音乐教育（表演）专业舞蹈教学之我见

龙谐思

近年来音乐教育(表演)专业的课程设置和教学改革的步伐一直没有停止过，多年来形成了一个观点：坚持实践的观点和不必全盘“学院派”的观点。这个观点的形成给音乐教育(表演)专业的教学指明了发展方向，但并没有形成真正适应该专业特点的舞蹈形体教学教材，大多数采用简化版的“学院派芭蕾基训”教材，但由于音乐专业的学生受自身条件的限制，这些教材的实施在他们身上很难达到预期的教学目的，其结果是教师教得很难，学生学得吃力，因此，科学设置课程以及相适应的教学教材是保证教学质量的关键。

音乐专业的学生普遍舞蹈基础薄弱，而不少舞蹈教师以填鸭式的教学手法，简单僵化地照搬“学院派”“芭蕾形体”教学程序，再则专业舞蹈这门课程设置是四年、而音乐专业的课程设置只有一年或两年，由于课时短而少，只能一味地要求学生记住组合动作的要领，动律和要求，很难达到训练目的，因此更加深了这门课程的难度，想想就只能要求形似。在实际教学中“开、绷、直、立”的“开”度没有解决，那么学生“绷、直、立”就是僵硬的。“开、绷、直、立”是建立在全身松驰状态下的，反之是僵硬的。所以说“开”度不解决，就谈不上“绷、直、立”。更谈不上神似。

我们经常把形体训练和舞蹈表演统称为形体课。舞蹈是一门独立的表演艺术，无论是人物形象的塑造，性格的刻画，情境的展现，情感的抒发，都要求演员具有高水准的舞台表现力。从近年的青歌赛中几个获奖的曲目中可以看出参赛选手有很强的舞蹈表现力，他们的形体，他们的舞蹈表演使他们的作品在舞台上光彩夺目，其舞蹈功底可与专业舞蹈演员比美。可见音乐专业学生舞蹈形体训练是多么的重要。因此舞蹈表演决定了形体表达的重要性，它也是培养音乐专业学生表现力的一个重要基础环节，人体的每个部位都有自己不同的特点和作用，在相互协调中形成完整统一的表现力才能达到完美的境界。因此，音乐专业学生训练的重点是发挥各部位的内在情感的综合表现力和肢体动作的协调性，使内心的激情能够准确地通过全身的肌肉、骨骼运动以及呼吸表情等。以妙曼多姿的动作语言传达出美的内容。所以说形体训练和舞蹈基础课不能混淆。

一、动作的协调性是提高形体素质加强形体可塑性的关键

“艺术美”是一种持久性的气质和魅力，这种气质和魅力的形成需要一段时间系统训练获得，更为重要的是“艺术美”是靠一个整体结构来获得和展现的。人体是艺术表现整体结构中的一个重要部分，正确优美的身体姿态是艺术表演完美与否的重要前提，形体训练是舞蹈专业学生的基础训练，其最终目标是改造自然状态的形体，使之趋于艺术的和理想的状态。那么音乐专业的学生动作的协调性是训练好形体的重要前提。试想一个动作都不协调，他们的形体会美吗?因为形体美在舞台上表现时是流动的，而不是固定不动的。人体美的形成应该包括两个层面；其一人的体形、体态、容貌等。其二通过体形、体态、容貌反映出“人”所具有的蓬勃向上的生命活力，理想的形体必然是这两个方面的和谐统一。可以说舞蹈形体训练是舞台表演所必须具有的身体素质，动作协调性训练是训练好形体的关键。

下面是两个具体施教的方法：

1、采用直观与思维相结合手法，通过舞蹈小组合训练以解决其动作的协调性。舞蹈技能的掌握是从建立感性认识开始的，在此基础上再通过思维理解建立起完整，正确的动作概念。我在舞蹈组合教学中，充分调动学生视觉、听觉，身体感受等感观来感知动作，获取直接经验与感性认识，同时启发学生思维去理解动作原理、运动路线。并与自己本专业相联系，把所学的舞蹈技能运用到歌剧演出和校外演出活动中去。

2、面向每一位学生因材施教

舞蹈必修课是音乐专业舞蹈教育的主要内容。音乐系学生舞蹈基础普遍很低，有的学生几乎无法开步，这就要求我们因材施教。根据学生的年龄、性别、舞蹈基础来确定教学目标，使教学获得实效。由于人的身体条件的差异性，必须区别对待，确定大多数学生经过努力所能达到的目标去选择合适的教学方法。

二、因材施教科学训练会收到事半功倍的效果

形体训练的首选教材都是学院派的芭蕾基训教材、教材的规范严谨是不容置疑的。舞蹈专业的学生形体训练具有打基础的性质，改善自然条件，培养和训练节奏感、律动感以及动作的协调性，调节肌肉用力与放松，并在此基础上培养传递出优雅的气质和良好的精神面貌。那么音乐专业的学生他的节奏感强于舞蹈专业的学生，所以说我把肢体的协调性训练摆在第一位，也就是本文说的第一大点。根据音乐系学生节奏感强的特点，我在形训中对音乐的选择也特别讲究，比如：

1、芭蕾基训中“Batterrent，Tenclus”(巴特芒汤丢·擦地)是训练腿部和加强延伸感的动作，其节奏性具有方整性。根据手位、脚位及身体的不同姿态，会产生诸如优雅、高贵、舒展、严谨等审美想象。因此，选用4／4或2／4拍子旋律、典雅、乐句方整，节奏鲜明、有力的伴奏乐曲较为恰当。

2、在练习Adagio阿达纠(控制)动作时，选用钢琴家肖邦的《即兴幻想曲》中的中间段落，其音乐优美、抒情又有一定力度，能与控制的动作融为一体。

3、在练习Batterrent，frappe巴特芒·佛位佩。(小弹腿)动作时，采用风格明快，节奏清脆的《嘉禾舞曲》和莫扎特《土耳其进行曲》，舒伯特《F小调音乐瞬间》，柴可夫斯基《四小天鹅舞》等曲子。音乐系的学生对这些曲子都比较熟悉，很容易产生共鸣，容易让音乐与舞蹈动作更加水乳交融。

芭蕾形体教学过于强调“开、绷、直、立”，很容易把学生的身体练僵，特别是非舞蹈专业学生表现得尤为突出，针对这一问题，我在实践中加强了对学生的放松训练，训练的内容有：

1、现代舞：现代舞在这方面有独到之处，从训练角度看，现代舞能有效地帮助学生解放肢体和运用肢体，其收缩和放松，吸气与呼气等训练方法能让学生在自然状态下跳舞。从内容和程式的角度看，现代舞打破了一切程式的约束，丰富了舞蹈表现力。在自然的节奏启发下，自由地舞蹈，肢体得到了全面放松，使学生能自如地控制肢体，做到挺而不僵。

2、身韵训练：对头、肩、手臂、腿部、腰部躯于进行训练处，我加强身韵训练中“呼、吸”的训练。身韵训练的基本动作要素是“形、神、劲、律”。其规律是“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。这四合中“形、神、劲、律”都由气息带动。所以我在进行“呼吸”训练时碰到一个有趣的现象，在“呼吸”训练教学中“吸”气的训练过程中发现每个学生的小腹部往外凸，我在想为什么呢?为此我查阅歌唱呼吸训练的方法：现在采用的是胸腹式呼吸，这是目前声乐界大多数人认为最科学最可取的歌唱呼吸方法，也就是说吸气时腹部向外突出，胃下降，横膈膜下降，呼气时腹部向内收进，胃上升，横膈膜还原。而舞蹈呼吸训练跟胸腹式呼吸方法刚好相反，找到了问题症结，在教学中我反复说明示范，学生清楚地理解了舞蹈“呼吸”与歌唱“呼吸”的区别，训练做到了运用自如。

三、合理科学分配课时量保证教学质量的完成

合理分配课时是保证教学质量的关键，大家都知道艺术教学，有别于其他学科教育，有其独特性和特殊性，它的特殊性体现在教学的“连续”，如果不连续会造成教师为了赶进度，教完了事，不管学生是否消化吸收。比如：有一个班每周一节形体训练课，一学期按十八周计算共18课时，如果每周二课时形体课，按十八周计算共36课时。如果在课时量不变的情况下，增加每周课时量，缩短周期量，也就是说，18课时每周2课时，9周上完。36课时，每周4课时，9周上完。这样的话能保证教学的连续性(舞蹈专业学生不存在这个问题)，就不会出现这周教完的组合，学生下周忘得一干二净，教师又得重头再教，这样势必影响教学计划的完成，达不到教学目的更保证不了质量的提高。

总之，舞蹈形体表演训练是一门复杂的教学科目，尤其是对非舞蹈专业学生的教学、目前尚处在一个起步和探索阶段，尚未完善，更谈不上统一教材。形体训练课也是改革开放后逐渐从舞蹈基训中分离出来的一门学科，这就决定你中有我，我中有你的必然联系。本文站在音乐专业的角度，从科学设置课程以及舞蹈形体教学科学性三个方面进行阐述，很不成熟，希望能得到同行们帮助提高。