在历史与创新的交汇点探索视觉艺术

今年，我有幸参加了阿尔勒国际摄影节，这是一个非常特别的活动。在这里，摄影与历史和创新完美结合。作为一个商业摄影师和喜欢尝试新事物的艺术家，我从展出的许多方面获得了灵感，包括古老的印刷技术到现代探索摄影与其他艺术形式的融合。

阿尔勒是一个让摄影以独特方式生动起来的地方。我看到了艺术家们使用传统的印刷技术，还有一些人将摄影与拼贴画和绘画结合起来。我遇到了世界著名的摄影师和一些来自玛格南图片社的朋友，他们中有些人拥有超过六十年的拍摄经验，对摄影历史有着深远的影响，这真是令人兴奋。他们中的许多人提到了传统摄影的“消亡”，因为当今摄影正在发生巨大变化，扩展到各个领域，并逐渐偏离了其最初的价值。

阿尔勒最吸引人的部分是展览的地点：旧工厂、废弃的教堂、19世纪和20世纪的客厅。这些独特的环境与展出的摄影作品形成了强烈的对比，增强了作品的效果，并赋予它们新的生命。每张照片似乎都在呼吸着新的维度，吸引着观众的注意力并激发他们的好奇心。

在让我印象深刻的艺术家中，玛丽·艾伦·马克（MaryEllenMark）以其简单而深刻的情感叙事能力脱颖而出，展示了摄影在不加修饰的情况下捕捉人类本质的真正力量。她的图像成功地传达了内心深处的情感，并以惊人的清晰度讲述了复杂的故事。

莫毅（MoYi）的作品，通过他在20世纪80年代和90年代的摄影，提供了一种独特的视角和概念性视野，至今仍然具有强烈的共鸣。他通过个人视角来表现现实的方式在欧洲观众中引起了极大的关注，展示了摄影超越时间并通过过去影响现在的内在能力。

一次特别难忘的相遇是与DodoVeneziano的见面，他是一位意大利暗房大师，擅长使用替代印刷技术。他对咖啡、茶和油等不寻常材料的热情和实验为传统摄影实践增添了一种有趣而令人惊讶的维度。Veneziano体现了传统与创新的结合，展示了古老的技术今天仍然可以成为灵感和艺术实验的源泉。

拼贴画和绘画叠加在摄影作品上的使用，是我觉得特别引人入胜的元素。尽管这些技术在19世纪已经存在，但20世纪摄影技术和图像真实性的压力过大。对我来说，重要的是完成的作品所传达的内容。看到越来越多的摄影师尝试不同的媒介令人着迷，并证明了创造力是没有限制的。

特别让我感动的一方面是一些艺术家在摄影作品上使用了绘画的技法，其中就包括了迭戈·莫雷诺（DiegoMoreno）。他的图像通过他的绘画变得更加引人入胜和情感丰富，传达出一种深度和强度，深深地吸引了我。这种摄影与视觉艺术的结合为展出的作品增添了新的情感层次。

阿尔勒国际摄影节不仅是欣赏全球艺术杰作的机会，也是我作为摄影师个人成长和反思的时刻。它促使我探索新的技术，并加深我对视觉艺术的理解，加强了我不仅捕捉图像，更要捕捉深刻情感和叙述的承诺。

PART1

动荡与纷争

相遇

在人文主义的影响下，美国纪实摄影师、故事讲述者以及肖像艺术家玛丽·艾伦·马克（MaryEllenMark，1940—2015）专注于那些有着不同背景、不同生活方式的人们。她不仅拍摄名人，也关注那些被社会遗忘或排斥的群体。

玛丽·艾伦·马克以她的热忱、同情心和坚持著称。她投入大量的时间和精力去接近她的拍摄对象，有时甚至连续多年拜访他们，与许多人建立了深厚的联系。她的创作通常始于《生活》《时尚》《滚石》《纽约客》和《名利场》等著名杂志的委托。随着时间的流逝，这些作品有时会成为独立的个人项目。

“我的目标是创作能够被普遍理解的照片……跨越文化障碍。我希望我的作品能体现出我们所有人共有的基础情感和体验。”她如此评价自己的工作。

玛丽·艾伦·马克的作品深深扎根于能够凸显她作品独特性的主题和激情之中。《相遇》汇集了她最具代表性的五个项目。这些项目聚焦于俄勒冈州立医院的病人、西雅图的流浪儿童、孟买的性工作者、特蕾莎修女救助所里的贫困与濒死者，以及印度旅行马戏团的家庭。除了她最知名的摄影作品，她的联系表、个人笔记和官方信函等珍稀档案材料首次向公众揭示了这些长期项目的起源和背后故事。

中心之旅

《中心之旅》系列借用了儒勒·凡尔纳的经典小说《地心游记》的氛围和结构，将穿越墨西哥的中美洲迁徙路线呈现为一次英雄而大胆的旅程。这可不是一场逃亡，而是一场充满勇气和冒险的旅程！想象一下，起点是墨西哥与危地马拉的南部边界塔帕丘拉，终点是加利福尼亚州的小镇费利西蒂。这个地方被称为“世界中心”，但当你看到边境围栏时，却感到一丝反乌托邦的失望。这就像是当代版本的英雄笑话的完美版画，最终目的地只不过是路边的旅游景点。

这场来自西班牙摄影师克里斯蒂娜·德·米德尔（CristinaDeMiddel）的个展还通过将直接纪实摄影与构建的图像和档案材料相结合的语言，让叙事变得多层次。这样一来，它就完成了媒体和官方报告对移民这一复杂现象所提供的简单化方法。

日常巴洛克

拉杰什·沃拉（RajeshVora）是一位摄影师，他对日常巴洛克风格（2014—2019）产生了浓厚的兴趣。这种风格主要体现在旁遮普腹地住宅屋顶上的日常雕塑，这些雕塑得到了第一批非居民印第安人（NRI）的赞助。早在20世纪70年代末，这些NRI就开始在自己的村庄建造房屋。从那时起，这种独特的现象就在野心和想象力中不断增长，成为村庄景观不可分割的一部分。

虽然大多数房屋在一年中都处于关闭状态，等待主人回来度过一年一度的假期，但这些色彩缤纷的物品提醒社会他们的奋斗、成就和繁荣。坦克、举重运动员、英雄、足球和足球运动员、莲花、动物、无处不在的马鲁蒂汽车，以及其中最重要的、从屋顶飞来的飞机，在宁静的风景中勾勒出引人注目的天际线。

沃拉对这些物体的迷恋变成了一种痴迷，他穿越了6000多千米，在旁遮普邦的四个地区来回穿梭，拍摄它们。这些往往与他们的个人历史交织在一起——长途业主。作为一种文化和社会学现象，这种独特的审美观在该地区的国内建筑中显得高大而独特。沃拉通过他的摄影作品，捕捉到了这一独特现象的魅力，让我们得以一窥这个充满生活气息和创意的世界。

贝鲁特乌托邦

“我记得战争期间的一天，母亲对我大喊，让我在炸弹下奔跑，不要回头。我从小就坚信灾难已经发生了，直到三十年后的那一天，我发现自己被一场可怕的爆炸逼着穿过被摧毁的城市的街道。”

《贝鲁特乌托邦》是一篇以传记形式呈现的视觉文章，通过七件作品批判性地审视了战后贝鲁特的残酷转变。这些作品涵盖了从2000年到2022年间的创作，展现了黎巴嫩正在经历的多维政治、金融和社会危机。

在视频《狙击手》（2000）中，特立独行者的观点与摄影师的观点混合在一起，展示了一场可怕的角色互换游戏。平行宇宙中令人难以置信的拼贴画（2006）质疑图像的真实性和暴力场面。在贝鲁特（2010—2019），乌托邦与现实融合在单幅图像中。

展览以《贝鲁特乌托邦》这个系列命名，谴责战后重建政策和城市身份的消除。在《我们承诺，我们交付》（2021）中，《幽灵小镇》是在新冠疫情大流行期间拍摄的，强调了时空参考点的丧失以及再现与现实之间界限的模糊感。

《从家里查看》（2020）系列由珍妮和莫罗（JeanneetMoreau）二人组创作，灵感来自立体视图。2020年8月4日爆炸前后，空间距离被时间断裂所取代。#crisisbillboard（2022）的巨大空广告牌是该国经济崩溃的无声见证者。这些作品揭示了暴力的持续存在，加剧了一种富有诗意的复原力愿景，掩盖了黎巴嫩当前崩溃的政治。

模范公民

德比·康沃尔（DebiCornwall）的摄影作品探讨了美国自我理念背后的虚构故事，并通过《必要虚构》展览展示了这些故事如何影响我们对权力、战争和公民身份的理解。她的作品主要在三个地点制作：美国边境巡逻学院的训练场景、唐纳德·特朗普的“拯救美国”集会以及历史博物馆。通过这些地点的图像，康沃尔揭示了军事文化中暴力行为的普遍性，并质疑了我们如何调和、证明或分散对这些行为的关注。她的作品不仅记录了现实，还引发了关于真相、表演和角色扮演在传达公民身份观念中的作用的思考。

德比·康沃尔的作品深刻地反映了美国社会中的权力运作、战争消费和规范化过程，并挑战了我们对这些问题的传统看法。

回声

在这个图像驱动的社会中，战争不可避免地成了图像之战。而《回声》的核心就是探讨战争再现问题。新闻摄影危机、数字革命和新发行渠道的激增使得这个问题变得更加复杂。一位年轻、自学成才的法国摄影师斯蒂芬·多克（StephenDock）2011年毅然决定前往叙利亚报道那里的战乱。在几次旅行中，他在阿勒颇废墟、扎维耶山、罗贾瓦东端等地创作了一系列作品。他拍摄了叙利亚抵抗战士、被毁坏的街道、不堪重负的医院、抗议运动和平民的悲惨日常生活。后来，他还前往约旦、伊拉克、黎巴嫩、莱斯博斯岛和马其顿，追踪冲突中心之外随之而来的人道主义和移民危机。

十多年后，摄影师对这份包含数千张照片的档案提出了质疑。与任何纪实处理不同，斯蒂芬·多克参与了对其图像的重新解释和重新利用的过程。他开发了新的形式，专注于感知。拉伸、脱光、剪裁，之前尽可能准确地捕捉事实的摄影师现在故意阻碍自己的作品。从喧闹到沉默，他不再直接参与主题。他不再痴迷于制作图像，而是将它们作为有机物进行剖析和操作。

密西西比的色彩景观

在探索密西西比河极其广阔的流域的色彩和景观方面，尼古拉斯·弗洛克（NicolasFloc'h）的《河流海洋》系列提供了一种独特的视角。这位艺术家不仅关注水面之上的景色，更深入地观察了水下的世界，通过摄影捕捉那些平常不为肉眼所见的细微色彩变化。

弗洛克相信，水的颜色能够讲述关于生命、矿物质、土壤、空间和气候的故事。他的摄影作品将单色调与山水画的元素相结合，创造出一种既动态又自由的色彩表达方式，这种方式不是通过传统的自然元素如岩石或山脉来表现的，而是完全依赖于颜色和光的变化。

在他的《河流海洋》系列中，特别关注了从密西西比河流到罗纳河，再到卢瓦尔河和塞纳河的不同水域。

2022年，他在美国31个州拍摄了224个不同的河流，每张作品都是一系列根据深度垂直排列的全景水下照片。这些照片不仅展示了水下的色彩多样性，还揭示了这些微妙差异在塑造和改变地貌方面的重要性。

除了水下摄影，弗洛克还采用了黑白系列来记录水域之间的陆地空间，这为他的摄影调查增添了另一个维度。这项调查是对可见和不可见的水、大气、植被、农业以及干旱地区的一次全面探索。

在阿尔勒摄影节上，精选了《河流海洋》系列作品，以224条河流中的十几个为基础，让观众沉浸在美国的风景、水循环和色彩景观中。通过这种方式，弗洛克的作品不仅展示了自然界的美，还强调了观察和保护我们周围环境的重要性。

PART2

表象与真实

海女

海女是日本最传统的潜水员，主要负责采集海底的海藻、贝类等海产品。这项技能需要极高的潜水技巧和强大的肺活量，因为她们不使用任何呼吸器具。海女文化在日本有着悠久的历史，可以追溯到公元前。

浦口楠一是一位专注于拍摄海女生活的摄影师。他用镜头记录了海女们的日常生活和工作，包括深海潜水、海岸附近的收获、肖像、海滩和甘名屋上的集体场景，以及与神道教的日常关系等。他的照片展现了海女们坚韧、自由、尊重自然的品质，同时也揭示了她们与环境和谐相处的生活方式。

浦口楠一的摄影作品以强度和表现力为标志，他善于捕捉海女们真正自发的手势，对比鲜明的黑白色调，去框架的构图方式，这些都使他的作品具有很高的艺术价值。他的档案馆里藏有数以万计的有关海女主题的照片，这些都是他生活和工作的见证。

此次展览是对这些照片的重新发现，它让我们有机会了解浦口楠一这位业余摄影师的工作，同时也让我们更深入地了解海女这一日本历史和文化的重要组成部分。

反思：日本摄影师们面对灾难

2011年3月11日，日本东北海岸和东北地区发生了里氏9级的大地震，这是有记录以来最强烈的地震之一。此次地震导致太平洋海底500多千米长、200多千米宽的范围破裂，并在某些地区引发了高达30米的海啸。这场海啸造成了严重的破坏，波及内陆5千米，摧毁了沿途的一切。随后，福岛第一核电站发生了包括四次爆炸和三起堆芯熔毁在内的灾难性事件。这导致了一场核事故，向空气、陆地和海洋释放了大量的放射性物质。十三年后，对受影响人口的真正影响仍然难以衡量。据报道，有19765人死亡，2553人失踪，均20000人流离失所。

为了应对这场前所未有的灾难，日本艺术家迅速行动起来，关注众多问题和情况。许多摄影师冒险前往灾难现场，多年来记录破坏和污染的持续影响以及重建和恢复过程。他们研究了日本的历史和当代社会结构，这些结构导致了受灾地区人民遭受的不平等和歧视问题。自《挑衅》以来，日本摄影界从未表现出如此坚韧的迹象，并在第二阶段显示出对普遍环境的抵抗。建立视觉记忆以考虑可见的事物——人类的消失和景观的崩溃或改变——变得势在必行。揭示不可见的反应及其持久的后果。

群展“反思–11/3/11”首次在阿尔勒展出，旨在吸引欧洲大陆关注这场造成巨大社会和环境影响的悲剧。

汉尼拔花园

汉尼拔花园不仅是一个美丽和独特的温室，它还是一个科学研究的实验室，专注于研究高山植物群落和气候变化对它们的影响。这个花园位于海拔2100米的地方，面对着梅杰冰川，是欧洲最高的花园，拥有来自世界各地不同高山环境的植物。

花园内的植物根据大陆分类，包括阿尔卑斯山、落基山脉、高加索山脉、喜马拉雅山脉、安第斯山脉以及日本、北极、巴塔哥尼亚和非洲的高山植物。这些植物在恶劣的环境中生存，为研究人员提供了宝贵的数据，帮助他们了解这些物种如何适应并抵抗气候变化。

汉尼拔的故事在这里被讲述，作为对过去和未来的一种反思。汉尼拔的旅程象征着对抗强大力量的斗争，而这个“实验室花园”则被视为当代世界面对气候变化挑战的一个抵抗堡垒。

自19世纪以来，学生和科学家们一直在分析这座山庄的生物多样性，致力于维护和理解在这种极端环境中生存的植物。种子交换的传统已经持续了200年，这不仅丰富了洛塔雷花园，还帮助了世界各地的其他花园，以保存我们对物种和进化的记忆。

“飞行高山牧场”实验是一个重要的研究项目，旨在通过直升机将高山牧场移植到下游地区，研究温度差异及其对植物的气候影响。这项实验预计将在2025年完成，届时研究人员将能够预测阿尔卑斯山乃至全球其他高山地区的新景观。

万物之主

前奥运会运动员米歇尔·梅丁格（MichelMedinger）如今是卢森堡最重要的摄影师之一。他的作品显然深受多种艺术流派的影响，尤其是荷兰黄金时代的绘画、超现实主义和达达主义。这些影响在他的摄影作品中以独特的方式融合体现，展现出他对传统和现代艺术的深刻理解与创新运用。在过去的四十年里，静物画一直受到这位伟大的摄影技术探索者的痴迷，他在自己的工作室中冲洗了所有照片，并尝试了从克罗姆放相（Cibachrome）到宝丽来转印等多种工艺。

每一张照片都是精心设计的舞台，由他在家里年复一年积累的精美而奇特的物品组成。他的抽屉里装满了旧工具、鸟类骨架、褪色的花朵、小而无用的物品。他想象中的物体奇怪且不协调的关联创造了令人惊讶的、有时令人不安的图像，其中幻想和死亡不断共存。

PART3

痕迹：光的记忆

美丽之终

在这个项目中，苏菲·卡尔（SophieCalle）将一些受霉菌孢子损坏的作品和其他个人物品埋藏起来，让它们继续分解。项目的灵感来源于艺术家罗兰·托波尔（RolandTopor）的想法，他曾经埋掉一件无法让自己放弃或丢弃的旧毛衣。苏菲·卡尔选择在阿尔勒的隐门廊进行这个仪式，因为这个地方在国际摄影大赛期间曾经发生过类似的情况，潮湿和真菌不知不觉地侵袭了展出的照片，且占了上风。她认为这个场地非常适合举办这样的仪式，因为在图像保护方面发挥着重要作用的城市，却发生了这样的事情，具有讽刺意味。

苏菲·卡尔注意到潮湿和真菌侵袭了精心挑选的作品，除了《盲人》系列之外，只影响了她那些谈论死亡或灭亡的作品，仿佛失去了免疫力。她决定将这些作品和一些不再有任何用途的个人物品一起埋藏起来，给予它们第二次死亡。这个项目旨在唤起人们对毕加索逝世周年的记忆，并思考生命、死亡和分解的主题。

遗物

《遗物》在摄影中歌颂不完美、伤疤与衰老，并通过艺术家石内都母亲的遗物、广岛核爆炸的遗物，以及墨西哥著名女艺术家弗里达·卡罗（FridaKahlo）的遗物，邀请观众重新审视女性特质及身份。

“所有物质的事物终将消逝。当生命离开人体，它就无法继续存在于这个世界。尽管这是不争的事实，但有时我发现自己难以接受。我母亲的去世就是一个例子，尽管父母先于子女离世是自然规律。

她的身体已经无处可寻。她留下的那些曾经属于她的物件，在没有主人的情况下变得无用。然而，在我处理这些遗物之前，我决定给它们拍照。

我和母亲的关系并不融洽，但在她生前还算和平。不过，当我开始拍摄她的遗物时，我感觉我们之间的距离似乎缩短了。每一个与母亲有过直接接触的物品都仿佛是她肌肤的一部分，我开始间接地感受到她身体的某些部分。

我记录下那些无依无靠的衬衣、无人佩戴的假牙、未曾涂抹的口红，以及空洞的鞋子所传达的哀伤。我从未刻意去想象过母亲的身体，但现在通过摄影，我开始细致地探索它。摄影是一种测量自己与被摄对象之间距离的方式，它能揭示隐藏在表面之下的事物。我在尝试捕捉那些超出肉眼可见范围的图像时，会仔细瞄准相机，尽可能少地按下快门。有时，可能什么也捕捉不到。我将底片放入放大机中，通过光的作用将负像转印到纸上，并在显影剂中显现出正像。在图像显现之前的等待是至关重要的，这段时间里，照片在沉思中逐渐成形。

母亲已经去世24年了。遗憾的是，《母亲》系列的照片永远无法回溯到过去，因为每次展示它们都会赋予它们新的生命。

如今，在阿尔勒这个新的地方，新的氛围和新的空间中，母亲的记忆，以及广岛和弗里达的影像，都被从过去带到了现在，重新焕发生机。”

过去时

瓦桑塔·尤加南坦（VasanthaYogananthan）是一位艺术家，他自2020年以来一直在探索普罗旺斯地区，通过他的镜头捕捉那里的风景和人物。《时间框架》作为他的长期项目“图像想象”的第一章，意味着他对普罗旺斯进行视觉探索的开始。

照片中描述的场景充满了诗意和隐喻，通过一系列生动的画面描绘了普罗旺斯的自然风光、建筑特色以及居住在那里的人们。女士拿着含羞草的形象、柔和的街道颜色、冬天开花的植物、翻页的声音、风和陌生人的进入、发光的背影中的女子、移动的山脉般的书籍、散发不同颜色的房间、雾气中的群山、抚摸头发的手，以及名为“F.”的女人的出现，都构建了一个关于时间、记忆和旅程的叙事。

这些描述代表了艺术家对于时间流逝、记忆保持和人生旅途的思考。每个细节都可能象征着时间的某个方面，如含羞草代表季节的更迭、翻页声代表时间的流逝、房间的颜色代表过去的时光等。同时，这段文字也可能在引导观者去思考每个人与时间、记忆和地点的关系。

绿光

“绿光”是由艺术家穆斯塔法·艾泽鲁尔（MustaphaAzeroual）和策展人玛乔莲·莱维（MarjolaineLévy）共同创作的一个艺术项目，旨在探索并呈现眼睛无法直接捕捉到的光线和色彩。通过与水手和航海家的紧密合作，艾泽鲁尔记录了北冰洋、印度洋、太平洋和地中海等海域在日出和日落时的天空色彩，这是他之前从未探索过的领域。

从这些记录下来的图像中，艾泽鲁尔提取了最相关的颜色来创作抽象图像，并在双凸透镜支架上再现。这些图像不仅仅是视觉上的享受，它们还巧妙地批评了人类对自然环境的过度干预和影响。天空和海洋的颜色变化与我们在地球上的活动有着直接的联系，这些作品反映了环境退化的问题，以丰富、多样且敏感的色彩向观众传达了这一信息。

《绿光》展示了一种与传统不同的抽象艺术形式，这种形式与社会问题和议题相一致，为公众提供了一种亲密而敏感的光学体验。在当前的社会背景下，这种体验显得尤为重要和必要。通过这些作品，艾泽鲁尔不仅展示了光线和色彩的美感，还提醒我们关注和思考人类活动对自然环境的影响。

讲述一个故事

洛朗·蒙塔龙（LaurentMontaron）的电影、照片、物品和装置探讨了我们对世界的态度和理解如何随着图像和声音技术的历史而演变。

展览以再现考古学的形式扩展了这项研究。他质疑我们的信仰体系和对叙事的坚持，特别是在地中海沿岸古代哲学诞生地拍摄的一系列照片。这种对哲学真理的探索以引用和报道文本的形式独特地渗透到我们身上。矛盾的是，这些叙述是我们理性思维的起源。正如苏珊·桑塔格早在1983年在她的电视采访《讲故事》中指出的那样，叙事的概念指的是两个截然相反的定义：一方面，它在于报道事实，而另一方面，它意味着创造小说。如今，图像和叙事已变得无处不在。因为我们的信仰依附于我们认同的故事，所以各种叙述共存并取代了事实。

这次展览通过照片、物品和声音装置展开，邀请我们透视这种矛盾的叙事功能。它面对的是一种直接的声音体验，对故事的想法进行反思，质疑复杂的传播模式和形式。

洛朗·蒙塔龙的电影、照片、物品和装置非常有深度，它们让我们思考我们对世界的态度和理解是如何随着图像和声音技术的历史而变化的。它用一种考古学的方式扩展了这项研究。就像探险家一样，我们可以在这个展览中发掘出很多有趣的东西。

PART4

平行：新形式和新叙事

我很高兴你在这里——1950年至今的日本摄影师

“我很高兴你在这里”展览为日本摄影带来了一个令人兴奋的新视角，它对比、补充并挑战了历史先例和既定经典，令人震惊地扩展了我们对日本摄影史以及照片的理解。在过去的十年里，摄影界齐心协力填补其历史编纂中的关键空白。对女性作品的挖掘和恢复证明了自我再现和自我表达的解放本质，以及摄影作为艺术形式的重要性。

“我很高兴你在这里”以20世纪50年代至今的作品为重点，呈现了来自不同时代的超过25名艺术家的作品，包括川内伦子（RinkoKawauchi）、长岛有里枝（YurieNagashima）、杉浦邦惠（KuniéSugiura）、潮田登久子（TokukoUshioda）、山沢荣子（EikoYamazawa）等摄影家，其中许多人因其重要贡献而受到认可，而另一些人则在没有实质性内容的情况下发展出独特而重要的实践，并获得了公众的认可。这本历史与当代作品集将三大主题编织在一起：对日常生活的深刻而细腻的观察；对日本社会的批判性观点，特别是对日本女性所扮演的角色（并且经常被重新解释）；对摄影形式的实验和扩展。

我在我的风景里

作为一名自学成才的摄影师，莫毅在街头拍摄的照片因其捕捉20世纪下半叶中国不断变化的社会结构的活力和忧郁而具有标志性。在他多产的职业生涯中，他不断挑战摄影凝视的观念，经常将相机放在脖子后面或固定在一根棍子上进行拍摄，使他能够在行走时在地面上进行拍摄。这些漫游的街头实验挑战了纪实传统、严格的技术精度和创作理念，赋予了图像创作者及其媒介另类的潜力。展览将呈现《1m——我身后的风景》（1988）、《颠簸的公共汽车》（1989）、《公共汽车外的风景》（1995）等标志性系列的黑白和彩色照片，以及众多自拍照（1987—2003），肯定了它们在国家和全球摄影史和中国实验艺术中的先见之明、形式和概念性质。首次展出的精选档案材料，如手工制作的相册、拼贴画和原始接触纸，将补充摄影装置，帮助观者更深刻地理解他的艺术过程。

以名之名——涂鸦的感性表面

涂鸦，一种与真实世界的不稳定元素共同流转的艺术形式。在绝对的牺牲中，它既是感觉的表达、态度的显现，也是行为方式的一种。它已经脱离了传统美学的束缚。

从美学的视角来看，涂鸦勾勒出边缘化群体的精神和肉体状态，是对远古时期与童年暗影的直接书写。自1970年起，当游民和早期艺术家用标志装饰纽约陈旧的银灰色地铁系统时开始，涂鸦便成了一种充满活力的书写形式，它借助尖锐的视角切割开风景，如同铁轨般穿透。

涂鸦是不平衡之美的体现，它的源泉来自建筑的直立，其角落和裂缝，其尘垢，其死胡同。这种破坏行为实则是对被忽略表面的深情关注。它具有一种浪漫色彩：涂鸦能够消磨岁月。它是一幅兼具急迫与耐心的画作，需要等待才能迎来迅猛的一击。涂鸦是不透光的绘画，构成了社群的语言。它涉及选定的身份、风格、不稳定的过程、绘画、色彩以及谦卑、脚踏实地的混合。

在绘画是断层线的同时，涂鸦则成为一种衍生物。它既是一种抗议的语言，也是一种控制的过程：充满毒性的男性书写。人类天生就有标记的冲动，尽管签名代表了真实性，但匿名却创造了自画像，而涂鸦最终消失，只留下痕迹和伤痕，窃取了亨利·米肖的疾病。超可见性与难以言述、缺席、信仰和抱怨相结合——因此，摄影媒介将涂鸦从模拟时代的秘密转变为数字算法时代的元素，因为涂鸦同样是敏感表面上图像和神话的网络。“以名之名”集结了40位国际艺术家，连接了无序的景象，展示了混乱的意象。纪实、气氛、动作摄影、私密档案、焚毁、被遗忘的记忆、图画、警察摄影：展览在涂鸦的底片中延伸出一种思想，被视为对城市和生活动荡的启示。

吸血鬼不怕镜子

吸血鬼不怕镜子，这一概念在卡利的吸血鬼主义和热带哥特文化中得到了独特的演绎。该文化运动由卡利集团（ElGrupodeCali）推动，这是一个活跃于20世纪70年代至80年代哥伦比亚卡利的富有创造力的团体。他们以非传统的视角审视社会和城市结构，尤其是在边缘化的背景下。

“卡利集”最初由作家安德烈斯·凯塞多、电影制片人路易斯·奥斯皮纳和卡洛斯·马约洛发起，他们通过电影聚集了巨大的反文化动力，尤其是批判性纪录片《阿加兰多普韦布洛》。这个团体后来扩展到更广泛的年轻艺术家网络，这些艺术家在同一时期接受了丰富的培训和经验。

首次一起展出他们的作品，以独特的方式对待这个更广泛的创意想象，这是拉丁美洲20世纪最后四分之一时期最精致的驱动力之一。通过各种媒体的呈现，生成一幅他们的过程交织的图像——摄影是他们所有视觉语言的中心轴。

游客被卡利伍德的神话所吸引，在年轻的下一代的心目中，这种观念受到有关吸血鬼主义、哥特式和恐怖的观念的推动，这些观念在暴力的热带环境中上演。吸血鬼主义是一种群体互动模式，其中每个人都是能量的源泉和吸盘。热带哥特——一种黑暗、怀疑、愤世嫉俗，甚至可怕的生活视角，源自这些艺术家对保守的省级城市卡利和哥伦比亚更广泛的冲突社会和文化结构的破坏性分析。

此外，该项目将这一文化运动与三位年轻的哥伦比亚当代艺术家联系起来，他们的作品与20世纪末的前卫力量息息相关。

天堂与地狱

家是我们的第一个宇宙，在这个宇宙中，我们的想象力可以创造令人欣慰的幻想，并在它们崩溃时重新建立防御，重建基础和桥梁，使我们的内心不断成长。《天堂与地狱》是所有为我们提供庇护的房屋以及我们想象中的住所碎片的集合。它们破碎的墙壁揭示了改变现实的故事。这个空间内的物体就像是承载记忆的身体部位。

自我建设包括追随榜样，这赋予我们成长的力量。身份从来都不是确定的：它是一个始终在暂时的、波动的情况之间保持平衡的过程。

每个拍摄的角色的灵感都来自真实或虚构的女性英雄。从流行文化到体育再到神话，以及大银幕和小银幕上的女演员，这些女英雄支撑并帮助我们创造了自己。每个基座人物都通过与具有象征价值的物体共存来支持自己的寓言，其本质将身体和情感的重要性带入对话中。现在，一束鲜花可能比一堆堆放的家具更重。

通过摄影、表演和内省，胡忠华（NhuChungHua）和维马拉·庞斯（VimalaPons）强调了身体——动作/女性——身体之间的联系，以及将自己视为主体而非客体的观念。艺术家们提供了一场混合展览，生活经验占据了整个空间，仿佛找到了一个新的庇护所来进行建造。多重同时叙述的层次引发了一种永恒运动中的诗意眩晕：无论是在自己的外部还是内部，不平衡代表着现实对形象的影响。

PART5

重读：重温摄影

当图像学会说话

这些数字是确凿无疑的：在过去的30年里，约100名摄影师为A基金会（由AstridUllensdeSchootenWhettnall创立）收集了约5500张照片。然而，基金会的目标并非仅仅是收集展品，而是更深入地关注这些照片所体现的视觉方式、思考方式以及对世界的态度。实际上，这个收藏被视为一种文化调解的手段，旨在推动摄影艺术的发展以及我们观察和理解世界的能力。

基金会的收藏之沉稳，也揭示了另一个重要的事实：尽管它认识到单张照片可能具有美丽甚至令人赞叹的特质，但它也明白，单张照片对世界的描述能力是有限的。只有通过精确的、结构化的、概念性的方法，照片才能创造出一种所有人都能阅读、理解和交流的视觉语言。因此，该基金会的收藏向我们展示了一代概念纪实摄影师的作品，他们的结构方法为我们提供了对世界、自然和社会以及人类个体和其他生物的生活的重要见解。自20世纪60年代初以来，单张照片很快就显得过时了。现在的要求是“说话”，形成句子：创建一个区块、一个网络、一个网格、一朵云、多个图形或代表性元素的叙述，一方面更贴切地反映现实的复杂性，另一方面促进了对图像本身以及潜在现实的理解。

也许观念纪实摄影师是坚持这一古老主张的最后一代摄影师。因为我们不是每天都更加意识到如何把握虚空，徒劳地寻求理解，无法再通过我们的感官来把握和理解空间。A基金会正在努力成为视觉文化的一座令人印象深刻的纪念碑，而视觉文化仍然依赖于可见的东西。

聚焦运动：奥林匹克博物馆和爱丽舍宫的藏品

一个多世纪以来，重大体育赛事一直伴随着图像。随着19世纪末业余摄影的兴起，恰逢1896年第一届现代奥运会，摄影和体育在许多方面共同发展。体育赛事的可见性必然需要摄影图像。为了追求表演，将努力和手势技巧融为一体，体育运动是按照精确的规则进行的，并且当以竞争为目的时，体育运动被视为一种奇观。体育赛事的表演由占据体育场周围位置的摄影师转播。传播英雄事迹和宣传冠军的图像吸引了越来越多、越来越全球化的观众。摄像机所关注的体育表现成为社交模式的展示。到处看、到处玩，从工业化程度最高的地区到全球最偏远的地区，竞技体育被推进到一个媒体、经济和政治的世界。摄影无疑在这个过程中发挥了重要作用，动员了广大观众。

“聚焦体育”展览揭示了洛桑奥林匹克博物馆和爱丽舍宫珍藏的众多摄影作品。这些照片在重大比赛期间捕捉了运动员的精彩瞬间，吸引了人们对他们表现的关注。通过探索大量未出版的摄影遗产，该展览为我们提供了一种叙事，深入阐述了体育摄影，尤其是奥运会的相关情况。

铁路餐饮小史

铁路餐饮的历史可追溯到车站的自助餐服务，但早在19世纪60年代，美国就已经在火车上提供餐饮服务，这一做法随后在全球传播开来。在欧洲，CompagnieInternationaledesWagons-lits公司成为该领域的开拓者。该公司的餐车不仅成为铁路相关图像和想象的中心，更是将美食、餐桌艺术、精致服务以及内部装潢融为一体，奠定了铁路奢华的基础，其鼎盛时期于两次世界大战之间。

到了20世纪50年代，随着新配方的出现和众多创新的引入，传统车上餐饮方式面临挑战：自助餐车、手推车服务和餐盘应运而生，以适应乘客饮食习惯的变化。70年代则见证了一个重大变革，受航空公司模式及其代表的现代性影响，列车内的餐饮服务开始逐渐改变。从许多方面来看，火车上的用餐实际上代表了一场运动革命！

本次展览的照片和档案来自前国际货车公司和SNCF集团服务档案馆的珍藏。这些图像介于工业摄影与广告摄影之间，主要目的是通过展示不断的新奇来体现现代性。显然，这些公司向我们展示了他们希望我们看到的东西：一个充满虚构理想、整洁的铁路世界的现实画面。然而，它们也揭示了创新与工作的历史，以及美学、文化和设计的历史。这些照片不仅反映了持续的创新过程，还记录了它们所处的时代。此外，它们塑造了不同的时代，同时也见证了时代的变迁。

时尚军团

《时尚军团》展示的图像集是从最近解密的档案中提取的，覆盖了20世纪60年代末到90年代初的时期。这个档案包含了14134张来自美国陆军研发单位纳蒂克士兵系统中心的底片扫描件。尽管这个档案的来源已经被确认，但其具体用途仍然是一个谜，没有任何迹象显示它的流通路径。剩下的就是对其可能的目的进行假设：这可能是供仍在运行的军事单位内部使用的摄影集，已知这些单位负责测试士兵制服和装备的原型。当被问及其目的时，美国陆军无法回应并投入资源来回答我们的问题，始终保持冷漠态度。

由于科学或历史方法不够精确，因此此处呈现的图像选择基于视觉标准。这一选择被理解为一种可能性，借鉴了工作室或户外肖像和打包照片的主观联想。凭借其时尚、受控的构图和色彩缤纷的背景，这些图像似乎是拟像的一部分，力求一种提出问题的客观性和军事前景。模特们姿势拘谨，笑容紧张，尴尬而又陌生的表情在呼唤着我们。这个图像目录还揭示了军事研究与其在时尚领域的民用之间的关系。从风衣到雷朋眼镜，从卡其裤面料到迷彩图案，军事风格已经深入到时装秀和街头服饰中。

新农民

我们看到的照片和20世纪的农业公司宣传资料似乎都表明绿色革命取得了巨大成功：新品种的高产玉米与传统农业的低收成形成鲜明对比，农民们满意地坐在为他们完成所有艰苦工作的新机器上，周围看不到任何杂草。这些看似直观的结果让所有人都认为绿色革命取得了圆满成功。然而，这是否就是全部真相呢？

《新农民》纪实照片集似乎再次确认了绿色革命的成功故事：通过基因操作创造的新作物品种带来了更大更好的收成。然而，随着故事的展开，事情开始出现了裂痕。这些图像逐渐变得让人难以置信，直到最后显得荒谬。原来，这些并非真实的历史照片，而是人工智能生成的图像。而这个故事，虽然与真实事件有些相似，但也同样是虚构的：这个版本的故事并没有以今天我们看到的大片单一作物田地作为结束，反而描绘了一幅生长着超大蔬菜的奇异景象。

《新农民》以荒诞和幽默的方式探讨了历史的构建和我们如何通过图像感知世界，同时对绿色革命的主流叙述提出了质疑。该项目反映了我们与自然的剥削关系，并促使观众批判性地审视我们在生物圈中的位置以及我们行为的连锁反应。

PART6

涌现：发现奖

电子遗产

弗朗索瓦·贝拉巴斯（FrançoisBellabas）的项目“电子遗产”展示了人工智能如何通过不同时代的工具按谱系进行研究。在这个项目中，图像被视为数据，成为人类在真实空间和虚拟空间之间无缝移动的关键。展览的主题是“火”。

2016年，艺术家花了几周时间在加利福尼亚州拍摄森林大火。他在路上捕捉到这个神秘火焰中的美国景象，包括翻腾的天空、干旱的风景和住宅郊区。这些照片中的灯光强烈而超自然，甚至有些世界末日的感觉。

2018年，随着机器学习的发展，艺术家贝拉巴斯决定将他拍摄的前5000张照片提交给第一代人工智能（GAN：生成式对抗网络）。这些照片经常描绘火灾场景，但并非总是如此。机器识别出这个主题后，开始影响整个图像序列。图像与机器发生碰撞，产生了故障和其他扭曲。这组乡土图像的美学现在已经被编纂并过时，但它仍然是记忆、存储和编译关系的表现，这种关系很大程度上已被技术工具改变了。

2023年，随着ChatGPT、Dall-E和Mid-Journey等新一代技术的兴起，艺术家考虑了关于这些新技术的混合数据库。他将我们带入一个身临其境的装置中，其中燃烧的风景反映了一个反乌托邦盛行的可玩世界。

稀薄的空气

通过“稀薄的空气”项目，杰米尔·巴杜尔·格克切尔（CemilBaturGökçeer）创建了一份灾难的感官档案。他不仅记录了受灾的建筑、自然灾害和动荡时刻的场景，还深入到这些情况的内部，用个人经验来面对和处理灾难这个概念。这位艺术家甚至自愿搬到受自然灾害影响的地区，他在那里拍摄的照片充满了大气的氛围，目的不是为了单纯地记录事件，而是为了唤起一种超越感——薄雾、岩石中的断层或空洞是他作品中反复出现的主题。

在这个项目中，他决定让机会和偶然性介入他的创作过程。他采用了一种新的方法来面对难以言说的情境：照片是通过三次曝光随机实现的，每卷胶片都会重新曝光两次。当不同元素叠加在一起时，就会产生出令人怀疑的影像，使得解读变得更加复杂。

艺术家将这一过程比作咖啡研磨阅读的仪式。换句话说，他探索了一种互动形式，这种形式在阅读和解释基本问题的方式上开辟了新的突破口。这种实验性行为成了一个变革性的治愈过程。标题描述的稀薄气流象征着无法窒息的生命气息。

扬起尘埃

在科琳·乔丹（ColineJourdan）的摄影项目“Souleverlapoussière”（意为“扬起尘埃”）中，她试图捕捉和记录那些我们肉眼无法直接看到的环境污染。这个项目聚焦于法国奥德省奥尔比尔山谷中的萨尔西涅（Salsigne）地区，这里曾是金砷矿的所在地。该矿在20世纪是当地经济的支柱，但在2004年关闭后，留下了散布在自然环境中的有害废物。

为了揭示这片土地所隐藏的环境危机，乔丹采用了多种摄影手法，包括纪实、实验性以及科学摄影，并结合了档案资料。她记录了科学家在采样过程中的动作和使用的工具，这些科学家陪伴她走过了这些受污染的地区。在黑色的背景前，她拍摄了含有砷的岩石，这些岩石的照片让人联想到自然历史博物馆中的藏品。通过使用附近河流的河水来冲洗照片，乔丹似乎能更清晰地展示这些不可见的污染后遗症。

随着项目的扩展，加入了新的元素，包括肖像、静物和风景摄影。乔丹成为众多记录的守护者，记录下了那些不得不重新思考自己在这片土地上生活方式的人们，以及他们为环境所做的努力。她的摄影作品揭示了一个令人不安的真相：花园，乃至整个外部世界，已经不知不觉地变成了一种威胁。

相信某事永远不会发生

切皮索·马齐布科（TshepisoMazibuko）1995年出生于约翰内斯堡东南大约30千米处的小镇托科扎（Thokoza）。她在这里生活和工作，这些背景信息对她的项目至关重要，该项目名为“Hotshepantshepediyabontshepe”。这是一句塞索托谚语，翻译过来的意思是“相信某事永远不会发生”。

马齐布科的作品深入探讨了生来自由的一代人的生活经历，特别是指种族隔离结束后出生的黑人一代。她提出疑问：除了三十年前提出的希望之外，“生来自由”在今天意味着什么？在一个城市规划中仍带有过去伤痕、严重不平等的社会里，人们如何能够感到自由？

通过拍摄托科扎镇年轻人的日常生活肖像，摄影师深入地了解了自己所在的社区。她采用一种内省的方式，绘制了一幅亲密的肖像画，其中既有挫折也有仁慈，暴力潜伏其中，面孔常常显得紧张，时而紧张，时而自豪，偶尔全神贯注，但很少显得轻松愉快。

艺术家唤起了她对生而自由观念的挫败感，她这一代人继承的创伤和责任，以及脆弱地区普遍存在的悲伤情绪。儿童、青少年和年轻人是这些图像中的主要人物，其中充满了裂缝、障碍和伤口。

马齐布科的图像仿佛被时间暂停了，就像在这幅被截断的肖像中，衣服上有指纹，有东西绊倒，但出现了一种抵抗形式。

太阳破碎了

摄影作品《太阳破碎了》在表现形式和制作工具上展现了一种充满无限幻觉的无声暴力。这种暴力既体现在用智能手机捕捉到的侵入性动作中（如《裂缝》），也体现在用砂纸制作的星空景观中（如《今天的星星看起来很不同》）。

在《裂缝》中，手掌挡住了记录动作的智能手机镜头，产生了一个发光的缺口。这个缺口仿佛是血液循环的象征，与卢西奥·丰塔纳的撕裂伤（空间概念）相似。丰塔纳在他的雕刻画布背面刻下了“期望（attesa）”，而马坦·米特沃赫的作品则让观众在凝视这个白炽的缺口时，感受到与屏幕上有限的玻璃发生碰撞的冲突。这两种情况下，图像都源于暴力行为，但丰塔纳历史性的解放姿态在这里被转化为一种阻碍行为。

在《今天的星星看起来很不同》中，阻碍机制也发挥了作用。这件作品是由两张粗糙程度不同的砂纸照片叠加而成的，模仿了无限空间景观。然而，这个景观只是一个诱饵，因为它质疑了科学图像的制造、我们对科学图像的期望，以及更广泛地质疑图像作为宣传手段的使用。

液态之爱

在数字时代，女性身体的各种社会学现象（摄像头女孩、爱情娃娃、女性影响者）引发了广泛的关注和讨论。玛丽露·庞辛（MarilouPoncin）正在进行一项关于用幻想作为媒介的演变的研究。她的作品《液体之爱充满了幽灵》灵感来源于思辨设计：通过小说，艺术家构想出看似合理的技术对象。与爱情娃娃不同，这些娃娃不是拟人化的，但个人可以与它们建立情感和感官关系。

该装置以三个肖像为中心，在未来展开时先发制人，每个人物都深陷孤独之中，即将经历一个准肉欲的时刻。尖端的技术对象包括一辆完美抛光的高科技轿车、一套由智能织物制成的感官套装和一个触感极佳的屏幕。皮肤在这个装置中起着核心作用。构成皮肤的细胞已经让位于与肉体合而为一的皮肤替代品：准备被撕裂的黏性皮肤、准备触诊的振动皮肤以及皮肤与皮肤之间的接触。在这些流体和“流动混合的代理”的接触中，触感无处不在。

这个装置暗指了齐格蒙特·鲍曼的书《液态爱情》。这本书分析了社会中影响个人变化的因素，以及在这个不断担心被拒绝的社会中人与人之间纽带的消失。装置中的“姑息”物品既填补了空虚，又缓解了孤独的焦虑。在这个相当黑暗的宇宙中，相连物体发出的蓝色光芒是这种物理、肉体和合成关系的共同信号。

不安

《不安》是一部灵感来源于瓦莱尔·诺瓦里纳（ValèreNovarina）同名戏剧的作品，通过艺术家南特内·特拉奥雷（NanténéTraoré）的视角，传达了一种深刻的不安感。在这幅作品中，窗户四敞八开，窗帘即将随风而去，门半掩着，仅能窥见模糊的身影。这一切元素共同营造出一种悬而未决的氛围，仿佛世界在这一刻静止了，喧嚣声变成遥远的背景噪声。

这种不安的感觉，像是根深蒂固的焦虑，反映了我们这个时代不断出现的危机和挑战。某些画面尤其强化了这种紧张感：一张烧焦的胶片冒着烟，一间医院的病房里床单还保留着温度，床头柜上整齐摆放着抗焦虑药物。然而，在这股潜在的动荡中，也有一些元素带来安慰：流行偶像那永恒不变的笑容、色彩鲜艳的花束、光环般的花环。

作品所表达的焦虑，首先是一种警觉状态。尽管画面中的手势和动作显得轻微，但它们足以让我们保持警醒，如手中紧握的咖啡和香烟，或是凝视远方的目光。即便在这些看似静止的“中间空间”里，几乎什么都没有发生，但那种轻触皮肤的空虚感却激发了我们的活力，让我们充满感觉和渴望，时刻保持警惕。

记忆中的命运

奥里萨邦频繁的环境灾难已将“家”这一概念转变为一种暂时和低劣的状态。这些灾害迫使孟加拉湾沿岸的边缘社区，尤其是奥迪亚农民和诺利亚社区的泰卢固语渔民，成为持续的气候移民。他们正在跨越州界、定居在康复殖民地、利用车辆或其他交通工具，以及借助移动电话、互联网和社交媒体等新通信技术进行迁移。

“记忆中的命运”是一项调查项目，旨在探究这些迁移行为的本质及其时间维度，并记录下沿海渔民和农民作为气候移民所留下的痕迹。这一系列光栅版画以阿迦·沙希德·阿里的诗歌为标题，描绘了从灾难现场到避难所、康复中心和其他临时居住及迁徙空间之间的不断往返，促使观众在图像之间来回移动以查看其清晰度。作品通过减少对压倒性的气候迁移故事的描述，并将特定灾难前后的图像并置在同一平面上，将其转化为一种独特的体验。

2023集美·阿尔勒发现奖：寺背

拉黑是一位在中国杭州生活和工作的艺术家，他的作品以探索现代性断裂和还乡为主题。他的家乡寺背位于江西省南部山区，一直是他创作的中心主题。自2007年以来，拉黑在寺背与城市之间游走，以寺背村为背景，探索土地、身份、迁徙和转型等维度。

拉黑创作了《走失》《走回故乡》《罗福平》系列等作品，并完成了《故乡三部曲》。对他来说，寺背类似于V.S.奈保尔所说的印度，“印度是一种痛苦，人们对它怀有极大的温柔，但总想分开。”拉黑的最XFaDWf35Be7/RpqqrXSBwneDkjEwcbVklR+iAzCkcZw=新作品《寺背》将他从《故乡三部曲》中个人与家乡错综复杂的二元性中解放出来，使他与土地、山脉和村民有着共同的命运，共同面对自然法则。

在制作这些图像的过程中，拉黑架起了一座连接寺背与形而上存在的桥梁。这种探索和重建使不可避免地衰落的寺背作为一个物体恢复到其本身的持久本质。他的创作是对寺背的致敬，也是对许多像寺背一样正在经历不可逆转消失的家乡的致敬。《寺背》超越了现代历史的忧郁叙事，它不再仅仅代表拉黑特有的地域故乡，而是演变成中国现代文明之下存在了数千年的永恒土地——一块与传统生活方式更加共鸣、属于每个个体的土地。

阿尔勒天文台

阿尔勒天文台是一个展示学生项目的平台，这些项目是作为阿尔勒国际摄影大赛的一部分而创作的。自2017年以来，这个研讨会由两位摄影教师小野正（TadashiOno）和吉尔·索西埃（GillesSaussier）主持，为国立高等摄影学院的一年级硕士生提供了探索阿尔勒地区多样性的机会。

在这个研讨会中，摄影被视为一种受关注、经验、调查和记录标准约束的实践。教授们不仅关注评估其对象或客观性（图像），还探索通过这种学习成为什么样的人，以及通过其动态，关注实践在我们和世界中开启了什么样的关系价值。

每个学生都结合了她收集的标志、表格和信息，或他的遭遇和问题，发表在社论出版物中。阿尔勒国立高等摄影学院（ENSPArles）在过去七年中出版的书籍构成了阿尔勒地区广泛的视觉记忆，远远超出了法国最大公社的历史和旅游中心。

参展摄影师：亚当·拜永（1999）、弗朗切斯科·卡诺瓦（1992）、安东尼奥·德尔·维奇奥（1997）、苏珊娜·德维多（1993）、达维德·费卡罗蒂（1997）、里法特·戈贝莱兹（1995）、阿利诺·拉贝斯-科托夫（2001）、莉拉·尼尔（2000）和瓦伦丁·鲁索（1996）。

PART7

不朽的摄影书

李·弗里德兰德

在阿尔勒的卢玛塔（LUMATower）呈现了“LeeFriedlanderFramedbyJoelCoen”展览，这一展览是美国摄影师与知名电影导演合作的成果。通过精选70幅照片及一部影片，展览回顾了李·弗里德兰德60年的艺术生涯。乔尔·科恩的挑选凸显了其独特的构图技巧，并展示了两位艺术家之间不可思议的联系：他们同样对图像的狡猾力量——碎片化的框架、误导性的组合、不连贯的视角、镜像效果着迷。展览中的版画如同真实的电影场景，呈现出奇异、无名、个人的小故事。

梅詹协会

梅詹协会的史蒂芬·杜鲁瓦，1948年出生于突尼斯的比塞大，并在法国巴黎生活和工作。他的照片作品向观众展示了一个破碎世界的沉默崩溃和诗意幻灭，这些作品中充满了缺席感的重量。40多年来，他在欧洲和美国之间穿梭，追踪那些塑造了20世纪悲剧的事件。

他最初在Sipa新闻社工作，但随着时间的推移，逐渐放弃了纪录片制作，转而致力于围绕英国、柏林、东欧和美国的四个主要项目构建他的工作体系，他是斯特凡·杜罗伊团队的一员。自1986年以来，他一直担任VU'机构的职务，他接受对我们时代的毫不妥协的审视，更倾向于沉思而非谴责。

2009年，杜罗伊开始对他的书《未知》（2007）进行篡改，添加了多层材料、剪报拼贴画、匿名照片、绘画和撕裂的元素。他为了重建而破坏。自俄乌冲突爆发以来，他每天都会创作一幅画作。

承诺

展览深入探讨了参与的复杂性，通过移民、全球化和身份危机的视角，艺术家们借助这些项目，坚定地发声，关注社会运动、反对警察暴力、质疑安全系统以及电子垃圾带来的人类与生态间的紧张关系。此外，展览也触及个人与社会的互动以及对日常生活意义的追求，揭示了我们内心的欲望、信念，以及最深层的恐惧。

不朽的建筑

“纪念碑”是由第七基金会发起的一个展览项目，旨在探索世界上两个最著名且具有象征意义的宗教建筑：耶路撒冷的圆顶清真寺和巴黎圣母院。由VII基金会特邀摄影师托马斯·范·胡特里夫（TomasvanHoutryve）和齐亚·加菲克（ZiyahGafić）记录了2019年至2023年间人们对这些标志性建筑的空前参观热潮。

圆顶清真寺，建成于691年，是现存最古老的伊斯兰建筑之一，已成为以色列、巴勒斯坦与伊斯兰世界之间的政治焦点，另一方面，自1260年建成以来，巴黎圣母院一直是进行重大政治宣言和展示人类神圣权威的舞台。这座大教堂在法国的文化和政治生活中扮演着重要角色，其影响远超信仰范畴，甚至超过了法国的其他任何建筑结构。

自由表达

让-克洛德·高特朗（Jean-ClaudeGautrand），一位杰出的法国摄影师，同时也是展览策划人、记者与摄影史学家，与雷图博物馆（MuséeRéattu）的深厚关系始于1970年，即阿尔勒国际摄影节创立之年。自1971年起，他开始在此处展出个人作品，并在过去50年间持续不懈地支持这一艺术盛事，同时收集并向该馆捐赠了宝贵的档案资料。2022年，他的妻子乔塞特·高特朗也加入了雷图博物馆的研究与文献中心。

此次展览具有双重意义：一方面展现了让-克洛德·高特朗作为摄影师的身份，展出他从1961年到2010年间拍摄的200余幅照片，这些作品不仅代表了雷图博物馆和阿尔勒摄影节的历史，更包含了乔塞特·高特朗重要的个人珍藏。另一方面，也致力于向克劳德·高特朗——阿尔勒摄影史上的重要见证者致敬。

他的作品系列，无论是《梅特洛波利斯》（Métalopolis）中的简洁图形、《巴尔塔德刺杀案》（L'AssassinatdeBaltard）中的强烈影像、《石头》（LeGalet）中的概念性探索，还是《我父亲的花园》（LeJardindemonpère）中的亲密绘画，无不证明了他作为摄影师的非凡才华与成就。

因此，雷图博物馆特意策划了这场艺术与历史的展览，以表达对阿尔勒市及阿尔勒会议的深切敬意，同时也向公众呈现了一次独特且诚意满满的致敬。

注视形式

阿尔弗雷德·拉图尔（AlfredLatour）以版画、插图书籍、绘画和素描而闻名，他还为里昂的一些顶级时装公司创作了纺织品。然而，摄影在他的创作过程中扮演了重要的角色。通过他独特的视角，他创作了一系列作品，这些作品在2016年被重新发现，并于2018年在雷图博物馆首次展出。

该展览由雷图博物馆与里昂的面料和装饰艺术团体（TissusetdesArtsDécoratifsdeLyon）和AlfredLatour基金会合作举办，旨在在阿尔弗雷德·拉图尔的摄影作品和他作为图案设计师的实践之间建立对话。这些作品用于纺织工业。在这里，我们看到了媒体之间的微妙交织：为时尚设计的印花图案源自照片，而拍摄的静物则激发了铅笔画的灵感，并产生了织物印花所需的复杂、重复的形状。

展览选择了四个主题将照片和纺织品作品结合在一起——自然与植物、线条与痕迹、黑白与色彩、几何与抽象——从而揭示了这位多变艺术家的设计天才。

瞄准：法式滚球和普罗旺斯游戏

汉斯·西尔维斯特，这位曾经的Rapho通讯社资深记者，是个永不停歇的旅行者。他的摄影作品深刻地记录了地球和人类的面貌，展现了物体的细腻、姿态的优雅以及灾难场面的壮美。

展览“直奔主题：汉斯·西尔维斯特镜头下的法式滚球和普罗旺斯运动”呈现了20世纪70年代对普罗旺斯滚球游戏的独到观察。西尔维斯特的方法在于耐心地与参与者建立联系，这一点在他的普罗旺斯研究中尤为明显。以精确掌握的黑白调为背景，西尔维斯特的影像不仅突出了球员的表现，还传递了无处不在的普罗旺斯戏剧张力。而观众——围绕着球员的“画廊”——也同样被赋予了重要的角色。

通过这些照片，他邀请我们一同深入观察那些全神贯注于游戏的男人、女人和孩子们。这不仅是游戏的展现，更是他对普罗旺斯60多年来经历、想象和描述的一个缩影。

三联画：阿尔勒古董博物馆

通过雨果·维特拉尼的展览，可以发现其他边缘探索者在摄影中的涂鸦表现。国家预防考古研究所（INRAP）和阿尔勒古董博物馆邀请了来自不同背景的领军人物参加一次独特的聚会，探讨几个世纪以来艺术中女性身体的表现。这些人物包括残疾人运动员和政治学家佩内尔·马尔孔（PernelleMarcon）、INRAP考古人类学家和残疾考古学专家瓦莱丽·德拉特（ValérieDelattre）以及视觉摄影师玛格丽特·博恩豪瑟（MargueriteBornhauser）。受这些对话的启发，玛格丽特·博恩豪瑟设计了一件描绘女性身体和残疾人身体的作品，结合了摄影、雕塑和装置，将在阿尔勒博物馆的古董藏品中展出。此次，博物馆将其藏品中的一件标志性作品——《阿尔勒的维纳斯》的石膏模型——替换为艺术家设计的放大的现代女性形象，使用在博物馆中找到的材料并与周围的作品相呼应。

穆尔文家族

“穆尔文家族”项目位于卡马格地区自然公园，这里是一个充满神秘与野性的地带。弗朗索瓦·加莱隆（FrançoiseGaleron）的研究重点便是这片他生活和工作的土地。通过深入体验乡村生活的日常，加莱隆试图探索的不仅是观察一个空间，更是在其中居住的意义。

加莱隆的目标是描绘出卡马格的生活肖像，超越其神话色彩。为此，他持续与地中海农舍的居民们交流，他们包括不同性别和年龄的渔民、饲养员和农民。探究他们的居住空间以及他们与时间的关联，这引发了对领土管理挑战的反思。他的这些问题受到了伯纳德·皮康（BernardPicon）著作《卡马格的空间和时间》的启发。

京都国际摄影节：超越

“超越”汇集了细仓真弓（MayumiHosokura）、岩根爱（AïIwane）、铃木真由美（MayumiSuzuki）、殿村任香（HidekaTonomura）、吉田多麻希（TamakiYoshida）五位日本女性摄影师的杰出作品。这些艺术家的作品共同编织出一幅生动的画卷，展现了当代日本社会复杂多变的风貌。该展览的灵感来源于KYOTOGRAPHIE举办的“10/10庆祝当代日本女性摄影师”展览，这是KYOTOGRAPHIE与PaulineVermare在2020年共同策划的，旨在庆祝第十届京都国际摄影节。展览深入探讨了其中一些女性的生活和故事，新增了一些内容和作品，以展现她们当前面临的广泛挑战和经历。

通过亲密的肖像和令人回味的风景，展览揭示了弹性、创造力和多样性的层次，这些层次定义了日本女性利用摄影作为生存、表达和改变工具的经历。这次展览不仅是对她们艺术成就的致敬，也是对她们在当代社会中所扮演角色的深刻反思。

PART8

表达：摄影之风席卷

一生之用——致敬GBAGENCY画廊

2023年12月，巴黎的GBAGENCY画廊宣布了其关闭的消息，这不仅仅是一个画廊的结束，更是过去30年艺术和展览历史的一次重大转折。兰伯特收藏馆选择此时进行深入的反思与展览策划，以纪念这一里程碑事件。

此次展览精选了来自GBAGENCY画廊的15位标志性艺术家的作品，这些艺术家在20世纪末至21世纪初的关键时刻对摄影实践产生了深远影响，包括麦克·亚当斯（MacAdams）等。通过他们的作品，展览不仅展示了艺术的力量，更引发了关于审美和政治问题的当代对话。

GBAGENCY的展览哲学始终基于一种与我们日常生活现实的疏离感，对艺术史的非线性探索以及对自由与不规则轨迹的尊重。展览空间被设想为一种动态流动的环境，类似于罗伯特·布里尔那不可捉摸的“漂浮物”，在这里，生命、自由、有机的身体运动和人际互动交织在一起，创造出一种独特的表现力和参与感。

时间颂歌

位于法国瓦尔省，一处建立在罗马别墅遗址之上的拉塞勒罗马式修道院，展开了一场名为“时间颂歌”的夏季展览，由拉斐尔·达拉波塔（RaphaëlDallaporta）创作，并由弗朗索瓦·多奎尔特（FrançoiseDocquiert）策展。作为2019年尼埃普斯奖得主的摄影师，达拉波塔的作品不仅仅局限于捕捉图像。他在历史、考古学、天文学和艺术之间架起了桥梁，突出了人类进步与进化之间的联系。

五个展厅分别探索时间和语言的不同层面。与遗产对话，展品种类繁多，包括内庭院的日晷雕塑以及创造宇宙云幻象的摄影构图。这种活力与清醒的结合，与修道院中的罗马式建筑和考古遗迹形成了和谐，为参观者提供了一个有利于反思的环境。这个引人入胜的展览的沉浸式体验，邀请我们超越季节的限制，深入思考我们与世界的关系。

海边

在2024年文化奥林匹克竞赛的璀璨星群中，“海之岛”展览如一颗耀眼的珍珠，横空出世！想象一下，在罗讷河口地区，五位摄影巨匠——弗朗索瓦丝·博吉翁（FrançoiseBeauguion）、西蒙·布伊勒（SimonBouillère）、朱莉娅·盖特（JuliaGat）、皮埃尔·吉拉丹（PierreGirardin）和莫德·格鲁贝尔（MaudeGrubel），他们的视角汇集，捕捉生活的每一刻。

这不仅仅是一场展览，更是一次长达74米的视觉盛宴，它勇敢地在户外墙上展开，等待公众的探索。这里，体育与休闲的激情、家庭与友情的温暖，以及社会与环境的深思，交织在一起，挑战我们对海洋空间共享关系的理解。

更让人心潮澎湃的是，摄影师们并不是单打独斗。马赛海滨的游客、拉西奥塔菲格罗勒海湾的探险者、科比埃航海基地和PointeRouge的残疾人体育协会成员，甚至FCMartigues球迷团体（UM21）和玛丽蒂玛·苏普拉（MaritimaSupra）都受邀参与这场艺术创作。他们的互动，为这个展览注入了独特的生命力。

你准备好迎接这场视觉与思想的盛宴了吗？一起深入探索，发现我们与海洋之间的深刻联系吧！

触摸寂静

格热戈日·普日博雷（GrzegorzPrzybore）是波兰当代摄影的重要人物，他在过去40年里创作了一系列独特的作品。这些作品完全在他的工作室中创作，工作室位于罗兹的一座塔楼的11层。他的摄影世界引人入胜，灵感来自愿景和梦想，有时非常具体，甚至是亲密的，但仍然带有强烈的政治色彩。他的每幅作品都需要数月的时间才能完成。

“梦想”最初变成了非常精确的绘图。然后，图像的每个部分都涉及所有部分的耐心构建。最终，拍摄场地的精心布置开始了。马赛的展览邀请参观者探索格热戈日·普日博雷的作品，从1990年在阿尔勒国立高等摄影学院制作的肖像系列开始——格热戈日·普日博雷在1989年至1990年间是该校的访问学生，并以2020年至2022年期间创作的最新作品结束。

展览还展出了约40件绘画、物品和雕塑，以及一部关于他的作品的电影，部分作品于2019年在阿尔勒创作。

镜头之眼：1930年至2000年的现代摄影作品收藏

1968年2月，坎蒂尼博物馆举办了首届摄影展“镜头之眼”（L'OEILOBJECTIF），由罗伯特·杜瓦诺、丹尼斯·布里哈、吕西安·克莱格和让-皮埃尔·苏德雷等摄影师领衔。与此同时，阿尔勒摄影节的创始人之一让-克洛德·高特朗荣获马赛市摄影大奖。因此，坎蒂尼博物馆与国家图书馆和雷图博物馆共同发挥了先锋作用，建立了反映阿尔勒会议和阿维尼翁音乐节等地区活动的藏品。

从持有的资产中提取，坎蒂尼博物馆、当代公共艺术基金会（FondsCommunald’ArtContemporain）和“L'OEILOBJECTIF”为藏品提供了新的视角。来自光学游戏的灵感，从新视觉运动到瓦莱里·茹夫的纪实作品和曼·雷的舞台作品，该展览展示了广泛的摄影方法及其产生的多样性观点。

战友姐妹：黑豹党的女性

在20岁时，伯克利学生史蒂芬·沙姆斯首次接触到后来的黑豹党。从那时起，他开始关注这场美国黑人解放运动的历史，直到其解散。由于与主要领导人，特别是鲍比·西尔和休伊·牛顿的友谊，沙姆斯得以自由地记录政治组织的各种活动。这些照片揭示了黑豹党的一个相对不为人知的方面：提供粮食援助、教育援助、医疗保健和安全等社会服务的活动人士的地位。

女性在黑豹党中占据了重要地位，其中一些人后来获得了一定的恶名（如格洛丽亚·阿伯内西、埃文·卡特、凯瑟琳·克利弗、安吉拉·戴维斯、埃里卡·哈金斯、艾德丽安·汉弗莱）。她们站在每一次斗争的前线，为这个故事增添了原创的色彩和独特的谐振。正如安吉拉·戴维斯所强调的那样，这次展览“提醒我们，妇女实际上是这种黑人自由新政治方针的核心”。

沉积的分隔

阿拉桑·迪亚瓦拉（AlassanDiawara）是一位年轻的比利时摄影师，他花了几个月的时间在尼姆及其周边地区进行探索，并在此过程中遇到了许多人。他通过镜头捕捉到了青春、家庭和社区中不同世代之间的联系，试图展现加尔和卡马格地区的某种本质。这些照片是与齐内布·塞迪拉（ZinebSedira）的作品对话的一部分，主题涉及家庭和文化传承。值得一提的是，齐内布·塞迪拉还代表法国参加了2022年威尼斯双年展，并在阿拉桑·迪亚瓦拉的项目中得到了她的指导。这个项目是第一届尼姆当代艺术展“LaFleuretlaForce”的十二个项目之一。

我讨厌旅行和探险家

内莉·莫瑞尔（NellyMaurel）创作了一系列以“民族志照片”为主题的作品，这些作品基于一个相当简单的主题：妇女处理和“激活”鸡蛋或以不寻常的方式展示自己拿着鸡蛋。这些图像呈现出一种神秘感，可能会让我们怀疑它们的真实性，因为它们的含义难以理解。然而，同时它们又显得可信，因为这些照片看起来很熟悉。这些图像模仿了人类学摄影、人类学旅行的图像，也模仿了西方国家已知和展出的纪实和艺术摄影的图像。莫瑞尔通过使用衍生工具来获取这些图像，如人工智能和其他互补的图像技术，协调它们、编辑它们、修饰它们，并使它们看起来可信。