我画·我说

文_ 蒋跃

中国绘画自诞生以来，致精微，见广大。它让中国人以哲学家的眼光看待世界万物，以流动视点的心智俯瞰山水，以平面化的方法处理客观对象，以笔墨化的语言实现意境升华，以诗意的精神构筑艺术情怀。数千年以来，它与西方绘画模式拉开了距离，走到一个更为自由的理想王国—形式与写意。

这是我喜欢中国画的重要原因。13岁，我开始在生宣纸上涂鸦，主要是研习人物画，创作过大量有浙派风格的作品。17岁，我参加了浙江省美展，就读中国美院时主攻工笔人物画。之后，我的国画也参加过包括全国美展在内的各种全国性大展。但因为我在中国美术学院教授水彩画课程，知名度和影响力主要在该领域，很快淡出国画圈。近年来，我在美术报社担任主要领导，业务繁忙，没有整块的时间搞水彩画创作，又开始拿起了毛笔，当然也是早期国画情结的回归。

写意花鸟画因为没有了造型的约束，比较自由，但较之山水画的驾驭更加难一些。我先是进行放松性的宣纸涂抹，后来，将笔墨语言和构图的创新意识结合起来，在恣意的情绪中挥洒，在理性的把握中升华。数年下来，当我将几千张生宣纸玩完后，慢慢地，画面的效果也渐渐显现，我品尝到了甜头。

在传统的花鸟画家中，我喜欢吴昌硕潇洒而浑厚的笔墨语言，更喜欢潘天寿的险绝、冷峻以及一味霸悍的造型、构图。我以自己的理解，将西洋色彩、传统笔墨、构成意识和诗意抒情融入我的花鸟画中，并试图在前人的基础上有所突破，与他人拉开一点距离。主要的创新点在形式美感上—构图和设色两方面做了些追求。我认为，要使花鸟画有较多的变化和生气，就应该考虑这两方面的精心处理。构图的好坏常常直接影响画面的效果，设色又有观者的直观感受。讲构图，一方面做到让宾主、大小、多少、轻重、疏密、虚实、隐显、层次、参差等各种关系合理搭配；另一方面，强调对比、调和、节奏、均衡、穿插等有关形式美的法则，精心审度，在法度之中出新意。讲设色，张书旂、周昌谷等几位是高手，他们的作品明朗、优雅，尤其是粉彩与墨色共用，产生极其传神的韵味。我下过大量的精力研究西洋色彩，而且在我的作品中大量运用了这些成果。不是简单的“随类赋彩”，借色而益彰。古代画论曾说“设色忌枯，忌火，忌俗；忌主辅不分，交错凌乱；忌深浅模糊，平淡无味”，要“艳而不失之俗，淡而不失之枯”，“淡逸而不入于轻浮，沉厚而不流于郁滞”。一幅花鸟画必须有它的中心色，其他色彩倾向于主色而取得协调时，才生美感。如果任意着色，必然造成画面上色彩的混乱现象。尤其是墨与色混合使用，还有粉色与墨色的交替搭配等，都是中国花鸟画设色的独到之处，也是创新的一条路子。明清以降，强调水墨发挥，色彩语言渐衰。我认为，当下必须与时俱进，掌握西洋色彩学上的色相、明度、纯度、冷暖等相互关系，以及调和、对比等形式法则。

1.蒋跃 无限春光不用多89cm×69cm2017

2.蒋跃 松下栖鸟觅食欢98cm×44cm2016

3.蒋跃 万顷碧色任鸟栖50cm×168cm2015

4.蒋跃 平湖晚影沉清低69cm×158cm2017

这里刊登的是我近期的部分作品，既是对自己的一个回望，又是对大家的一个汇报。一花一世界，我之所以画花鸟画，是欣赏和陶醉于大自然间的花繁叶茂、百鸟和鸣的勃勃生机。“山光悦鸟性，潭影空人心。”多少人间烦恼都可以在这种和谐自然中荡涤净尽，我在这一方天地中寻求到了精神上的慰藉。正如金农先生在他的《萱花图》中的题记：“花开笑口，北堂之上。百岁春秋，一生欢喜，从不向人愁。果然萱草可忘忧。”这种愉悦只有在亲身作为中才能感受得到，我在这方天地里寄托着情感，陶醉在艺术的理想王国之中。纵观这些年的中国画画坛，看似繁荣，但并没有实质性的进展，更谈不上高峰，大部分的写意花鸟画作品处在萎靡之中。近些年，我几乎不参加各类中国画展，但我始终牢记古人“淡泊明志”“宁静致远”的教导，一直没有放松对自己在艺术上的追求。我想，我还会走得更远。

借此机会，我还想讲另一个作画体会。俗话说“吃饭吃到七分饱”，这是人类养生的一种形象说法，也是医学专家经过大量研究证实的科学结论。意为我们每餐吃七分饱就完全可以保证营养成分的摄入，不仅能保持头脑清醒，还能有控制体重和减肥的效果。当然，还有更重要的一个原因，大脑与我们的胃口并不同步，往往慢半拍，待到大脑反应出吃饱的信号时，其实已经过头了。也就是提醒大家吃饭不要吃得太饱，只要觉得不会饿着就可以。否则，多吃一口，就物极必反，成负担了。

最近，我观看一位著名人物画家的作品展时，注意到一个现象。他的山水小品比人物画像好；人物画作品中，动物比人物画得好；而人物画的衣纹处理比脸部好。原因很简单，他画山水时由于没有了造型上的束缚，完全放开了，注意力集中在构图、笔墨等艺术语言的表达上，更注重趣味性，而且有大量的空白，非常轻松。而画人物的头部却过于认真，面面俱到，比较拘谨而显得有点烦琐。所以，我想画画也要像吃饭一样“七分饱”就够了。许多画家，往往受到客观物象的约束而追随不断，觉得自己的画面没有完成，或者觉得还有能力深入下去。其实，等到画家认为画够了的时候，往往已经画过头了。几年前，我与研究生在教室里用水彩画人体写生，由于对象丰富的造型和色彩变化，我的笔始终没有放下来，结果是画蛇添足。后来学生们说，老师，你画到一半的时候最精彩。减法，的确很重要，尤其绘画的技法能力足够时，注意力要放到整体画面处理上。过犹而不及，所谓画画是在画修养，我觉得就是这个意思。

能够适时停下画笔，也是画家成熟的一个标志。郑板桥有语云，“画到熟时，是生时”。绘画的技术越熟练，越要谨慎，才能达到由熟而后生的艺术境界。只有当我们在一个阶段以后感觉到了“生”，才能进入另一个更“熟”的天地。生，其实是对当前自我的否定，由生到熟，再由熟到生，不断否定自己，不断上升，以臻完美。因此，绘画艺术的“完整性”在于画家个性的强调，在于构思的巧妙把握，在于构图的新颖布局，在于形象的深刻感人等各种形式因素谐调的结果。我曾在一篇文章里讲到，画虚比画实更难，犹如中国画中的空白，要做到笔不到而意到，此时无声胜有声。虚，不是无，不是空，不是简单。虚要虚出内容，虚出味道，虚出内涵。这样的虚，要反复斟酌，要比实难画多了。这大概也是“七分饱”的意思吧。

5.蒋跃 春江水暖人更勤69cm×138cm2017

比较讽刺的是，本来，“吃饭吃到七分饱”是一个科学的结论，我们这样私底下的议论完全可以开诚布公，却碍于情面，只有在私底下悄悄交流。的确，现在画展开幕式后一般会开一个关于该画展的学术研讨会，尤其要请一些权威的美术评论家发言。事实上，所谓的“学术研讨”，并不是大家敞开心扉地诚恳提意见，就画展艺术成就的正反两方面做认真研讨，而是讲上一大堆“好话”。但是不是作品真的到达了那个高度了呢？是不是真的就那样完美无瑕了呢？我看未必。私底下看展时随意的“悄悄话”，却显得非常真切，是观者的肺腑之言。所谓“旁观者清，当局者迷”，我们讲“看自己一朵花，看别人一个疤”，往往看他人的毛病会变得异常敏锐，看自己的作品却熟视无睹，没有“觉悟”，不断在重复自我，原地踏步甚至倒退。

我认为，一个优秀的画家要时刻保持清醒的头脑，始终要有一种做学生的虔诚心态，不断叩问，不断反思，才有不断前进的可能。但是，画家要听到真话并不容易，如果研讨会上讲真话，尖锐的批评意见与会场的气氛格格不入，办展者也未必愿意听。就像我这样的画家，当面听到的也都是奉承话。事实上一点好处都没有，我的研究生要来看我的画，我对他们有一个要求，每人都必须指出我画面上的一个缺点。的确，喜欢听奉承话，这是人性的一个弱点。只有明白自己的“症结”所在，我们才有可能找到治疗毛病的方法，才有可能保持肌体的健康。

“听君一席话，胜读十年书。”展览会上，我们在作者背后品头论足，毫无顾忌，但往往一针见血，都是真情实感的流露。只可惜，办展画家本人并没有听到我们讲的“悄悄话”——真实的声音。否则，他的艺术水平还会更上一层楼。前几年，中国美院有一位前辈老师同我讲，年轻时向老师学，中年时向同行学，老年时向学生学。我觉得此话极有道理，这里将人生三个阶段的学习过程都讲得非常明白，也就是活到老、学到老的真诚态度。许多人都以为画家“越老越值钱”，事实上，这只是发生在极少数几个特别有悟性的画家身上，比如像黄宾虹这样。但据我观察，大多数画家越老越不行，思维不再敏锐，对新知识不再像年轻时容易接受，资格越来越老，恭维者越来越多，越来越听不到“悄悄话”，故步自封也就成为必然。

2017年11月于美术报社新大楼

约稿、责编：金前文、史春霖

6.蒋跃 夜雨连明春永生69cm×48cm2017

7.蒋跃 鱼塘幽梦69cm×48cm2017

8.蒋跃 他年我若为青市69cm×89cm2016

9.蒋跃 鱼潜水面静69cm×48cm2017

10.蒋跃 北山有梅闹春风69cm×138cm2017

11.蒋跃 崖石脚下携春娇69cm×138cm2016