如何“炼”成一支完美合唱团

歌剧《罗恩格林》是瓦格纳将哲学、历史、神话、文学、诗、音乐、人声、造型艺术等全部纳入的作品，在这部作品中，“乐剧”特征已经开始凸显，其精神内核的悲剧性、严肃性，以及戏剧与音乐紧密结合的复杂性，让该作的演绎与诠释难度达到了相当高度。该剧不仅是指挥、歌唱家的试金石，也是对合唱、乐团及整个制作团队综合实力的考验。以《罗恩格林》中的合唱为例，它的比重远远超过大家所熟知的若干歌剧，且每个声部还会再被划分为数个声部，合唱谱上总计甚至有十个声部之多。

为了更好地呈现这部高难度作品，特别是合唱部分，从今年6 月开始，上海歌剧院特别邀请合唱艺术指导马丁· 怀特（Martin Wright）和声乐指导亚历山德罗· 阿莫雷蒂（Alessandro Amoretti）陆续飞抵上海，为上海歌剧院合唱团进行了长达数周的集训。在他们的悉心指导下，最终，上海歌剧院合唱团迎来了又一次蜕变和飞跃，圆满完成了《罗恩格林》的舞台呈现，现场观众都对上海歌剧院合唱团赞不绝口。《歌剧》杂志特别采访了马丁· 怀特与亚历山德罗· 阿莫雷蒂，以便读者能更深入地了解他们为歌剧舞台艺术所付出的心血。

问：你们曾多次与上海歌剧院合作，上海歌剧院的演员与合唱团给你们留下了怎样的印象？

马丁·怀特：我初次与上海歌剧院合作是在2008 年在中国香港，当时演绎了贝多芬的《第九交响曲》和歌剧《菲岱里奥》。三年之后的2011 年， 我来到上海，与上海歌剧院合作了一场《外国经典歌剧／清唱剧合唱音乐会》。2023 年，我再一次来到上海歌剧院，担任《罗恩格林》的合唱艺术指导。上海歌剧院合唱团给我的印象是，每位演员都很努力，而且他们都有着非常好的声音。与我在欧洲指导的合唱团相比，上海歌剧院合唱团每天的排练时间要长许多，但所有演员在每一次的排练中都付出了充分的努力，而且非常用心。

亚历山德罗·阿莫雷蒂：自2015 年起，我几乎参与到了上海歌剧院每一部西方经典歌剧的排演中。我与上海歌剧院合作的第一部制作是《军中女郎》，那是我最擅长的剧目之一，我为剧中所有的主要角色担任艺术指导。随后我们继续合作了《纳布科》《漂泊的荷兰人》《托斯卡》等。虽然之后有一段时间因为众所周知的原因，我无法亲自来到上海歌剧院，但我依旧通过网络，在“云端”带着演员们进行音乐作业。然后便是此次的《罗恩格林》。上海歌剧院给我的印象太棒了，合唱团拥有着全世界最好的声音。第一次与上海歌剧院合作时我便发现，他们的能力很强，有太多可塑性。

问：此次你们再次来到上海歌剧院，担任歌剧《罗恩格林》的合唱艺术指导与声乐指导。这一次合唱团给你们的感觉又是怎样的？

马丁·怀特：这次《罗恩格林》的排练，男声声部给了我非常大的惊喜。《罗恩格林》里男声合唱的比重非常大，因此男声声部排练的时间也特别长。排练到后期我时常会担心团员们是否太累而无法继续，但每当我说“我们再唱两遍”时，他们给出的声音依旧非常有力，仿佛他们永远都不会累。

此外，在这次的制作中，除了外请的国际演员以外，上海歌剧院自己的合唱演员也担任了一些次要角色，比如四个贵族和四个贵族少年等。他们不仅具有非常好的声音条件，而且从第一次排练开始我就发现，他们已经为这部剧做好了充分准备。通过反复的排练，合唱的各个声部都有了很大的进步，他们的声音给我的感觉是更加年轻、温暖，头腔共鸣更好。

亚历山德罗·阿莫雷蒂：从2015 年起的每一次合作，我都能看到上海歌剧院合唱团在成长。我发现，合唱团和角色演员都拥有很强的能力，这不单单是在音乐方面，他们学习一门全新语言的速度也非常快，学习能力很强。因此我能高效地将我所擅长的东西教给他们，这样才能把合唱团一步步带到更高的高度。合唱团给我的反馈比我期望的要高得多，与他们合作非常开心。

问：歌剧《罗恩格林》的合唱部分，在演唱上有哪些难点？

马丁·怀特：从《罗恩格林》这部作品来说， 男声合唱的分量非常重。在欧洲，歌剧院通常会请60 位男声团员来承担这部作品合唱的男声声部， 但我们上海歌剧院只有45 位男声合唱团员；而且在这部作品中，许多段落还要将这45 个男声再分成两个梯队，每个梯队有4 至5 各声部，等于45 个人要承担8 至10 个声部；同时，这几个声部时常还是穿插进行的，这对合唱团来说难度极高。这就是为什么我会说这次男声声部特别厉害。另外需要特别说明的是，他们不光有好的声音，同时还有好的耐力，能持续性地呈现出作品需要的效果，这一点对《罗恩格林》来说至关重要。

这部作品另外一个难点是语言，不单单是发音， 更重要的是语感。哪里是重音，哪里是弱音；哪里要长，哪里要短，这些都需要不断重复以强化记忆。这一点对于非德语母语的中国人来说，特别不容易。

亚历山德罗·阿莫雷蒂：《罗恩格林》在语言上非常复杂，甚至可以说，这部剧的唱词对于会说德语的人来说也是很复杂的。此外，这部作品的音乐性也是极为复杂的，光从谱面上的音乐表情记号来看，瓦格纳会在一个乐段中，让音乐从极弱（pppp） 迅速达到极强（fffff），跨度之大几乎令人望而却步。此外，德语歌剧作品特别需要特别注意节奏，这也是作品呈现中的一个难点。

问：在排练时，你们通常会用怎样的方式，让角色演员和合唱团达到你们想要呈现出的艺术效果？

马丁·怀特：排练时，我会将语言和音乐分成两块来解决。语言方面，我会先解决语感的问题。我会不断地为合唱团演员重复某个词的发音，这么做首先是为了让他们听清我是怎么读的，其次是让他们去体会我的语感。将这个词的发音形成肌肉记忆后，再放到音乐中去演唱。而对于音乐比较困难的段落，我会让大家先把唱词去掉，光用“啦啦啦”之类的音节把节奏唱对，把和声唱准，最后才加上唱词。

其实，每个语系都有它独特的个性和音乐形象， 比如德语会偏硬，而法语会显得更浪漫。排练时，我会要求团员们更专注于这些细节。这样做的目的， 不仅是为了在演出时能让观众更好地理解音乐，更重要的是让观众能在观演时抓住音乐的风格和个性。

亚历山德罗·阿莫雷蒂：我其实更擅长为角色做音乐作业，因为这是我的专业所在，我对剧中每一个角色的人物个性都非常了解。我的目标是让演员把角色的个性发挥到极致，甚至让他们在这一基础上将自己的声音带到更高的高度，发挥出自己最好的水平。

而与合唱团的合作就又有所不同了。合唱是一项团队合作的工作，那么就需要更加强调声音的融合度与和谐度。因此我需要去平衡，让这些出挑的声音在合唱团中起到更好的作用。

问：要训练和培养一支成熟、优秀的合唱团， 秘诀是什么？

马丁·怀特：我的秘诀是，让所有演员保持专注。每个合唱团通常有近百人，我会尽量让每一个团员都能集中注意力，这一点很重要。因此，我不会一遍又一遍地从头到尾排练，而是把唱段分成几个部分，一段一段分别训练和提升。我不会让任何一个声部等待太长时间，因为休息时间太长的话，注意力就会分散，这样排练起来大家都会很累。我希望能让每个声部的成员，每天感觉自己有很大的进步， 这样他们也会有动力继续努力。

问：您为何如此热爱您的这份职业？

马丁·怀特：我的职业道路比较复杂。在担任艺术指导之前，我曾分别以男中音歌唱家、钢琴家、指挥家的身份出现在舞台上。作为歌唱家，我更关注如何呈现和表达自己的声音；作为钢琴家，我会通过乐器去创造声音，与观众交流；而指挥则要通过操控整个舞台，将我自己对音乐的诠释送到观众耳中。现在我担任合唱指导，这份职业更像是在排练过程中创作一件艺术品，然后将这个艺术产品交到歌剧指挥的手里。

我曾与男高音歌唱家多明戈一起工作。多明戈发现我的才能之后，认为我如果担任合唱艺术指导， 更能发挥我的所长，也能为社会创造出更多的艺术价值。因此近十年来，我一直担任着合唱艺术指导， 这是我最擅长也最喜欢的职业。虽然这是份幕后工作，但我感觉更能实现我的自身价值。

亚历山德罗·阿莫雷蒂：在我成长的年代，歌剧在意大利是稀松平常的，我几乎是浸淫在歌剧中长大的。14 岁开始，我为家乡的一群歌剧爱好者伴奏，这为我打开了一扇从事歌剧事业的大门。到了18 岁，我家乡的歌剧院邀请我担任钢琴伴奏，不久又开始担任声乐指导，直到现在。

我有一双特别敏感的耳朵，可以非常容易地知道演唱者的音准差了多少，或者歌唱时做哪些调整能将作品呈现得更好。虽然我本身没有学习过声乐， 但我能在声乐技巧以外，告诉演唱者如何调整以达到更完美的声音。如果说声乐老师是“高级技师”， 他们为演员传授专业歌唱技术，那么艺术指导就是“领航员”，他们在歌唱演员已经具备相对成熟专业技巧的基础上，为演唱者指引最佳路线，使其能快速地呈现出更好的演唱效果——这就是声乐老师和声乐指导最大的区别。

我越来越热爱这份职业，不但因为我知道自己的天赋所在，而且我后来也意识到，我其实在很小的时候就已经爱上歌剧这颗“艺术皇冠上的明珠”了。

问：近年来，歌剧在中国的发展非常繁荣。您对上海歌剧院未来的发展有怎样的期望？

马丁·怀特：上海歌剧院非常幸运，院长许忠

不仅是一位指挥家，也是一位钢琴家。作为钢琴家来说，他对音乐的理解非常深刻，能对音乐做出完美的诠释；作为指挥家，他还有非常多执棒歌剧的经验。毋庸置疑，许忠院长把上海歌剧院带上了一个新的高度。这次与上海歌剧院的合作，给我留下了非常美好的回忆，我很享受与上海歌剧院的合作。我希望上海歌剧院的歌剧事业蒸蒸日上，也期盼着自己每年都能回到上海歌剧院，共同创排经典歌剧。

亚历山德罗·阿莫雷蒂：这次来到中国，来到上海，每当我走进剧院都感到非常惊喜。我发现， 中国剧院里的观众非常年轻，这一点和当今的欧洲太不一样了。在中国，每当我走进剧院，看到一张张年轻的脸庞，我就不禁会感叹，歌剧在中国未来可期。在这样的大环境之下，上海歌剧院的未来一定是一片光明。