妈妈咪

　　深夜11点，广州地铁珠江新城站的出站口，卖唱者吉他扫了个和弦，径直唱起了“妈妈咪呀，还是忘不了”。在两旁的广告窗里，《妈妈咪呀》的大幅海报引人注目。
　　半小时以前，《妈妈咪呀》演出接近尾声的时候，广州大剧院就像一艘处在波涛中的船：几乎所有的观众都站了起来，与台上的演员一起挥动着手，摇摆着头。
　　而在20年多以前，《妈妈咪呀》在伦敦西区爱德华王子剧院首演时，剧场里踩坏了不少椅子，伦敦交通更为之瘫痪，有人甚至建议，应该在演出前把椅子拿掉，换成夜店的舞池那样，以便演员和观众互动。
　　罗茜的自白
　　“《妈妈咪呀》正好在选你这个年龄段的演员。”从朋友处得知这个消息的时候，歌唱演员杨竹青还有点没弄清状况。当得知是英国团队来监制打造的普通话音乐剧时，她忽然意识到这是一个不错的机会。
　　杨竹青出演过音乐剧《金沙》以及歌剧《红雪花》的两个版本，并献唱过那首著名的广告歌《仙林青梅》，在发烧唱片界，她也是声誉颇佳的优质女声。了解情况后，她几乎没考虑什么，就义无反顾地登陆上了演员选拔的报名网站，像一个新人一样，按照选角流程投出了自己的视频资料和艺术简历。
　　半个多月后，她收到了回复：“邀请进入面试”。在通过3轮面试之后，她得到的角色不算太重要：“三个妈妈之一”谭雅的“B角”和唐娜的“替补”。
　　当知道结果的时候，她很纠结，毕竟之前在职业生涯中的几部作品里，都是出演最重要的角色；另一方面，她清楚，进入到剧组后能学到很多东西。为此她有些难以取舍。“最后，我战胜了我心中的‘小我’，”她笑着告诉本刊记者，“调整好心态，从头开始做起。”
　　最初她排练的是谭雅和唐娜，半个月后，剧组里出现人事变动，有一天，英国导演问她，“晚上你来做一个罗茜的表演，如何？”罗茜是女一号唐娜的好友，一个短头发、偏中性的女权主义者；而现实生活中的杨竹青长发披肩，高挑，是个唱着“青山高云水长，我盼阿哥回家乡”的传统女性。
　　“啊？你说什么？我是罗茜？”杨竹青自己都吓了一跳，“我刚刚进入谭雅的状态，觉得自己顾不来，另外我也不像罗茜呀。”与自己已经渐入状态的角色谭雅相比，罗茜完全是另一个人：前者是“结婚狂”，后者是“男人婆”，《妈妈咪呀》里的戏剧效果很大程度上正是由她们的不同而表现出来的。
　　当时的杨竹青还沉浸在“我想把我的工作完成好”的想法里，导演一语惊醒了梦中人：“我们需要你出演的是罗茜的‘A角’，戏份更多，你不觉得更好吗？在英国，这可是一个挤破头的角色，要知道，在宣传里，所有闪光灯都是对着‘A角’来的。”
　　她在当天晚上和另外两位女主角田水、沈小岑对了一场戏，自我感觉不错。一个星期后，导演宣布，罗茜由她演，胖瘦不是问题。
　　英国品质中国造
　　有意思的是，围绕瘦竹青能否演好胖罗茜，英方和中方两边的制作团队态度有些不一样。问题还是围绕在演员的形象上，中方打出的是一个大问号：因为身材修长的杨竹青和矮胖的罗茜在形象上的反差太大了，要知道，曾经在日本演出的时候，因为找不到又矮又胖的罗茜，导演只好选用了个又矮又瘦的女演员。
　　不过英国导演这样告诉她：“我制作了14个版本的《妈妈咪呀》，觉得罗茜形象是个胖子本身就是个错误！关键是如何表现个性，胖瘦不是问题。”后来，杨竹青把长发剪掉了，中文版的罗茜就此诞生：“我当时想演唐娜、想演谭雅，但绝对没想过会演罗茜。我觉得生活真是奇妙。”
　　和杨竹青与《妈妈咪呀》结缘这段曲折的故事相似，在上个世纪，瑞典乐队ABBA席卷全球的时候，一个女人也被唱片深深吸引了，她反复聆听，发现歌中充满了耐人寻味的故事，于是花了许多年去等待顶尖的音乐总监和编剧。十年磨一剑，音乐剧《妈妈咪呀》的风潮终于像ABBA的音乐一样席卷全球：她就是《妈妈咪呀》制作人朱迪·克莱默。
　　中文版《妈妈咪呀》的演出列入日程以后，密集的排练立即开始了。剧本已经定稿10多年了，严密而完整，倒是演员们有点“水土不服”：太忙了，手脚不够用了。
　　与西方传统的歌剧相比，因为在单位时间内传达给观众的信息非常丰富，音乐剧更和京剧相似：唱念做打样样有学问。而这些信息要精准无误地表达，最考验的还是演员：唱和跳是难不倒这帮专业人士的，麻烦的是那些道具：婚纱、风笛、潜水镜、脚蹼等等，这对演员在舞台走位方面的挑战不小。
　　英方工作人员态度很严谨，进入剧组后，演员的工作空间立即被分成三块：舞蹈排练场、文戏排练场以及音乐教室，从英国来的音乐总控和舞蹈总监各司其职，每天10个小时的排练时间，比上班还要辛苦。
　　另一边让演员们颇感新奇的是“预演”。这是沿用了百老汇和伦敦西区的优良传统。在上海大宁剧院的9场预演里，由于一边预演一边吸取观众的意见，第1场和第9场的一些段落已经全然不同，等到在上海大剧院正式上演的时候，演员们已经成竹在胸了。这是第14个语言版本，在此之前，《妈妈咪呀》在中国上演过英文版，那是2007年，在北京只演出了16场；而这一次，中文版的《妈妈咪呀》的巡演仅在北京就逾百场。
　　尽管在艺术院校，《妈妈咪呀》是排练的热门首选，但完全由英国团队打造，由正规的版权引进渠道，并且舞台、道具、布景、服装和国外一模一样，在中国这还是第一回：在它早早打出的招牌“英国品质，中国制造”上，可见一斑。
　　音乐剧的春天？
　　《妈妈咪呀》的歌词最早由两个非专业年轻人翻译，然后由中方制作团队群策群力做出了大规模的调整，以确保最大程度保留原版的诙谐语言，主创人员甚至认为，朗朗上口的台词是《妈妈咪呀》出彩的得力保证，在演出的现场，富有张力的台词也的确是引爆笑声的必杀技。
　　这在《妈妈咪呀》没有任何字幕和提示上也可以看出来：作为翻译的作品，观众很容易体会到主创人员刻意的坚守、对文本翻译的自信，以及为保证观众专注理解和对艺术表现力的要求所表现出的决心。
　　不过在中场休息时，依然有高中生在说“太高雅了，听不懂”。但大多数人的态度和他相反，朗朗上口的中文歌词打破了语言和文化的障碍，使观众获得更大共鸣。例如ABBA乐队灵魂人物比约，听不懂普通话的他，在看完一场中文版《妈妈咪呀》后赞叹道，“演出中，我时常要掐一掐自己，确认这真的是在中国！”
　　在偏离戏剧文本的地方，缜密的营销安排上也可以看出《妈妈咪呀》票房过亿的理由：在广州大剧院，入场赫然见赞助商的汽车；一旁是剧情中的地中海建筑；在旁边是国内各大明星观看前的合影和推荐；在上下场间歇中，更有抽奖和互动。
　　更有意思的是，中文版《妈妈咪呀》为了体现幽默，更贴近演出地点，在剧情中穿插了大量方言，在上海的演出中，台词是“女儿，我给你找了一个很牛的律师，统统搞定伊（他）”，到北京演出时则表达为：“闺女，我给你请了个巨牛的律师，全他妈把他搞定！”而在广东版里，“犀利”、“把炮”甚至“顶你个肺”都能听见。谁说复古就只能伤感？《妈妈咪呀》里，松糕鞋、喇叭裤一样可以引爆笑声。就像片头说的那样：“我们也提醒那些容易激动的朋友，本剧的主打服饰：蝙蝠衫和喇叭裤。谢谢！”
　　大多数人觉得，《妈妈咪呀》在市场上的成功，让人们走近西方音乐剧之余，更是看到了新的希望。乐观的人大可以尽情夸耀这是怎么样辉煌的开端，该如何写进中国戏剧的煌煌史册，但所谓“中国音乐剧春天的降临”实在还是先别提了。
　　国外经典音乐剧引进中国已有20多年的历史。早期的代表如1999年的《美女与野兽》，演了60场，最高票价达到了500元，但也没有培养出如何铁杆的音乐剧粉丝，人们知道的经典剧目仅限于《猫》、《狮子王》、《歌剧魅影》，很大程度上还是在其他流行文化（如迪士尼、电视选秀）的传播中被接受的，对于音乐剧的态度，更多人还停留在“太高雅”，或者“西方人的东西，中国人欣赏不来”。
　　2001年，西方音乐剧一代宗师安德鲁·劳埃德·韦伯在人民大会堂成功地进行了其音乐剧作品的演出，一时间号称“打开中国音乐剧市场的第一步”，但也只演出了4场；步其后尘，陆续有外国音乐剧到中国淘金，效果依然喜忧参半。随后，欧洲经典音乐剧在中国“退烧”，以《狮子王》为代表的美国音乐剧开始流行，当红剧目的引进带出东西方同步的趋势，大多数中国观众正是从那时知道《妈妈咪呀》的，不过当时《妈妈咪呀》只有英文版。
　　逃避或不逃避，问题都在那里：尽管这一次中英合作的中文版《妈妈咪呀》效果不错，但毕竟一枝独秀不是春。该剧制作经理李婧就曾透露过，中文版《妈妈咪呀》最早遇到的难题就是招聘“舞台监督”，这个职位在音乐剧制作中举足轻重，最终，由于在内地无法招聘适合人选，只好去台湾找。
　　对于这个问题，很多业内人士直指中国音乐剧教育上的急功近利。其实何止这些呢？观念上的陈旧、创作上的效颦、创作模式的不确定，以及不稳定的观众群体等，音乐剧做不到产业化，就不可能诞生和积累人才。这条路依旧任重而道远，《妈妈咪呀》只是刚刚多踩出一个脚印而已，毕竟，不是每一枚百老汇的“中国蛋”都合国人的口味。