浅谈陶瓷釉上山水画的创作

刘琴

（《风清轩》书芬陶瓷艺术工作室，景德镇333000）

1 中国山水画与陶瓷绘画艺术史

中国的山水画艺术形成于中国历史上政权更迭最频繁的魏晋南北朝时期，在当时文人志士面临着身体和思想上的双重打击，他们不得不远离朝政、退隐山林，过着“采菊东篱下，悠然见南山”的生活。理所当然，这些文人需要精神寄托，所以就有了后来的寄情于山水，用这大自然中的一山、一水、一草、一木来比照自己，这也使得山水画在创立之初就是以表达画者内心情感，追求人与自然相互感应，达到“天人合一”、“物吾交融”的境界，但当时的画风尚未从人物画中完全分离。张彦远在《历代名画记》中对山水画曾提到“魏晋以来，其画山水，则群峰之势，若锢饰犀栉……或水不容泛，或人大于山，列植之状，则若申臂布指”的不成熟情况，到隋唐时这种情况就不复存在了，尤其是从唐代开元年间开始，中国山水画里出现了两大派别，被董其昌称之为“南北两宗”，以李思训、李昭道父子为首的北宗青绿山水一派，以王维为首的南宗泼墨山水一派，两者契合以至于形成了多种的艺术风格与艺术形式，从而使得山水画进入成熟阶段，结束了诞生这门艺术的全部过程。

山水画是中国画的重要学科之一，发展至今已建立了一套完整的理论体系，有其自身独特的艺术风格和审美情趣，是画家们观照自然、阐释世界和承载其观念意义的一种重要方式。中国山水画在传统上按画法风格分为青绿山水、水墨山水、浅绛山水、金碧山水、小青绿山水、没骨山水等。

中国，是具有七千多年陶瓷艺术历史的古国。在人类文化史上，中国的陶瓷艺术占有不可忽视的一席之位，作为科学与艺术的结晶使中国文化增色不少。陶瓷装饰主要手段之一的陶瓷绘画，曾在中国历史的源头首先启动了中国绘画史，又在中国绘画高度成熟以后，利用中国绘画成就在瓷器表面开辟了不同于颜色釉的另一种美的境界。早在宋、元时期，陶瓷绘画就开始呈现出占据陶瓷装饰主流的倾向；明、清时期，陶瓷绘画已成为陶瓷装饰的主流。发展至今，陶瓷绘画仍然处于生机勃勃的状态，陶瓷山水画尤其受到艺术家的喜爱。

2 陶瓷釉上山水画的论述

2.1 陶瓷釉上山水画发展梗概

中国山水画作为独立的画种登上历史舞台，发展至今已历经一千多年的时间，而陶瓷釉上山水画是在我国传统山水画的基础上，并随着陶瓷材料的进步逐步发展起来的，说到陶瓷釉上山水画，我们不得不说釉上彩，单从字面上来理解，釉上彩是指用各种彩料在已经烧成的瓷器釉面上作画，这种已经烧成了的瓷器可以是白釉瓷、单色釉瓷，也可以是多色彩瓷，然后经二次入窑，以600℃至900℃的低温发色固化彩料而成，这些釉上彩通常是指彩绘瓷、彩饰瓷、青花加彩瓷、五彩瓷、粉彩瓷、白底描金瓷及珐瑯彩等。

釉上彩绘瓷历史久远，在北齐武平六年（公元575年）范粹墓就曾出土相当精美的白彩绿彩器，在许多晋青器上也能看到赫彩点饰。真正意义上的釉上彩器始见于唐代长沙窑，以绘制纹饰而著称。其后宋代磁州窑将这一工艺技术发扬光大，创作出了许多不朽的旷世佳作。金至元代磁州窑红绿彩开创了明代五彩瓷的先河，到了明代中晚期的成化、嘉靖、万历时期，五彩瓷的制作达到了极高的水准。但是真正精细且又具有美感的彩器仍要数清代康熙、雍正、乾隆的五彩及粉彩器了，正是这一时期的釉上五彩及粉彩为陶瓷釉上山水画奠定了坚实的基础，使得釉上山水画真正地能与陶瓷相结合，发展成为陶瓷釉上山水画。清末、民国时期文人山水画风行，画家多参与陶瓷艺术品的制作，所以陶瓷山水画在此时得以大放异彩，引得世人瞩目。

2.2 陶瓷釉上山水画创作的现状

陶瓷釉上绘画不同于纸上绘画的性质，其创作受到多方面条件的制约，如受烧成条件的限制、工艺材料的限制；画面展开受立体造型条件的制约，并且构思立意也要随着造型的变化而变化。陶瓷技术和工艺材料也在不断的发展，如今的釉上山水画俨然已成为当代陶瓷绘画形式的主流，陶瓷釉上山水画主要分两种，一种是对自然风光的写生，讲究真实与再现；另一种主要是画家对所见之景进行的再创造，主要表达艺术家的个人思想情感。现在的艺术家们更倾向于后者，但不管是前者还是后者，或者是水墨丹青、栩栩如生，或者是出神入化、浑然天成，或者是落纸烟云、诗情画意，都体现了东方艺术的崇高审美情趣，也凝聚了我国陶瓷艺术工作者丰富的智慧和才能。

由于釉上彩工艺材料日臻完善、丰富多彩，众多的陶艺工作者及山水画家经过反复的研究和创造，用艺术的眼光为陶瓷山水画创作迎来了自己的春天，他们积极探寻釉上彩料的发色规律，深入研究陶瓷介质特性，发挥造型能力和笔墨技巧，努力尝试各种不同的釉料及器型，已经成功出色地将陶瓷釉上山水画这一特色题材所蕴涵的艺术美表现得淋漓尽致。

3 陶瓷釉上山水画创作理念与原则

3.1 对传统的继承

陶瓷釉上山水画的创作理念与中国的传统文化是分不开的，但在很大程度上又受国人的审美意识以及当时社会经济、文化、政治的影响。陶瓷釉上山水画一方面受中国山水画的影响，继承着传统山水画的技法、审美特征等；一方面利用了中国绘画的陶瓷装饰，特别表现为宋代以来与时代绘画面貌同步所出现的不同陶瓷工艺的装饰品种，如“黑花”、“青花”、“斗彩”、“五彩”、“古彩”、“粉彩”、“浅绛彩”等的产生，是随着宋代白描的成就出现了宋代磁州窑黑花，随着元代水墨画成就出现了元代青花，随着明代成化朝宫廷绘画成就出现了成化斗彩，随着明、清版画成就出现了康熙古彩，随着恽南田没骨花卉画成就出现了雍正粉彩，随着文人山水画的风行出现了晚清浅绛彩。这个动态的历史发展过程，显示了较为清晰的“陶瓷绘画”系统。陶瓷绘画由于紧紧追随传统绘画而格外雅俗共赏，所以在创作过程中，有传承，也有在传承基础上随着社会步伐的创新。

传统的山水画是古人通过实践的智慧结晶，今天的创新往往就是明天的经典传统，要站在前人的肩膀上爬得更高、更远，我们所说的继承传统，并非固步自封，而远离传统更不是抛弃传统，我们需要做的是要与传统不即也不离，在实践中努力创新，从材质上、颜料上、表现上不断地去拓展。不要对传统完全的肯定，要看到其薄弱的一方面，也不要完全的否定，为了创新而新。做到“推陈出新”，在尊重先人成果的前提下，以古人的“规矩”打开自己的创意之路，将前人的精髓融会贯通，然后显示出自己的特色。

3.2 探索新的形式语言

在陶瓷釉上山水画这一独特的领域，不同的历史时期都有其独特的形式语言，每个艺术家也有其独特的风格和气魄，在清末、民国时期，陶瓷釉上山水画注重传承，追求中国山水画的表现效果。民国初年，以“珠山八友”为代表的“新粉彩”整体风格基本追求工整、色彩丰富，并多参考近代名家绘画；而今的大多数艺术家都别开生面、大胆创新，不仅体现在题材、构图、意境和思想上，也同样的体现在“笔墨”技法上。

在探索新的形式语言过程中，“笔墨”应是最能反映现实的，但同时其也会随着社会的进步而发展。时代在进步，生活在改变，我们的思想、情感必然也相应改变，这都会影响到作为一位艺术家的创作思维，要想做一位新时代优秀的陶瓷釉上山水画家，必须在传统的基础上勇于探索发展新的“笔墨”形式，使作品在变革中升华，根据内容表现的需要，大胆地赋予新的生命，不受时间以及空间限制，达到以形写神的境界，在选材和构图上也应互补，构图应自由灵活，与时俱进又不显突兀，这样才能适应新时代的生活描绘,新情感的抒发。

3.3 树立自我风格

每位艺术家都有其鲜明独特的创作个性，这都将统一于艺术作品的内容与形式、思想与艺术之中。由于艺术家的世界观、生活经历、性格气质、文化教养、艺术才能、审美情趣的不同，就会形成各不相同的艺术特色和创作个性。在陶瓷釉上山水画的创作过程中，艺术家应在借鉴传统的基础上，掌握好基本的技法，再从传统中脱颖而出，不断发展完善自己，经常深入生活观察、体验、感悟，通过手写心摹的方法去进行创作，在技法上、色料上甚至是在题材上进行创新，力求形成自己独有的风貌，体现自己的审美情趣，蕴含自己对于人生的思考，使艺术欣赏者有“见画如见人”的感受，从而对艺术家的思想、修养产生认同。

4 结语

当今，陶瓷釉上山水画以其独特的美学价值在陶瓷市场上已占据了一席之地，相信经过新一代才华横溢的陶瓷艺术家们的努力，陶瓷釉上山水画定能够再创新貌，成为陶瓷装饰中一株永不凋零的向阳之花。

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