油画色彩的运用之浅见

周晓娟 （渤海大学艺术与传媒学院 121000）

一、前言

在任何的绘画作品中，色彩都是一个非常重要的部分，正是由于色彩的存在，才使得画面有了思想情感和精神内涵。油画作品中色彩的运用尤为重要，可以说油画就是色彩的艺术。只有通过色彩，油画作品才能够表达出思想情感。

二、色彩观念的发展状况

油画是诞生于文艺复兴时期的，它的前身是壁画淡彩画，在许多早期的油画作品中，壁画淡彩画的韵味都十分明显。油画在诞生之初，就是以其色彩来吸引人的，因此在最初的油画创作过程中，对形体结构、人物形象、明暗对比、质感都有着较高的要求，当时的油画作品主要就是凭借高度的形体美来吸引观众的。在文艺复兴时期，即使是达·芬奇，米开朗基罗和拉斐尔等大师，他们的作品也只是注重了颜色和明暗的表现手法，而在色彩的冷暖变化上还有所欠缺。因此在油画的诞生之初，对于油画色彩美的开拓还不是很成熟，而主要是依靠形体美来吸引观众。

在19世纪，油画有了新的发展方向，而这个新的趋向主要就是色彩方面的变革，这个阶段的画家更加注重油画的色彩美，对于油画色彩的运用进行了相关的研究。英国的画家康斯特布尔是最早用油画来进行室外写生的画家，利用油画来进行室外写生，使得作品有了更加丰富的色彩感受，并且他在局部利用细小笔触然后置以颜色，使得它们混合成为了比较鲜明的色块，相比于古典的褐色调子，油画画面要明亮得多。除了直接用油画来进行室外写生之外，康斯特布尔还运用了补色原理，所谓补色原理，就是指的是将色轮两极的颜色并置，可以相互提高明度和强度的原理，补色原理是随着科学的不断发展才被提出的，但早在康斯特布尔进行油画创作时，就已经开始感性地加以运用。由于受到康斯特布尔的启发，德拉克洛瓦也开始对补色原理加以利用，他将补色主要运用于创作的色彩表现，再通过活跃的笔触，使得画面在许多的部位都形成了色彩的对比，使得色彩的明亮度和华丽感都大大得到增强，德拉克洛瓦的作画风格震惊了当时的画坛。

随着时代的发展，后印象主义画家开始不满足于印象派画家过分的对大自然和物体表现光色的变化加以描绘，而是把油画的形式作为了表现自己精神和情感世界的一种媒介，后印象主义画家所主张的是艺术应该强调个人的感受和经验，正是由于后印象主义的这一追求，对印象派追求色彩美的技巧又进行了进一步的发展。从后印象派开始，油画的主观性表现得到了大大的增强，这才是油画史上又一次深刻的变革，使得主观性色彩在油画中的地位得到了确立。比如说梵高，他通过浓厚和明亮的色彩，使得自己内心不安的情绪得到了充分的表现。而高更则是将绘画视为一种独立于自然之外的东西，他所强调的是通过非再现性的色彩和线条来对画家的主观情感加以表达。

油画发展至20世纪，形成了许多不同的流派，这些流派的形成都是由于不同的艺术观念所造成的，同时，绘画语言也得到了不断的创新，使得艺术呈现出了多元化发展的特征。也是在20世纪，油画在色彩观念上又发生了重大的变化，在传统油画技法中，其艺术观念的形式体现又得到了进一步的强化，因此油画的形式语言受到了高度的重视。

西方油画艺术在色彩方面的发展经历了从客观再现到主观表达的转变，因此，色彩在不同的绘画发展阶段，所呈现出的变化和艺术表现力也都是有所不同的，它们在特定的时期，都是合理的。油画中色彩的一个重要作用就是表达物象，通过对物象的表达来向人们传达一种美，因此油画作品中，只要色彩所表达的主题与所传达的情感是相吻合的，我们都应该对其加以发扬。油画发展历程中各个艺术家的色彩观念也都是有着其合理性的，正是由于这些丰富多彩的艺术观念，才使得油画色彩的运用得到了不断的发展和丰富。

三、油画作品中色彩运用的规律

对于色彩的运用，就是通过人的主观意识来对颜色进行搭配和运用，在自然界中，有着丰富多彩的色彩，正是这些丰富多彩的色彩，带给了我们各种各样的信息和对于事物的不同认知。用塞尚的观点来看，正是因为画面有了对于色彩的运用和对画面的主观把握，才使得艺术的美与自然的美得以区分。而伊顿也认为在艺术的发展过程中，色彩永远是其最为重要的一个造型要素。塞尚和伊顿都对色彩运用给予了充分的肯定。而且根据当代的科学研究，色彩相比于图像和文字，更加能够留给人以深刻的印象，因此在进行优化创作的时候，必须要对色彩运用规律加以了解。在油画作品中对于色彩的运用，不单单是艺术家的主观意象的再现，色彩的运用也有着自身独特的规律，所以它也是建立在一定理论基础之上的产物。从油画色彩运用的发展历程中我们也不难发现，人们对于色彩的认识经历了从感性到理性的变化，而且相关的理论也得到了不断的完善。

其实色彩本身只是由于物体通过光的照射，所产生的物理性光反射而形成的，然后再通过人类视觉的摄取，从而使得引起了人们某种强烈的感情共鸣。之所以会产生这种共鸣，是受到很多因素影响的，比如说一个地方的文化传统，或者是某种商业导向，还有一些政治因素和情感经历等等。所以说不同用途的绘画对于画面也是有着不同的色彩要求的，就比如说商业广告，色彩在其中的运用就更加注重画面的第一视觉感。而在油画中，画家则是通过自己对自然的观察和对颜色的主观处理，使得自己眼中和心中的世界再现到了作品之中。油画的美主要就在于色彩之美，而色彩之美所注重的则是画家对于色彩的运用和搭配，油画中对于色彩的运用和搭配必须按照一定的规律来进行。对于油画作品而言，忽略其油画技法的运用，单单从色彩方面来加以审视，就可以判定其是否优秀，所以说画家对于色彩的运用直接影响着作品的质量。在欣赏一幅油画作品时，色彩所带来的美感是任何因素都不能取代的，任何一幅优秀的油画作品，都是通过色彩来震慑人心的，正是由于画家对于画面的色彩进行了精心的搭配，才使得油画具有如此大的魅力。在油画作品中，色彩的运用在画面中的具体反映是整体性的平面语言，是从客观色彩的固有色、光源色、环境色或者从某一个特定角度中所抽取出来的色彩，然后根据作者有意识或者无意识的色彩运用，使得其具有深远的意义。

四、油画色彩的运用

1.高雅的中间色

油画对于色彩有着非常高的要求，因为大自然色阶的层次是十分微妙的，所以说在画面色彩的关系上必须有所考究，油画所强调的是细腻的色彩变化，因此油画在色彩的应用上应该达到一种淡逸而不轻浮，厚重而不流于郁滞的效果，所以说在进行油画创作时，必须一层一层地迭色，使得画面既饱满又透气。也正是由于大自然色阶的层次十分微妙，所以在画面色彩的关系上必须要顾全大局，从整体出发来对画面的色彩加以布置，否则很容易迷失在各种复杂的色彩物象之间。一般来说，灰色如果是由黑加白而来，则非常容易使得油画的色彩过于呆滞和死板，进而失去灵性，但若是用群青轻抚熟褐，然后再渗入一定的白色，此时灰色九江变得活跃。而且这种灰色依靠着寒色或者暖色，更加富于变化。在大自然环境中，画面色彩可以以中间色为主，也就是说，使得灰色占据画面色彩的大部分，而让鲜艳的色彩对灰色加以辅助。在进行油画创作的时候，画家应该摆脱自己固有的用色习惯，而使得自己的思想与感情充分地融入画作之中，时时紧扣自然内在的本质，而不能够一成不变。通过这些丰富的色彩，来对大自然充满反思。

除了中间色之外，还应该注重一些比较鲜艳的色彩，比如说绿色，绿色是大自然最具代表性的颜色之一，通过绿色，可以分析出一幅画作中红、橙、黄、蓝、黑、紫、白等色的成分的多与少，所以说对于绿色调的探究也是十分有必要的，不同的搭配会使得相同的绿色具有不同的意义，表达不同的情感。比如说如果绿色中有偏蓝色的成分或者带有紫色调，那么它所表示的空间就较为远，如果绿色是偏于土黄色调的，所表示的空间就较为近。当然，要想对于绿色有着更加深刻的认识，进入绿色的思想境界，还必须要配合其它的颜色，并不仅仅是对于鲜绿的运用，也要辅以灰绿中间色，使之的意境更为深远。那么如果调出高雅的绿色调再将之放在对的地方呢？一般来说，要尽可能地减少对鲜绿色的使用，除了一些特殊的点之外。在暗部的绿，可以用翠绿调熟褐或者生褐、土红和生赭等等，不能够在暗面轻易地搅和钛白，因为这样容易使得颜色脏掉，而且还不容易保持画面的透明感。而对于中绿，则可以用土黄色、橄榄绿调上土黄或黑色调镉黄，一般来说，土黄或者橄榄绿配上黑色调镉黄所调出的颜色非常符合树木的颜色。还有淡黄绿，这是一种非常亮并且十分漂亮的嫩绿，一般不将其单独地进行使用，在使用时，可以加上镉黄来进行调制。对于颜色进行调制的时候，不能够混合太多的颜色，否则所调制的颜色极容易变脏又容易变质。而且在进行油画创作的时候，可以画一笔调一笔，使得油画中每笔的色彩都具有一定的差异性。

2.布上混色

所谓的“布上混色”，则是指的在调颜色时候，不应该在调色板上进行，而应该在画布上进行。因为在布上调色，可以使得混色的效果层次更加的丰富，使得颜色不会太过于死板，同时，一笔下去，还可以呈现出多种颜色，这样颜色会更加得生动。传统的混色都是在调色盘中进行的，但是在画布上进行调色，可以使得混色所得到的颜色更加的活泼。比如说黄色和蓝色的混合，在画布上所混合所得的绿色往往较其在画板上所混合得到的绿色更加清澈，而且在画布上还会呈现出绿色、蓝色和黄色三种颜色。布上混色有着丰富的趣味性，但布上混色对于绘画者的个人感觉和经验也有着较高的要求，是没有固定的配方的，只有依靠绘画者个人的经验和感受来将颜色加以混合。

3.着色重点

在进行油画创作时，还必须要注意色彩所表现出的远近关系，通过不同颜色的搭配，是可以向人们展示出不同的远近关系的。即使是同一种色彩，也存在着微妙的差别，比如说对象、光源色和环境反射色有所不同，同一颜色所表达的出来的韵味也会有所不同，所以说绘画者应该对这些加以细致的观察。在大自然中，往往有着不同的光源色，比如说朝霞，它的光往往是偏于红色的，而日暮则是偏于橙黄。当光的色彩发生变化时，物体的色彩也会有所变化，而且物体的亮和暗不能够用同一种颜色的浓淡或者深浅去加以表达，这样是不能够取得良好的表达效果的。在进行油画创作时，需要通过色彩来对这个世界加以感知，将物象的色彩转化为自己的感情，然后再将自己的感情变成油画中的色彩，使得色彩的含义得到升华。在进行油画创作时，还必须要注意小面积对比，对于颜色的直接使用往往只会在很小的局部、一根线条或者一个色点上面，而油画大部门的颜色都是需要进行调和的。要使得着色的重点得以突出，颜色与颜色之间的边缘线不能够过于干净和锋利，这样才能够使得作品更加具有空间感。

4.冷暖色的运用

在油画色彩的使用过程中，还必须要注意到颜色的冷暖之分，色彩的冷暖之分往往都是由于光线所造成的，因为一个物体常常会因为光线照射的关系而产生亮面和暗面两个部分，当物体在由亮面向暗面进行转变的时候，也就使得颜色有了冷暖之分。所以说在进行油画的创作时，必须要对颜色冷暖也加以表现，才能够使得画面更加生动和感人。一般来说，物体在夕阳、灯泡的照射下，其亮面所呈现的往往是暖色调，而当物体在月光和烈日的照射之下，亮面则会呈现出冷色调。因此，油画色彩的运用必须要使得同一种颜色也赋予冷暖之间的变化，才能够更好的表达出绘画者的情感和思想。

五、油画色彩运用的思考

1.情感表达

油画作品中对于色彩的运用既是绘画者对于客观物象的观察和理解，同时，包含着绘画者自己主观上的情感。比如说从夸张夺目的金黄色的色彩之中，我们可以感受到梵高对艺术的疯狂追求，而从鲜艳的蓝绿色之中，我们则可以和修拉一起来对生活的平静和安详加以感受。比如说波洛克的画作《蓝》，在这幅画中，有着各种奇形怪状的生物，整个画面是以蓝色为背景的，这些生物都是布于这蓝色的背景之上，而且画面中所呈现的这些物体都没有自己具体的形状，使得观赏者只能够根据自己的经验和猜测来对这些物体加以判断，因为画面之中的这些物体也正是画家自己对于许多物象的自我看法和真实情感的表达。这幅作品是抽象画作的一幅代表之作。

2.色彩理解

对于同一客观物体，往往在不同的画家笔下，其色感也是不同的。之所以会出现这种现象，就是因为不同的画家对于物体的色彩理解也是不同的。比如说塞尚的画作《有苹果的静物》，这幅作品中所有的物体都没有在一个透视点上，但是往往又不容易被人们察觉，正是由于色彩的运用，才使得这幅画作独具匠心。

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