可以指导学生进行呼吸技巧的训练，如可以让学生在演奏前进行打坐，让自己的身体处于一种平和的状态，然后运用丹田去进行呼气和吸气。学生在打坐的过程中可以尝试进行冥想，以此让身体和内心都得到放松，全心地感受轻松状态下的呼吸。然后在之后的演奏练习中，教师再训练学生根据音乐的情感节奏变化去调整自己的呼吸，进而实现全身的张弛有度，让学生更好地进入到音乐氛围中。

二、加强学生对音乐作品的理解能力

根据笔者多年的工作经验可知，在部分大提琴教学活动中，教师主要是侧重于演奏技巧的传授，而忽视了对学生音乐情感能力的培养，如此一来，学生就难以在大提琴演奏中体会音乐的魅力所在。基于此，在大提琴教学中，教师应加强学生对音乐的理解能力，使学生全面深入地理解演奏曲目的情感背景以及曲目所要表达的感情。具体来说，就是在演奏前，先向学生讲明作品的年代背景、作品内容以及创作者所要传达的情绪。同时，教师还应对作品的曲式结构进行分析，也就是让学生能够就作品进行乐段的区分，并同时对作品主题的发展过程和变化进行全面的了解。

以舒曼的《梦幻曲》为例，教师可以要求学生自主了解舒曼的生平经历、乐曲风格以及乐曲的创作背景等。如此一来，学生就会对《梦幻曲》有较为清晰的理解，然后才能在演奏中更好地体会出作者所要传达的如梦如幻的意境，理解作品想要表达的儿童所憧憬的满载幸福与温暖的梦境。

三、提高学生的音色分辨能力

大提琴是声音的艺术，满载着作者想要表达的情感及情绪。演奏者要能够通过大提琴的独特音色来进行乐曲中的情感活动以及情绪色调的描绘，进而使听众在赏析作品的过程中，对乐曲内容产生想象和联想，使听众能够彻底地沉浸在乐曲中，感受大提琴演奏的独特魅力。

为此，在大提琴教学中，教师不但要提升学生演奏动作的标准性，还应使学生做到音色的辨别。如此，学生即可充分感受大提琴真正的魅力，并且对大提琴乐曲的表达也会更加细腻。

四、培养学生演奏力度的控制能力

如前文所述，大提琴是声音的艺术，而力度的变化则是其进行声音表现的主要途径。声音的传递与力度的变化是紧密相关的，如果演奏者的力度强，则传递出的声音就较为激昂，若力度较小，则声音较为温和平缓。为此，在教学过程中，教师应培养学生对力度的控制能力，让学生感受不同力度的演奏所产生的声音变化，以及声音变化所传递出的不同情感，以此来使学生更为重视对演奏力度的控制。

当然，该能力的培养并非一蹴而就的，还需要教师循序渐进地对学生加以引导。就初学者而言，通常是通过乐谱中的标示来进行判断，如乐谱中出现“f”，则力度就加强一些，出现“p”就减弱一些。但如此一来就会导致学生的演奏较为机械，失去演奏的流畅性，也就更谈不上音乐表现力。因此，教师可以让学生分辨不同力度会带来怎样的乐曲效果，进而让学生对乐曲力度有一个整体的认识，然后再让学生反复进行揣摩练习，最终找到最适合的拉奏力度。

总之，大提琴对演奏素质要求较高，而音乐表现力的好坏则是评价演奏者素养的重要标准。为此，在大提琴教学中，教师应通过科学方法不断完善学生的音乐表现力，使学生能够对演奏时的呼吸、情感传递以及力度控制等能力得到提升，最终更好地为音乐艺术发展输送人才。