椰风南国厚土秦川

刘益行

[摘 要]广西本土作曲家吕军辉的五首器乐作品：木管三重奏《三道道蓝》、西洋管弦乐《大西北》、民族管弦乐《绿城春语》、西洋管弦作品《玛吉阿米》、民族管弦乐《花容雲裳》首演于第六（2017）、七届（2018）“中国—东盟音乐周”。从陕北风格浓郁的《三道道蓝》与《大西北》，到广西地方风韵的《绿城春語》；从大唐盛世的《花容雲裳》，到献给永恒母爱的《玛吉阿米》……当面临传统与现代孰轻孰重的抉择时，吕军辉用自我的音乐语汇给出答案，这是一个无止境的探索进程。作品所传递出迥异的地域音乐色彩，显示了不同地域文化符号与作曲家创作之间的关联。

[关键词]吕军辉；管弦乐；地域文化；音乐特征

每季夏初，“中国—东盟音乐周”如约而至。这是一场音乐的饕餮盛会，伴随着朱瑾花香，大家“青梅煮酒，以乐会友”。一晃七载的坚持与耕耘，连续七天几十场音乐会的举办，近百首优秀作品的上演，彰显出东盟音乐周越来越大的影响力。投桃报李，广西艺术学院作为“东道主”与举办方，其本土作曲家也奉献心力，他们与国际“大咖”一道携佳作而来，交相辉映，如群星般闪耀。其中，广西艺术学院吕军辉副教授是参加了历届盛会的代表性本土作曲家之一，每逢佳节均有新酿，如去年的木管三重奏《三道道蓝》、西洋管弦乐《大西北》、民族管弦乐《绿城春语》，今之西洋管弦作品《玛吉阿米》、民族管弦乐《花容雲裳》，可谓“重音符”，直沁听众内心。

一、陕北往事：《大西北》到《三道道蓝》

深沉厚重的西北大地，历经千秋岁月，孕育了独特的陕北文化风格。从秦皇汉武开始，沟壑纵横的陕北大地上生活的人无法理解江南流水人家的风花雪月，骨子里的坚韧品性与醇厚民风透过岁月风沙，愈发地沉淀下来。在2017年5月29日交响乐作品专场音乐会上，上演了吕军辉为交响乐队而作的《大西北》。笔者当晚很遗憾没有现场聆听这部作品。当看到同学们讨论、转发《大西北》的音频片段大声呼好时，内心可谓备受煎熬，回来便迫不及待地寻找作品完整视频。果真乐曲如其名，旋律大气磅礴。作为土生土长的西北汉子，我们可以看到吕军辉这部作品深深根植于他的母土之中，作品无论形式与题材，都与西北土地以及独特的区域音乐密不可分。作曲家通过大型的交响曲形式，对秦川大地风土人情用音乐“语汇”喊了出来，使听者置身于广袤西北。音乐从“清晨”开始，小提琴奏出的细腻音色，与大提琴的坚实深厚背景音色相呼应，随后单簧管带有明亮却忧郁气质的旋律紧接弦乐声部而来，像晨间的风，轻轻地揭开了黑夜的面纱；第二部分如进行曲般，铿锵有力的打击乐，给人力量、坚定之感。笔者注意到了乐曲主题多方面戏剧性的冲突，洋洋洒洒地刻画出西北人民沉稳、坚韧的棱角面貌。如果说乐曲的前一部分是情感的不断积淀，音乐在秩序里的进行，当传统吹奏乐器唢呐“亮”出，就“吹”出了第一个高潮。高亢嘹亮的唢呐就像是翱翔在厚重黄土之上的飞鸟，是对西北故人最具号召力的情感符号。即使听者对作曲家的创作背景一无所知，但在熟悉、浓郁的“秦腔”音调泼洒出后，也能够听得出来这是一部地地道道的西北风格音乐。从现场观众的赞不绝口中，尽可看出唢呐与西洋管弦乐队“中西合璧”的成功，可见作曲家对民族乐器如何“融合”的深思熟虑。笔者认为吕军辉这次音乐创作的题材与地域性相对集中，艺术的表现手法上有着一个作曲家的坚持，即兼容并包、博采众长的思维方式。从《三道道蓝》到《大西北》，从民间歌曲《兰花花》中的主旋律到高亢沧桑的“秦腔”元素，浓郁的西北音乐风迎面袭来，折射出作曲家对这片厚土饱含的爱意。

为木管重奏而作的《三道道蓝》首演于2017年第六届中国—东盟音乐周。这是来自泰国木管五重奏组Sawasdee Woodwind的专场音乐会，也是第六届音乐周室内乐音乐会系列的首场演出，作品为单簧管、双簧管、钢琴三重奏。新音乐的创作常常不仅体现在作曲技法的创新性，也体现在乐器组合的多元化和独特性。这首三重奏把独具个性的双簧管、单簧管、钢琴组合一起，这在三重奏作品中并不常见，因此仅看节目单就让人有几分新奇的期待，而聆听时确实让人眼前一亮。

这首作品体现了作曲家一贯秉持的“民族化”主线。“三道道蓝”是陕北人民独特的人文风景，那儿黄土地上的农民传统民族头饰就是一层蓝色布巾搭配一层白色布巾，层层叠加远观则为“三道道蓝”故因此而得名。音乐着重描绘的是陕北大地泥土气息与淳朴细腻的陕北人民情感交融的生活画面。乐曲第一主题充满着浪漫气息，抒情慢板。当富有色彩的钢琴声响起，流动音符总会在适当的节点上浸进你的内心；之后由双簧管、单簧管吹奏出“似曾相识”的陕北味旋律，音符静静流淌开来。钢琴这时以琶音的形式进行，营造出微风荡漾的小河淌水；双簧管音色明亮温暖，富有吟唱性；单簧管则显露出忧郁深沉的气质，两样乐器相互“对话”，彼此沟通，描绘出黄土上生活的青年男女互诉倾心的画面。作曲家独具匠心，把耳熟能详的陕北民间传统音乐《兰花花》的素材“器乐化”，熟悉的音符若隐若现地展露出来，既没有隐藏，更没有所谓的张扬，处理得极为洗练、朴实。“兰花花”在中国的音乐语汇中已然象征着爱情，这也让听者听出了作曲家对这土地上美好纯真爱情生活的浪漫表现。第二主题的音乐素材来自陕北民间音乐《女娃担水》，是乐曲快板所在段落。富于跳跃的节奏音型，传递出劳动场景及丰收的喜悦，欢闹的音乐气氛与之前浪漫抒情段落进行对比，最后回归慢板。整个作品木管与钢琴音色上的融合，气质上的相互搭配，听者收获了浪漫、温暖的情感体验。当然，笔者对这种乐器编配的好奇心也得到美的升华和满足。

这部作品之所以让听者倍感亲切，是源于作曲家内心敏锐地对民间音乐“神韵”的精准拿捏，而能够打开人与人心灵、精神、情感枷锁的就是神韵。作曲家以此为基础，秉承专属的创作理念与格调风格，个人感性与理性的交织下迸发出的灵感，往往感人至深。作曲家对民间音乐元素的凝练再融合，正是音乐匠人对传统文化的归属感与责任感，有给传统文化穿上“新衣”，才是有作为的继承方式，而“新衣”合适与否，就在于作曲家内心的考量了。而作曲家吕军辉对传统民俗文化显然有着执着的“童真”之心。

二、南国椰风：民族管弦乐《绿城春语》

从历届中国—东盟音乐周新作来看，广西本土元素、广西多民族文化是参与创作的广西本土作曲家们沿袭的基本原则。民族管弦乐作品《绿城春语》于音乐周闭幕音乐会上演。作曲家在这部作品中融入了大量广西地域风格元素，并延续了他简洁的创作手法、大气的结构布局，细节之处又独具匠心。而音乐之所以感人，是因为它的真实，凝结了作曲家对现实生活的个人情感的艺术写照。这里的“写照”，不是所謂凭空臆想得到的，而是感悟于真实的生活体验。这也是吕军辉的一贯坚持。《绿城春语》中诗意化的音乐语汇，是这部作品美学呈现。乐曲的主题意象在乐曲名称中便点露出来：“绿城”便是南宁，城市到处花团锦簇，树木郁郁葱葱，一片生机盎然的景象；“春语”则像在初春的雨季节里，一位南方姑娘在你耳边细语，诉说着这座城市的美好与思念。如此清新诗意的意象，在轻盈优美的旋律中透露得淋漓尽致。这部作品与吕军辉上届音乐周作品《金猴闹春》风格迥异，《金猴闹春》中吹管、打击乐为主要表现乐器，活灵活现的刻画出活泼“金猴”大闹“春节”的景象；而《绿城春语》则是为拉弦、弹拨乐器而作，描绘南国椰风的城市景色。两首作品风格迥异，音乐所传递出的意象也自是大不相同。但是，殊途同归，音响的呈现效果是源于音乐的本质内容，多种创作技法也是更好地表现其内容。

《绿城春语》在结构上采用“快-慢-快”的弹性布局，吕军辉“简约派”的结构处理贯穿整首作品。音乐运行的轨道是建筑在作曲家的构思考量之上。就个人而言，对乐曲的第二段慢板段落尤为喜爱，把南国椰乡的风情神韵刻画得淋漓尽致。这里，旋律强弱处理轻重分明，弦乐声部以抒情慢速的长弓为主，弹拨乐声部则是以中速的轮指为主，音乐线条相互交织，这时清脆的碰铃从中透出，如同夕阳西下，在海风轻轻拂过，椰影婆娑、随风摆动。浪漫的音乐语汇，如同一幅山水画，像“花影摇曳暗香动，绿茵尽染邕城春”诗词一样描绘得恰如其分。这部作品的主线遵循着民族风格的路线，但在清晰可闻的一些段落里，惊喜地发现东盟多国的音乐元素，如乐曲中东南亚特色乐器独弦琴的加入，使音乐多元化的内容与“东盟音乐周”的主体思想更加贴合。作曲家希望把更多元、跨国度的音乐元素展现出来，这也是作曲家吕军辉对自己的内在要求。

三、盛唐风韵：民族管弦乐《花容雲裳》

民族管弦乐《花容雲裳》在2018年6月3日晚上演于第七届中国—东盟音乐周的闭幕式。闭幕式音乐会共有国内外作曲家带来的八首作品，吕军辉的《花容雲裳》作为压轴曲目上演。可以用一句话来描绘吕军辉的民族管弦乐《花容雲裳》：“这是一首唐诗一样的音乐作品”。看到作品《花容雲裳》，都会想起李白诗云：“云想衣裳花想容，春风拂榄露华浓。”（出自《清平乐·其一》）这首诗唱尽了大唐的浪漫情怀，透过千年时光，仿佛可见那倾国倾城杨贵妃跳着那“霓裳羽衣舞”。谈及这首作品的创作缘起，笔者认为是作曲家的中式古典浪漫情怀与他个人的音乐语汇表达。吕军辉教授对中国古典浪漫主义有着自己的真知灼见，他认为唐朝的诗词在中国文化历史上有着浓墨重彩的一笔，在相对传统的时代里，李白的诗代表了中国古典浪漫主义最高水平，而诗词中天马行空、洒脱不羁的诗意，在唐代众多诗人中独占鳌头。因此作曲家在创作中尝试“跨时空”的与李白对话，趋向探索一种新式中国浪漫音乐体系，并在这个体系中大胆地抒发内心情感，潇洒浪漫又不失古典风韵。这不由让笔者想到了作曲家几年前的作品《唐风秦韵》，虽时隔不久，但个人认为《花容雲裳》无论技术层面还是音乐内涵，皆是作曲家对自我不断超越的表现。

引子部分由弦乐声部与钟琴奏出的五小节并重复一次，运用了中国传统的七声调式。清新雅致的盛唐燕乐韵味在钟琴与云锣清脆声中展露出来。在创作技法上，整首作品使用了音型化手法，一直保持全曲至结束。（见谱例1）

乐曲开头作曲家运用了“和声”寂静的手法，营造出空灵安静的音乐场域。这个手法使用会在音乐进行中不断为音乐发展留下遐想空间，给听者期待感，从而引出下一个主题。作品中独具匠心的布局安排，是吕军辉对音乐细节深思熟虑的体现。之后弦乐声部奏出如诗歌般抒情旋律缓缓吟唱，主题旋律在吸收新的素材同时不断地重复再现，包括之后充满西域风味欢快跳跃的节奏型，弦乐声部的跳弓演奏，弹拨声部快速点状的拨奏，使作曲家的个人情感在音乐中不断叠加累积，从而带动听众的情感上下起伏。作曲家在这部作品里，贯彻了他音乐材料简约而不简单的创作观念。这首作品由两个材料发展而来，没有过多地使用繁复材料，这样使音乐更加“干净”，越是简单材料往往更能表现宽广的主题。其次，这首作品调式转换是获得新鲜感的支撑，使用中国传统的旋宫变调手法，并贯穿全曲。无论是乐曲的主旋律部分，乐曲中段的欢快热烈的快板（见谱例2），皆用调式转换的重复变化。

四、母亲的赞歌：《玛吉阿米》

管弦乐《玛吉阿米》首演于2018年6月2日晚的交响乐专场音乐会。在藏文中“玛吉”意为圣洁、纯真、无暇的含义；“阿米”原意为母亲。无论种族文化差异如何之大，母爱的伟大亘古不变，凝结了人性的内在美并散发着圣洁光辉，故此《玛吉阿米》是一首献给母亲的歌，这也是作曲家想要阐释的精神世界。《玛吉阿米》这首作品为青海玉树藏族自治区委特约作品。笔者在与作曲家吕军辉交流时，谈及这首音乐的素材时他讲到：“这首作品是写给青海三江源，而三江源被誉为青海‘母亲河，当我看到蓝天白云、巍峨高山、洁白哈达这些脱俗的音乐素材时，整个人就虔诚起来，使得音乐不能轻浮，不能带有世俗烟火气。”作品的深度正是基于特殊的素材考究之上。

站在听者的角度，笔者认为这首作品成功之处基于三点：神圣且优美的藏族音乐素材的匠心运用是其一。音乐开始于庄严神秘的管乐，像似藏族“法号”音响特点。当大管巴松吹奏出前四个小节时，内心便有着冲动，跟着音乐去探寻遥远的神秘国度。之后音乐富于多彩的变化完全满足了听者好奇心，你会心有所感乐曲的高潮必然波澜壮阔，但你想不到作曲家何时给你这份惊喜。虔诚的朝拜者跋山涉水、寻寻觅觅，蓦然回首间，寻找已久的神圣国度竟屹立眼前，而这时，万里长空中飘荡起一支圣洁的歌，绕耳回环久久不息。其二，在于作曲家所精心勾勒的宏大音画场景。笔者认为，音乐的旋律能否带给你身临其境的冲击，能否跟随音乐描绘出一幅又一幅画卷，这是衡量一部作品最为关键的一点。而这首《玛吉阿米》几乎每一段都能够给人带来“音画”结合美的享受：蓝天白云间，巍峨高山耸立远方，这片神圣的土地上生活着安详的藏民，他们与世隔绝。当远方旅人历经磨难寻觅至此，这里虔诚的人儿为旅人捧上洁白哈达时，宏大的主题回荡天地……其三，则是作品结构框架的不拘一格。在与吕军辉老师交谈时，吕老师特别强调了这首作品结构布局的独到之处，他没有按照“教科书”式的结构套用，他认为结构应“服从”其内容，因此在《玛吉阿米》中，作曲家用大量的篇幅做铺垫，引出了高潮处的核心主题——圣洁的母爱之歌，这种结构的精心的铺成设计，起到了升华主题思想的作用，产生了良好的艺术效果。

五、结语：“我爱这土地”

如果说成功的音乐创作，是作曲家在“自我”与“他我”之间深思熟虑的结果，那么吕军辉作品中的对西北的故土情节源于“自我”的内心追溯。我们可以发现，那些能留下深刻印象或者是耳熟能详的音乐作品，音乐材料中或多或少都蕴含有母语音乐文化。来自故土的音乐语言对作曲家的创作影响深远，如谭盾、张大龙、彭志敏、杨立青等声名远扬的作曲家，他们的名作中都或明或暗的显露着故土母语音乐文化元素。作曲家吕军辉的创作也不例外，作为西北人，他把地域音乐符号拿捏的准确到位，让“他我”也能被纯正地道的西北风情所感染。可见母语音乐对一位作曲家的重要意义，是启迪、是支撑、或是回归。伴随作曲家成长的文化环境，甚至是儿时记忆里的“味道”，都是给予他们最初探寻音乐世界的本源动力，是作曲家探索、开拓、不断超脱中最深层的底气与挺起的脊背。翻看他们的创作履历，总有几部作品深情传递出对故土山川的眷恋之情。此外，广西作为吕军辉的第二故乡，邕江河水川流不息，它夹带着绚丽多彩的民族文化源源不绝给予作曲家创作灵感与素材。现在回首这片土地，吕军辉不断地为第二故乡创作了一部又一部佳作。

吕军辉老师的音乐作品从跨越历史的“唐风”系列《唐风秦韵》与《花容雲裳》，到广袤的三秦大地的《三道道蓝》与《大西北》，再到广西少数民族音乐特色的《红水河音画》与《绿城春语》，每一步皆呈现出作曲家推陈出新的多元化创作趋势。而伴随中国—东盟音乐周的日益繁荣，本土作曲家在音乐周上推出的作品也体现了多元的态势。从吕老师的历届音乐周新作来看，他的创作越来越注重作品内涵的深刻性和题材的广阔性。从而，大气磅礴与古典柔美兼具的个人风格逐渐清晰，已渐入成熟。