写意花鸟画创作的实践与思考

摘 要：中国艺术的长河中，写意花鸟画独树一帜，有着悠久的历史。自五代的花鸟画家黄筌、徐熙并起以来，素有“黄家富贵，徐家野逸”的说法。黄、徐两大流派分别在宫廷画院内发展：前者画作精细，手艺高明，勾金填粉，色彩鲜明，整体给人富丽堂皇的感觉；后者则在画院之外生存，以水墨为主，放情笔墨，画中有诗，几笔尽显心中物象。由此，形成了院体画和文人画的区分。写意花鸟画也在这个时期快速发展起来，并一直延续到今天，傲立于艺坛。

关键词：写意花鸟画；临摹；写生；经营位置；水走墨留

中图分类号：J204 文献标识码：A 文章编号：2096-7357（2024）22-000-03

写意花鸟画注重精神表现，笔墨气魄宏大，形象概括，以表现画家真实情感意境为主。它不受时间、空间、物体、光影、色彩、透视等诸多因素的影响，汲取中国传统文化的精髓，达到道法自然，天人合一的最高境界。写意花鸟画的发展以林良、陈淳、徐渭、朱耷、金侬、华嵒、蒲华、任伯年、吴昌硕为代表，以及现代的齐白石、徐悲鸿、潘天寿等名家巨匠。写意花鸟画的创作需要具备几项传统功底，一是扎实的传统文化功底，二是良好的书法功底，三是独特的审美意识，三者缺一不可。此外，还需要精良的工具，纸、笔、墨、砚。一个成熟的写意画家必须经过不断的临摹优秀传统名作、写生收集创作素材、精心构思创作构图，最后再进行创作，完成作品。

一、“临摹”：构建对写意花鸟画之“神韵”的理解

国画与西画不一样，国画的学习历来是以师带徒的形式，充分对历代经典名画进行分析理解，然后进行临摹。国画创作必须经过临摹这一关。一幅好的写意花鸟画，要有“神韵”，形象神似，寓意深刻，构图新颖，笔墨情趣恰到好处，同时画面生动完整，题款适当，印章得法，能唤起观赏者的共鸣。要临摹好一幅作品，必须先静心观看原画作，从整体画面分析构图、笔法、笔墨层次和色彩的搭配，然后分析所用的纸张，最后研究其风格流派。

历代写意国画创作中，名家对纸张的要求很是严格，必须分清纸张的性质。例如，齐白石平时喜欢用薄一点的生宣纸作写意花鸟画，厚的生宣纸则比较少用，当客人要求用厚纸时，齐白石会加收润笔费。这从中不难看出，使用薄的生宣纸作画更容易达到笔墨淋漓、气韵生动的效果。薄纸吸收水分快，墨色容易快速晕开，水墨效果明显；而厚的生宣纸吸水量大，墨色渗透较慢，要达到“力透纸背”的效果则必须具备深厚的笔墨功底。一般来说，画大写意时使用薄纸更为合适，画小写意则可以用厚纸。画传统写意花鸟画，以书入画居多，这样用笔十分稳健，线条也显得古拙。要达到炉火纯青的境界，平时就应该多加练习。

在写意花鸟画的创作中，使用传统墨条现磨的墨更为理想。古人有“磨墨如病夫推礳”的说法，强调磨墨时要轻柔而不费气。用手握住墨条的上端，在砚面上重按轻推，这样磨出来的墨色更为细腻，且能更好地掌握墨的浓淡变化适合作画。写意国画创作所用的颜色应沉稳而不失亮丽，传统原矿颜料是最佳选择。如今市面上常见的软管状颜料质量一般，颜色不够稳定，缺乏厚重感。在临摹时，先要深入理解原作的笔墨走势与画面安排，做到胸有成竹，才能大胆落笔，注意线条之间的呼应。例如，现代写意花鸟画家潘天寿就曾说：“作画要大胆下笔，小心收拾。”这句话给我们后来的绘画者以启示。写意画要有气魄，落笔如神，每一点一画都要能够表达情感，一气呵成地完成画作。完成一幅作品后，要静下心来观察，发现问题后仔细分析原因，确定补救方法，重新起笔绘画作品，经过多次练习，技艺必然会进步。

在临摹古代名画时，特别要注意古人对画面上的神气意韵的追求，特别是写意画中，必须做到形神兼备，体现画面的韵味和意境，以表达画家的内心世界和精神情感。我们不应追求笔头上的技巧，更应在技法之外寻求意境的表现。

作画时，抓住写意画的特点，虽然笔墨在纸上飞舞，但若精神内涵不足，意境便显浅薄。应利用笔墨的自然韵味，巧用构图，同时推测古人在创作这幅画时的心境，力求还原，达到与古人对话、心灵相通的境界。

二、“写生”：在方法论的基础上培养“情景合一”的意识

“写生”这一术语，目前的一般看法认为是为创作打基础和积累素材的手段。从方法上讲，它需要面对对象进行直接描写[1]。古代画家创作时，多在院中或屋内进行，写生则需要多观察自然物象。他们常常先到大自然中观察真实的花卉和鸟类，然后再返回画室46K/Tdq/im/gBe4lhoPPpQ==内进行创作。而现在写生是在现场直接对着景物花鸟进行绘画，这种写生方法与古人的方式有着明显不同。现代画家通常采用这种对景直接写生的方法，通过仔细观察花卉的形状、结构和颜色变化，以及鸟的外形特征和动态变化，认真描绘并记录素材。一朵花一只鸟，画家需要用心去描绘。

在写生过程中，画家可以直接在宣纸上进行创作，现场捕捉花卉、鸟、虫的特点和形态，这样有利于锻炼画家的敏锐视觉和笔墨技巧，训练他们在自然景观中抓重点、懂取舍。画家将第一眼的感觉直接用绘画作品表现出来，通过反复练习和总结，能够将现实中的花鸟与画家内心深处的花鸟融合，产生感人的意境。写生不仅能记录下花鸟的具体形象，还能丰富素材，为以后的国画创作奠定坚实基础。

画家在写生时，可以形象地记录景象的整体风貌，也可以只抓重点进行概括性的速写。在花鸟写生中，需要注意观察花卉在不同时间段的变化。例如，睡莲花朵早上盛开，到了中午则逐渐收闭，晚上就完全合拢。而画鸟时则要留意鸟的爪子变化、头的转向和翅膀的张合，仔细观察这些生动的瞬间，将其记录下来，经过不断积累，日后便可运用到创作中。

此外，写生也需要抓住景物的精神面貌和意境。画写意花鸟画的难点就是很难表现出一幅画的意境。小幅画能表现出大意境，这不是一件简单的事情，很有难度，但有经验的画家还是有一些解决问题的小窍门。古人画一折枝花卉就能成为一幅有情有境的好作品，这正是因为古人对客观存在的花卉观察细微，同时将自己的意识情感融入花卉物景中。古人将花开花落、月圆月缺与人的情感结合，赋予了一幅没有生命的画作以有生命的感情色彩。有些画家对外部世界很敏感，当他们欣赏花卉时，如牡丹花，花型大、花瓣厚重、颜色艳丽，象征着富贵、吉祥，有王者之风，代表着健康旺盛。然而，现实中的牡丹花并非永远美丽绽放，也会随时间推移而凋谢。当画家看到一株牡丹在风雨中凋零，任由风雨吹打时，又是另一番景象了。花开花落是自然现象，观察久了，会有意想不到的效果。因此，写生不仅是对景物的描绘，还要有情有境，把握好所见的自我观感，然后将其画下来，这样积累多了自然就会丰富。

三、“构图”：从现实与艺术作品出发，寻根溯源

国画的创作中，构图极其重要。构图也叫“经营位置”“章法”。“在画面构图时，要力求宾主显明，疏密错落，前后贯穿，还要注意全局的严整、疏朗、新颖、活气，要极力避免冲塞、烦琐、板实、重叠、对称、均匀、松散、空薄”[2]。

构图方法有两个主要途径。一是“寻根”，就是要深入生活面对实物景象，观察拾取需要的景物，从中寻找构图规律，发现构图的新形式。我们要不断地认识生活，从生活中发现更具生命力和创造性的构图，从而避免落入陈旧俗套。例如，清代画家石涛说“搜尽奇峰打草稿”。二是“溯源”，即学习和借鉴古人或者现代优秀的构图形式与方法，通过临摹历代名家巨作，从中了解和熟悉一些成熟的构图方法和规律，学习借鉴并多练习画些小构图。通过不断实践，在生活中去发现美、描绘美，就能出陈入新，掌握好构图的规律，从而不断创造出新的构图。

构图是一门艺术科学，充分体现了矛盾对立再到和谐统一的规律。懂得了这一构图规律并经过实践验证，我们就能有效地创造出更新颖、更有个性的构图样式。矛盾对立的规律是客观存在的，中华传统文化中的“太极”理论正是对矛盾对立又和谐统一这一科学规律的诠释。

构图有可以遵循的普遍性准则。这些普遍性准则在古代就被发现并运用至今。例如，宾主呼应；虚实相生；开合起结；纵横曲直；疏密松紧；以齐求正。

四、“创作”：画家综合素质的实践及考察

创作一幅优秀的画作，画家需要具备纯熟的绘画技巧，以及扎实的临摹与写生功底。同时，画家多年来在各个方面修养和积累也是不可或缺的。这些要素共同作用，才能在创作中产生具有深厚思想内涵的作品[3]。

写意花鸟画的创作中，画家常常通过抒发个人情感来表达对物象的感受。情感的真切与景物的感触相结合，能够激发出创作的欲望。以景抒情，良好的心境能够在画面上得以体现。例如，美协的李润老师曾创作过一幅写意国画，画中简单描绘了一枝梅花，却传达出梅花枝干的铮铮傲骨与洁白无瑕的花朵。画面展现了清净纯洁又散发着生机勃勃的生命力。李润老师提到，这枝梅花的灵感来源于一次采风经历：在东明村，尽管梅花尚未开放，他却在偶然间遇到两个当地小女孩，她们从小路走过来，其中一个手里还拿着今年开出的第一枝梅花。这个瞬间触动了画家，让他想起了南北朝诗人陆凯的一句诗“江南无所有，聊赠一枝梅”，并迅速拿笔将这梅花画了下来，成了他的一幅佳作。

著名画家黄宾虹的经历同样值得一提。在游览青城山时，他无意间发现傍晚时分的青城山与白天截然不同。柔光下朦胧的青城山更适合入画。柔和的光线让山体显得厚重而雄伟，意境深远。受此启发，黄宾虹在之后的创作中开始运用浓黑重墨，画面显得丰厚润泽，墨色沉稳意境深远。

_{tON6rMLzW6YngjqmaUpueekMgB5FLFlseOBkxcw7Voo=}在写意花鸟画的创作中，对材料和工具要求极高。首先是纸张。写意画通常使用生宣纸，著名画家潘天寿为了追求更高的表现效果，多次前往徽州泾县宣纸厂订购专门的宣纸，以适应自己的创作风格。好的写意画宣纸必须具备以下几个条件：其一，它需要均匀吸收水墨，使得墨色不会过快晕化，以达到“水走墨留”的效果；其二，纸张要能经得起反复的皴擦，稻草和檀皮的配料必须适当，以确保墨色不发灰；其三，纸张应光洁、温润、平整且均匀，不能有破损，厚薄要符合要求。

其次是墨。当有了适合的纸张和好的构思就可以进入创作。用墨条慢慢地在砚台上研磨，这时可以让心静下来，构思画面，考虑如何下笔。写意画的用墨也很有讲究：其一，首选要有一定年代的墨条为上，明清时期出产的墨条最适宜，但一般很难获得，然后是20世纪60年代、70年代上海墨厂生产的油烟墨条。这些有年份的墨条经过陈放发生反应，使得里面的胶与墨煤充分融合，墨质紧密坚实如石，经久耐用；其二，墨色油黑发亮，层次丰富，墨条硬朗不含杂质，磨感温润细腻，气味芳香。

再次是笔。古人对于笔的要求是很高的：其一，笔锋有尖，好的毛笔要求毛料有锋颖，按照毛料的自然属性湿水后，笔毛就会自然拢合在一起，形成一个尖锥形状，毛笔能收尖有锋就说明这笔毛料好，做笔工夫也是好的，这样画线条就能得心应手，变化多端，更有精神；其二，锋毛要齐，要求湿水后笔头捏扁了笔锋尖处是平齐的形状，有残缺不平齐的不是好毛笔；其三，笔头要圆，笔头外形要饱满圆润，不能有凹陷残破，这样的笔用起来能使笔画饱满精神；其四，笔锋要健，健就是毛笔有一定腰力，笔毛的韧度好，能按得下，挺得起，这也是好毛料的特点，有好毛料，这笔就经久耐用。

最后是砚。画家对于砚台的要求自古以来就很高。古人对砚台的要求近乎苛刻，专业老师对砚有追求的，要求能下墨如风，发墨如油，墨色黑亮清透，就要使用端砚的老坑和好的坑仔及上等麻子砚，以及歙砚的眉子、金星以及水弦等。画画用砚以实用为主，不需要很花哨的雕刻装饰。

写意花鸟画在创作时可以多方尝试，运用不同的载体进行创作。比如，用皮纸进行创作。皮纸纸性半生半熟，有的甚至达到八九分熟。创作时最好使用手工纯料的纸，不要用机器代工的纸或加入其他填充料的纸。用皮纸画写意花鸟画难度很大，因其纸性特点使得笔墨画上去后墨色洇不开去，画一笔显一笔。如果这一笔的笔力稍逊，就会立刻显露出来，有了败笔，这个创作就不能算是一个成功的作品。在皮纸上完成创作，需要画家有很高的控笔能力，每一笔都要有出处，这样才能做到笔笔相生，笔断意连，首尾呼应，构成一幅完整的画作。

此外，可以在生绢上创作。生绢上作画是最难控制的。要在生绢上创作出好作品，需要对生绢的性质十分了解。因为绢是编织出来的，有织线纹路，而且是生的属性，笔墨画上去会立即快速地向四周洇散开来，洇渍形状很不规矩，笔墨效果很难控制。因此，画家要有心理准备，对水墨的走向和速度有个预估，否则一画下去就可能成了一片墨猪、渍成一片，无法补救。所以画者要心中有数，随机应变，用自身的修养成就一幅创作。例如，著名画家吴昌硕说：“小技拾人者则易，创造者则难。”

因此，艺术不是一成不变的，需要有创新。写意花鸟画的创作也要在继承传统的同时有所创新。正如石涛所说：“笔墨当随时代”。艺术的发展是艺术家成长时代的艺术思想的感召，艺术家要站立在时代之峰，引领时代潮流。在这个百花齐放、艺坛精彩纷呈的时代，各种流派的艺术各领风骚。写意花鸟画的创作要在继承传统的基础上进行创新，不能随波逐流，脱离传统做无根之萍的创新。例如，齐白石就在继承传统的基础上进行创新。他在画荷花时，大胆地运用中国传统文化的内涵进行创新，用黑色的水墨大笔意写出荷叶，再以单纯红颜色画上荷花，创造出一幅黑叶红花的写意国画。我们要“博览众彩”多方面吸取营养，取其他艺术的精华进行写意花鸟画的创新，以时代精神为引领，不负时代的召唤，创作出更好的写意花鸟画。

参考文献：

[1]孙其峰.孙其峰讲书画速写默写小构图[M].天津：天津古籍出版社，2020.

[2]郭怡，邵昌弟.郭味蕖花鸟画技法[M].北京：人民美术出版社，1993.

[3]于光华.放纵理性写意花鸟画教学讲座[M].石家庄：河北美术出版社，2002.

作者简介：黄秋平（1970-），男，广东潮州人，潮州市文化馆副馆长，群文副研究馆员，从事群文研究、书画艺术研究。