文艺复兴时期的绘画美学

于清淼

摘要：文艺复兴时期始于十四世纪，起源于意大利，然后兴于佛罗伦萨，之后到了罗马，再到德国，英国，法国等国家。文艺复兴于十五世纪在意大利兴起、并在十六世纪的时候达到了顶峰，最后在十六世纪末开始出现衰退的迹象。

关键词：绘画;美学;人文主义;文艺复兴

一、文艺复兴时期绘画风格概述

（一）人性美

在中世纪，人们开始反对宗教神学，尤其是人文主义者，他们推崇人性论，反对禁欲主义。例如拉斐尔的《西斯廷圣母》，米开朗基罗的天顶画--《创世纪》和达芬奇的《蒙娜丽莎》等作品，在这些著作中都可以看到人性的美。因此在文艺复兴时期的作品也包含着宗教的因素，但我们却可以看到他们对人性美和人体美的追求和向往。

（二）自然美

在中世纪，美学家认为是上帝把美的光辉放射于一切事物之上，这些事物才会美，上帝是美的源泉。而到了文艺复兴时期，美学家们开始追求在于事物的本体之中的美，在于自然之中的美。而当时的学者认为美是与比例、和谐、科学等事物的属性密切相关的。达芬奇认为，美是一种固定形式，是和谐的。这种和谐存在人们的内心中。而且他说：“美感完全建立在各部分之间神圣的比例关系上，各特征必须同时作用，才能产生使观者如醉如痴的和谐比例。”而人体比例是最神圣的比例。因此我们可以看出在文艺复兴时期美学家们开始注重人性美和自然美了。

（三）规律美

中世纪的美学家们把美都归于上帝，因此，美和美的规律都是上帝创造的。后来在文艺复兴时期由于科学技术的发展，在文艺复兴时期人们已经感到可以用科学和技术来总结客观规律，所以许多艺术家和美学家开始利用科学技术总结规律去认识美和创造美。学者们也开始从科学的角度来学习美的规律。更有许多艺术家为了创造更美的体态和艺术品，开始进行解剖学和数学的研究。

二、文艺复兴时期的绘画作品——以美术三杰为例

（一）米开朗基罗

米开朗基罗，是“文艺复兴三杰”中的一员。于1475年出生在弗洛伦斯加柏里斯镇，他在雕塑、建筑、绘画和诗等方面都有卓越的贡献。他的人物作品以描绘人物的线条的健硕著称，而且在他的作品中即使描绘的是女性的身体也是肌肉健壮的。他的《大卫》可以让观赏者看到在平静的面容下存在的紧张感与运动感，这是极具艺术魅力的。除了《大卫》外，他的《摩西像》和《大奴隶》也是他的著名作品，其中的艺术造诣也是非常高的。米开朗基罗在绘画方面最著名的作品就是梵蒂冈西斯庭礼拜堂的天顶画——《创世纪》和壁画——《最后的审判》。在《创世纪》中顶部画的中部是以圣经的《创世记》为主线，由“分开光暗”、“划分水陆”、“创造日月”、“创造亚当”、“创造夏娃”、“逐出伊甸”、“挪亚祭献”、“洪水汜滥”和“挪亚醉酒”九个部分组成。其中由壁柱和饰带把每幅画分隔开来，并在壁柱和饰带中的预留空间把基督家人、十二位先知、二十个裸体人物和另外四幅圣经故事的画面展现给了世人。在《创世纪》中米开朗基罗运用了独特的手法使创世纪和西斯廷天顶完美的融合在一起。这对艺术界的影响也是不可忽视的。在西斯庭天顶壁画完成后，他又绘制了《最后的审判》。这幅画历时六年，其中基督的动作更加具有惩罚的意味而不是救赎，他的右手把亡众无情的挥入阴间，左手指向自己创伤，而不是托起获救的生灵。

（二）拉斐尔·桑西

拉斐尔·桑西，于1483年出生，在“文艺复兴三杰”中是最年轻的，但他在文艺复兴时期的造诣可以说是艺术的巅峰，是不可忽视的。他的性格比较随和、温柔，所以在他的作品当中，尤其是圣母像，都会透露出了一种安宁、协调、和谐、对称的感觉。在拉斐尔的圣母像中，人物的大小和实实在在的人的大小几乎是一样的，在他的代表作——《西斯廷圣母》中就可以看出来这一特点，圣母的形象是甜美的、悠然的，这也与中世纪的圣母像的古板形成了鲜明的对比。在这幅作品中，拉斐尔把一个人类救世主的形象描绘的淋漓尽致，圣母决心牺牲自己的孩子来拯救苦难深重的世界。他的《西斯廷圣母》更是表现出了一种崇高美，圣母为了人类不惜牺牲了自己的爱子。也因此，拉斐尔成为了当时最著名的艺术家。

（三）列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇

列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇，文艺复兴时期第一位画家，1452年出生在意大利。他是“文艺复兴三杰”中最杰出的代表人。达芬奇开创了以科学为基础的艺术时代。他认为视觉是绘画的基础，所以他能让人把整个世界的美尽收眼底，也很容易把他的想法传给后世的人。达芬奇认为艺术是对自然的模仿，在他的代表作——《蒙娜丽莎》中深刻的体现了这一点。他用画笔再现了一位生动的女性形象。达芬奇还提出了“镜子比喻”这一理论，认为镜子是画家之师，也就是说画家的头脑应该像一面镜子一样，面前的事物是什么样的，绘画之后再画纸中展现的就应该是什么样的。他还认为画家应该研究事物的普遍性，尤其是研究自然规律的普遍性。对于画家来说运用自然规律，并运用每一事物的类型组成优美的部分是必不可少的，也就是说画家的心要像一面镜子一样。在《最后的晚餐》中，达芬奇利用完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻画、深刻的人性，为我们显示了一种古典美。在他看来自然中最美的研究对象就是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家的绘画核心就应该是人。

三、文艺复兴时期的绘画技巧创新

（一）透视法

“短缩法”在希腊早期的时候就已被艺术家们创造出来，但这种方法是有一定缺陷的，当艺术家们使用这种方法进行绘画时，他们还没了解到物体离我们越远，事物的体积就会越小这一原理，也不知道如何在画纸上展现出来。因此，到了文艺复兴时期，艺术家们创造了“透视法”。“透视法”不仅规避了上述缺陷，并且利用数学和物理等方式使绘画变得更加的科学了。佛罗伦萨的画家保罗·乌切洛在吉尔贝蒂的直线透视法和马萨乔的空间透视法的基础上，和数学原则相结合，将“透视法”付诸实施。在这些理论之下我们可以看到文艺复兴时期的绘画作品由二维变成了三维，事物比例逐渐清晰，作品也和人们的视觉感受逐渐吻合了起来，产生了逼真的艺术视觉效果。

（二）人体比例法

由于文艺复兴时期人们思考问题的方法逐渐科学化，绘画艺术也逐渐的在创新。艺术家们也为了使绘画方法更加的科学、准确，人物的描绘能够更加的生动，更能凸显出人体美，他们有的人会研究解剖学，研究人体的器官組成和内在肌肉结构。再将数学与解剖学和人体相结合，看人体在运动状态下是怎样的，之后再进行绘画和雕塑等创作。达·芬奇就曾用30多具尸体做过解剖实验，他在人体比例学中贡献突出，更为以后的绘画科学提供了很多资料。达·芬奇对比例的研究也相当多，他认为：“美感完全建立在各部分之间神圣的比例关系上，各特征必须同时作用，才能产生使观者往往如醉如痴的和谐比例。”

四、文艺复兴时期的绘画对后世的影响

文艺复兴时期的文化不是简单的对古希腊罗马的重复，而是资产阶级文化的萌芽，反映了人们开始注重“人权”。在人们对人文主义的支持下，无论是绘画、雕塑还是建筑、装修都达到了一个新的高度。对于中世纪来说，文艺复兴时期的艺术作品出现了革新：一是工艺美术的创作中心逐渐摆脱了宗教教会的控制，出现了可以显示出人体美的工艺美术;二是由于人们对于“人权”的追求，工艺品的生产达到了空前的繁荣，这与人们的生活需求是离不开的;三是受到环境和创作材料的限制，艺术家们的创作个性并不明显，但此时的作品已能反映出艺术家们对于追求人权自由的创作热情，也使他们的才能和智慧得到了更好的发挥;四是文艺复兴时期的作品更加注重色彩的比例与协调，无论是绘画方面还是室内装潢，都更加注意各部分比例与色调是否和谐，这也使得一般的器物的造型也更加的便捷和实用。