时尚圈局内人

YVETTE LEE 蔡雨彤

BFRND以音符构建故事

时尚由面孔组成，被故事包装，秀场是讲述的最佳场域：闪光灯照耀、摄像机密布，名流们聚集一堂，只为一睹最前沿的创意。模特们没有台词，配乐成为了烘托氛围、传达情感的关键，同时串联起每一套造型，将在场的人拉进时装秀构筑的情境中——这是BFRND的“拿手好戏”。在Balenciaga 2024春季系列中，由他二次创作的Sous le Ciel de Paris（改编自?dith Piaf的同名单曲）几乎叩响了屏幕前所有观者的心。从柔和的钢琴曲到有节奏感的电子乐，他描述了每个人的“一天”，“ 我想让大家感到身临其境的快乐。”他说。

这是BFRND作为创作者的敏锐，也是天赋所在。不同于大多数先出专辑、创立厂牌，而后与品牌展开合作的音乐人，他的职业生涯始于秀场。身处于这个标榜“好品位”、也同样以此为准入门槛的行业，一切创作的标准都在无形之间被抬高，“对音乐也是一样。”但BFRND几乎从未让人失望，他的音乐杂糅了电子、嘻哈、民谣和古典等流派，无法被定义，却自带“场景感”，“我可以做任何音乐，但它们听起来都还是会‘像我。”如若究其根本，或许是因为BFRND是一位“现实主义者”，他的作品听似浮于世外之境，实则植根于当代人的生存现状，“音樂就是要激发人的潜意识。它和时尚一样，关乎情感，也关乎我们所处的环境。”

ELLE：在Balenciaga 52 高级定制系列中，你用AI技术将Maria Callas的歌剧变为了无伴奏的纯人声清唱版本。作为积极拥抱科技并运用科技的音乐人，你对于科技介入创意有什么看法？

BFRND：在成功将Maria Callas的声音从歌剧中“分离”出来前，我们尝试用人工智能克隆她的声音，因为技术有限而失败了。即使我们能做到，也要请一位歌手唱完整首歌，再用人工智能附加上MariaCallas的声音。所以当你听到人工智能翻唱的歌曲时，它或许并不是完全由人工智能生成的，总有人会作曲和演唱，人工智能再在此基础上配音。很多人都说人工智能会摧毁这个行业，但事实并非如此，没有人类，人工智能什么都做不了，因为我们无法24小时都在工作，所以它可以成为帮助我们的工具。

ELLE：你从2017年开始为Balenciaga制作秀场音乐至今，品牌的每一季都在发生变化。在变化之下，你一直坚守的内核是什么？

BFRND：其实对我来说，一直在变化是好事，这是让我进步的方法，因为我不能始终待在“舒适区”，否则一切都会变得乏味。在我最初为Balenciaga制作配乐时，我是个初学者，但是品牌的变化却映射出了我的成长，也让我重新认识了自己。无论做什么类型的音乐，都一定要有“我”的存在，这可能是我感受事物的方式，也可能是我创作的直觉——这是我一直坚守的。

ELLE：你在中国已经拥有了一批粉丝，之后是否会考虑来中国开音乐会或与中国设计师合作？

BFRND：有一次，我的朋友在中国的某家买手店里听到了我的歌，发消息和我说自己非常感动，我也完全没想到，中国竟然有人认识并且喜欢我。如果有可能，我想来中国开音乐会，也不仅是和中国的设计师合作，也可能是各行各业的创意人士。

ELLE：为什么会在中国的社交媒体“小红书”上开设自己的账号？

BFRND：这个账号是我自己创建并运营的，小红书上有很多前卫、时尚的中国年轻人，我很爱看他们的穿搭。虽然红毯造型经常给我留下深刻印象，但社交媒体上大家的穿搭也不比前者差，他们不抗拒新的审美，也不惧怕新事物，这一点我很欣赏——这或许也是中国年轻人喜欢我音乐的原因。加上我在Balenciaga的社交媒体部门工作，管理品牌在各个平台上的账号，需要去了解更多，所以我会在自己的小红书账号上分享穿搭，看看大家的反响如何。

ELLE：你是如何在音乐中制造“场景感”的？

BFRND：我会把音乐和生活联系在一起。我们的生活从来都不是一条直线，它总是“忽上忽下”，你可能会快乐，也可能会悲伤，或者没有任何情绪。我在音乐里也是这么做的，先描述一段美好的时刻，突然出现的是一段激烈的音乐，之后又会是另外一种——其实这就是现实生活的样子，你永远不知道下一秒究竟会发生什么。

ELLE：在做秀场音乐时涉及很多“二次创作”，你会通过什么样的方式让原曲和自己的风格相融？

BFRND：我会试图让这首歌成为我的发明。我不会刻意模仿原作，而是尽可能地去理解、消化它。就像表演一样，演员也要努力让自己和角色融为一体。我会把它们放置于我的生活中，又或者说是让它们变成我的生活。

ELLE：“ 创新”是每一位创作者的命题，但如今的时尚界似乎不再有“新意”了，你如何看待这件事？

BFRND：很多人都喜欢说，“谁又在做同样的事情”。

但以Balenciaga为例，大部分人都并没有真正了解过Demna的工作，如果他们了解，就知道Demna一直在做新的事情。“创新”并不意味着就要“革命”，那些能够让公众兴奋的事物，其实就是“新”的。

ELLE：你說过要推出自己作为独立音乐人的法语专辑。BFRND以及更多的自我表达是否是你日后音乐探索的重点？

BFRND：我的第一张专辑讨论了“我是谁”，所以融合了多个流派的风格，如果我只做流行音乐，那就不是我了。当你听这张专辑时，你就会明白什么是BFRND，这也是我目前和今后会一直探索的方向。

娄轶哲：面孔遴选师

时尚由一张张面孔组成。设计师以缪斯为蓝本进行创作，模特在秀场上演绎前者的想象，勾起台下观众的拜物欲——他们看见并走向彼此，让这个行业环环紧扣。在这条凝视与消费的链路背后，是“选角导演”（casting director）将这些面孔输送到台前，“是市场需求和审美风向决定了时代的选择。”这是娄轶哲多年来的经验之谈。

在成为选角导演之前，娄轶哲从未想过自己会进入时尚行业，“大学的专业是商科，连Giorgio Armani都不知道是什么。”他自嘲道。留学归国后，娄轶哲的第一份工作是会议同声传译，“不用坐班，报酬高，能接触到各行各业。”他也因此接触到了龙腾精英模特经纪公司，得益于语言上的优势成为了一名经纪人，主要职务是沟通中国和欧美市场。刚入行时，他是一张没有任何预设的白纸，书写什么内容、如何书写，完全由好奇心驱动，“我时常在想，为什么是这些男孩和女孩登上时装秀？”他观察身边的每一位模特，再根据品牌的视觉形象和目标客群反推，逐渐构建了一套自己的评判体系，“看多了，自然也就会了。”

做了近8年模特经纪人后，他正式转型为选角导演，“要做到看见一个人素颜的样子，脑海里就有他（她）化完妆、走上秀场后的场景。”这是选角导演应该有的敏锐感知，在看过上百乃至上千张面孔后，迅速帮品牌找到属于他们的正确“答案”。但由于国内的时尚产业仍处于发展阶段，体系尚不完善，选角大多由秀场导演和制作团队一手包办，娄轶哲是为数不多选择往里“钻”的人，“行业内比较成功的选角导演，可以将‘人与设计师或造型师的理念恰到好处地结合，给出一个所谓的‘分界线，让大家知道这品牌就属于这种气质的人。”

ELLE：模特经纪人的工作经历对你成为一名“选角导演”有什么帮助？

娄轶哲：在龙腾精英的时候，要帮模特筛选工作，也经常要去国外出差。在用邮件和对方沟通时，发现有的品牌是会指定选角导演的，我当时就很好奇这些人到底在做些什么，有了一个初步认知。做模特经纪人还要不停地观察，观察人、行业内部的动向和外部流行的变化，所以我会经常看时装秀——这都为成为一名“选角导演”打下了基础。

ELLE：选角导演对时尚行业而言的重要性体现在哪些方面？

娄轶哲：其实“选角”并不是一个新的概念，是从影视行业传来的。早年间，选角这个工作并没有独立出来，国外大多是由制作公司提供一站式服务，后来才逐渐细化，不同职能的人各自跳出了固定的体系，在各自的专业领域内深耕——所以重要性也就体现在了“专业的人做专业的事”这一点上，整体也更加高效。

ELLE：在为品牌秀场和时装片选角时，如何平衡品牌需求和个人主观审美？

娄轶哲：这也是我一直在探索的事。在理想化的情况下，我是希望能尽可能压缩主观审美的。又或者说，我们的主观判断力应该以对方的诉求为主，成为幕后的第n只手。但坦诚说，最难的是找到大众审美的基准线，举个例子，偏大众和过于大众也有很大区别。有时候客户会给我一个形容词，比如“韩流”，当我按照他（她）的诉求去找了模特后，对方又会说完全不符合预期——我们无法改变客户的认知，只能转化个人偏好。但我会遵循自己的选角方法，将选择的模特按照逻辑排列组合，在脑海里想象他们穿上这些衣服的样子，如果你的“判断点”和脑海中的画面一致，那就证明选择基本没问题。

ELLE：如今获取信息的渠道非常多，很多品牌会自己承担“选角”工作，这是否会从一定程度上取代选角导演的工作？

娄轶哲：其实无论是找选角导演，还是内部承担这个工作，核心目的都是实现品牌的目标。而品牌自己选择模特这件事，和品牌直接把工作丢给选角导演并没有什么区别，只不过要看这个人在内部还是外部。

ELLE：你认为哪一次的秀场选角经历是成功传达品牌理念的？

娄轶哲：之前在上海举办的Louis Vuitton 2022春夏女装系列。因为Louis Vuitton的衣服包容性很强，稍微矮的女生也能穿，所以品牌给了我很大的灵活度，整场秀的呈现也更贴近Louis Vuitton在国外的水准。

Porsche Poon：描绘表象的魔法

在零售空间内，高级时装是被明码标价的“物件”，但在此之前，有关它的故事已经在时装秀上讲述完毕。在造型和妆容的加持下，展示的模特进入角色之中，衣物仿佛拥有了魔力——在这样一种“附魅”的过程中，化妆师是“点石成金”的关键，他们在面孔上大做文章，延伸出五官之外的深意，使之与服装合而为一。Porsche Poon也注重如是的“整体性”，在Burberry 2023秋冬系列的时装片中，Poon第一次与Daniel Lee展开合作，共同构建了品牌的全新形象，她也曾与摄影师Juergen Teller共同创作，“每个人的审美偏好都不同，这也正是乐趣所在。”于Poon而言，无论是秀场造型、杂志内容还是品牌大片，尽管展示形式不同，但本质上并无区别，“都是在生产创意，都需要各方的配合。”

Poon曾跟随“可穿戴艺术”（wearable art）的开创者、化妆师Isamaya Ffrench工作，Ffrench处理妆容的方式夹带诙谐与幽默，这启发了Poon将彩妆当作探索时尚和创作艺术的媒介。在Allure 杂志的一篇专访《忽略美的陈规：彩妆艺术家PorchePoon》（Makeup Artist Porsche Poon Is IgnoringAll the "Rules" of Beauty ）中，Poon称自己的风格并不具备普遍性，“但我正在自己的小世界里绽放，未来一定会被更多人看到。”

ELLE：你做过品牌的广告片、秀场妆容和杂志的编辑内容，在面对不同的内容时，你作为化妆师的创意过程有何不同？

Porsche Poon（简称Poon）： 时装产业的特点之一是多人合作。作为一名化妆师，我最需要做的是根据品牌和杂志的风格，以及设计师当季的理念，去发散思维、配合创作。创意的过程会因为对方诉求的不同而发生变化，所以能产生的“化学反应”也时常让人惊喜。

ELLE：在美妆大片中，妆容是绝对的主角。但是在秀场、时装大片和品牌的广告片中，妆容仅是整体视觉效果的一部分。你如何看待妆容艺术在一个视觉作品中的地位？

Poon：我比较重视作品的整体性。虽然在时装大片和秀场中，妆容只是“绿叶”，但对我来说，工作中的每一个角色和环节都非常重要。

ELLE：在做秀场和品牌广告片的妆容时，你会认为自己的创作表达受到了某种限制吗？你是否找到了个人风格和品牌需求之间的平衡点？

Poon：限制是一定会有的。因为当你帮某个品牌打造妆容，他们的风格就是你设计的门槛，但也会是你的限制。举个例子，在我帮Vivienne Westwood设计妆容时，清楚地知道品牌会更容易接受朋克、摇滚和更具艺术性的妆容，但Versace未必可以。在为他们工作时，我不会通过个人作品去刷存在感，这是一份多人协调的工作。

ELLE：你如何定义自己打造的妆容风格？

Poon：我其实很难定义自己的风格。但我知道自己绝对不是一个崇尚“华丽”的化妆师。

ELLE：你将自己更多地定义为时尚工作者还是艺术家？

Poon：我不会给自己设限，我更想顺其自然地发展。现在我觉得自己更像是在做艺术创作，艺术和时尚不分家，所以我也不会刻意去区分。

ELLE：从时尚圈内人的角度来看，化妆师这份工作近年来发生了怎样的变化？

Poon：随着时代的进步，社交媒体被广泛应用，最大的变化体现在，幕后工作者逐渐出现在荧屏前了。

ELLE：在未来的发展道路中，你倾向于向哪方面投入更多？

Poon：我还年轻，还有很多可能性。如果时间允许，秀场、商业项目和编辑内容都想尽可能多地投入。

Christine Low：站在角落里的掌控者

时装秀是时尚行业内最耀眼的舞台，创意总监在此交出答卷，品牌方则倾力为之造梦。从造型、模特、看客、舞美到音乐，当一切必备要素集齐后，秀场导演进行统一的调度和编排，让一场秀不止于呈现衣服本身——Christine Low深谙其中之道。在今年7月20日晚上Bottega Veneta北京大秀落下帷幕后，她在朋友圈晒出了自己的工作“手记”：每一套造型出现的时间点、模特退场时的动线图、灯光亮起和淡出的节奏，这是她重复了无数次的工作，却常有新意。

谈资已经有很多：疫情初次开放后没有外援，完全靠本土创意团队协力完成的Louis Vuitton2021春夏男裝秀，地点在上海西岸； 去年9月在北京举办的Prada 2022秋冬系列大秀，200多位工作人员费了一番周折才得以入场；前一天台风突袭阿那亚，当日却晴空万里的Louis Vuitton 2023春夏男装秀。作为从业数十年的资深秀场导演，Christine Low指导过的时装秀不下百场，但让她对某场秀“情有独钟”的原因，往往在于前期遇到的各种挑战。她对可能发生的意外事件都有双重“预案”，是心理上的，也是执行上的，“抽身看全面是个绝活，如果前期准备做得足，一般都会水到渠成。”

ELLE：在如今的中國时尚行业内部，秀场导演这份工作现存的问题是什么？

Christine：其实现在的秀场导演很多，但能力参差不齐。就像是做品牌一样，经验越多就看得越全面，从舞美、候场、开场到闭秀，如何通过音乐调动氛围，让它与整个大环境相契合，又如何在此基础上将品牌想要展现的风格和盘托出，面试筛选出来的模特是否符合品牌调性，在台上的表现能不能达到预期——这些都需要考虑。目前行业内并没有针对秀场导演的体系化培训机制，从籍籍无名的小助理、助理导演到副导演，都是一步步走出来的。但对于美的认知是很难从“机制”里学来的，“机制”只能教你一些相对机械、客观的东西，比如灯光运用的套路、音乐的长度和剪辑节奏、模特的换装时长等。

ELLE：目前一场时装秀的分工是怎样的？

Christine：现在的分工越来越细了，以前的导演需要一手包揽。现在有概念创意、造型师和选角导演等“专才”。小活动会参与选角，大活动一般不会，但是看到通过我指导的时装秀发掘出来的新人有了好成绩，内心还是会非常激动和感慨。

ELLE：这份工作对你带来了什么影响和改变？

Christine： 做模特的时候对自己的认知不清晰，懵懵懂懂地上台表演、下台过日子，也有一些“恋爱脑”，虽然有“好身材”和“百万笑容”，却丝毫没有安全感。做了秀场导演之后开始靠脑子吃饭，没有了风花雪月后才更加清楚地知道自己要什么，也意识到了自己性格上的长处和短板，通过这份工作学会了和自己还有他人相处。

ELLE：在为欧洲的老牌和中国的新锐品牌指导时装秀时，最显著的差异体现在哪些方面？

Christine：在为国外大牌做秀前，其实他们会把90%的事项都提前敲定，我们按部就班执行就没问题，剩下的10%就是我们常说的将一场秀“本土化”，没有太多的发挥余地。目前和中国设计师品牌合作的机会不多，但是除了服装之外还有很多讨论的空间，会与合得来的设计师朋友一同分享和探讨对于时装秀的看法，结果总是出人意料的美好，比如和Comme Moi（由超模吕燕创立）的10年合作就十分有满足感。

ELLE：每一场秀的环节是如何影响观者体验的？

Christine：其实观者都是众口难调的。井然有序的流程安排、恰到好处的时间节奏、现场嘉宾的编排，以及酒水和美食的诱惑，缺一不可，每一个环节都会影响现场观者的体验。

Lucien Pagès：声量与造势

时尚公关，梦想、浮华与名利背后的关键推手，眼观六路、耳听八方的“局内人”。一个最常见的场景是：在一场时装秀完整落地前，当所有人都焦头烂额之时，他们依然有条不紊地与各方沟通，确保时尚的齿轮能够高效运转——这并非易事。时常有年轻人对此满怀憧憬，最终被实操时来自多方的压力“劝退”。“没有人会真正梦想成为一名时尚公关。”业内的金字招牌Lucien Pagès打趣地说。

ELLE：成为时尚公关背后的契机和原因是什么？

Lucien Pagès（简称Pagès）：我在法国南部的一个小村庄长大，对时尚充满了向往。和大部分热爱它的人一样，最开始想成为一名时装设计师。18岁那年，我进入了巴黎服装工会学院，当时的目标非常明确：毕业后去时尚界工作，然后取得成功。但上学期间我意识到了一点，自己很难成为这个圈子里最出色、特别的设计师，所以给自己留了余地，开始尝试为各个品牌工作。后来接下美国设计师Adam Kimmel的工作，拥有了第一位客户，摸索着踏上了时尚公关之路。

ELLE：Lucien Pagès Communication创立之初遇到的困难和挑战是什么？

Pagès：第一个挑战是，作为公关，我没有一份可使用的“名单”，完全是白手起家。我是2006年创立Lucien Pagès Communication的，当时我面临的问题是缺少更“上层”的资源，所以必须快速、有效地建立关系。因为我是做男装起家的，如果要拓展客群，我必须证明我也可以做女装，我一直在寻找机会。有一次去日本出差时，我遇到了Sacai的创始人兼设计师阿部千登势，她在日本已经很有名了，但在欧洲还没有溅起水花，也没有建立社交媒体。她给了我信心和信任，让我把Sacai带回欧洲。回到巴黎后，我组织了一次酒会，向业内众人士介绍Sacai，我们可以说是共同成长的，她让我有了涉足女装的机会。后来我们拓展部门时也是一样，大家都说，“你太时尚了，你做不了美妆，更做不了香氛”，但我们现在都辐射到了，困难总是迎刃而解的。

ELLE：时尚公关的重要性体现在哪些方面？

Pagès：在这个社会里，“沟通”就是一切，这也是时尚公关在时尚圈的重要性所在。对于一个品牌来说，形象是关键，一个好的形象可以带来生意的增长——这一切都关乎到你该如何与外界“沟通”。

ELLE：你认为自己如何影响了巴黎时尚圈？

Pagès：挖掘有天賦的新人，并为他们提供宣传，是我的能力之一。我的影响（尤其是对年轻人），不仅体现在我的工作经验上，而且体现在视野和洞察上。我想让大家看到时尚的多样性，它并不是单一的，你可以成为创意总监、明星造型师，也可以成为和我一样的公关。

ELLE：你与哪些设计师（或品牌）是共同成长的？

Pagès：Simon Porte Jacquemus。我们的相处模式很特殊，我不会给他过多的建议，而是陪伴、支持他，帮助他实现每一个想法。分享一个小故事：在他准备推出男装时，本打算在纽约发布，但因为预算有限，所以没能落地。但我知道他非常想做，所以我提议可以去他的家乡马勒莫尔（Mallemort）附近的马赛（Marseille）办秀，和业内顶尖的创意人士合作，一定能大放异彩。最后，我们在秀场内铺满了薰衣草，同时演绎了男装和女装系列，反响很好。我们的合作一直非常顺利，我会用心倾听他的想法，帮他展现才华。

ELLE：“ 沟通”中最重要的事情是什么？

Pagès：我时常和我的团队说，我们是人，不是机器，交流是最重要的，这也是“public relations”（公关）的核心，即“relations”（关系），而不是“public”（公共）。我们要与客户建立关系，保持高效地信息交换，清晰传达我们的想法，并帮助对方实现诉求——信息一定要明确，并且让对方“听懂”，这是关键所在。

ELLE：时尚公关的工作近年来发生了怎样的变化？

Pagès：社交媒体改变了很多事，但对我而言社交媒体永远都只是“工具”，在不同的阶段，我会用不同的工具去推广品牌和设计师，与公众对话、制造声量。社交媒体的泛滥所导致的结果是：信息爆炸，所以人们可能会困惑，我们到底该关注什么？所以目前时尚公关要做的是，如何突出我们的品牌，而不是“过度营销”。我们需要换位思考，有时候你要加快速度，有时候你则必须保持沉默。过多的联名和快闪店会让消费者倦怠，就连公关自己都会迷失其中。

Joana Vasconcelos：链接空间与艺术

当代时尚产业状似一只巨型章鱼，触手覆盖艺术、建筑、科学、文化等多元领域，跟随这种多元趋势而来的，是艺术与时尚之间的关系变得越来越密切。艺术家不仅作为灵感来源激发设计师的创造，而且切身地参与到时装事业中来，出现在秀场之中。Dior 2023秋冬女装系列邀请葡萄牙艺术家JoanaVasconcelos为秀场创造了一座巨型的艺术装置Valkyrie Miss Dior，它既是一件独立的艺术作品也是一个大型的秀场装置，向历史中那些被人们遗忘的女性致敬，艺术和时装之间的边界在这个作品身上开始变得模糊。当我们跟这位艺术家对话时，她告诉我们“万事万物，息息相关”，一些看似独立的领域、表面上无相关的事物其实都暗中相连，在Dior的秀场中我们可以看到秀场置景、艺术、建筑与时尚表达之间的联系因Vasconcelos的作品浮出水面。

Valkyrie Miss Dior是一个巨型装置，由JoanaVasconcelos大约50人团队制作完成。这个团队中有负责金属、木材和纺织的工匠，她利用古老的手工艺结合现代技术进行试验性创作，还利用陶瓷、瓷砖、织物和金属表达女性主义与传统文化和技艺。她的作品融汇了波普艺术与超现实主义的精神，亦与时装世界交流甚密，在Maria Grazia Chiuri之前JohnGalliano就曾去拜访过她的工作室，她的作品在与时尚的交汇和对话中不断变化，同时又保持着坚定的艺术内核。她的作品是秀场呈现的一部分，是供人穿行的建筑，也是观赏交互的艺术品。通过她与 Dior的合作我们也探寻到秀场装置与艺术表达之间微妙的平衡，当时装秀场不仅仅作为传递视觉审美的场所，转而承担起更深刻的表达责任时，属于时尚的另一种可能性也就随之诞生。

ELLE：这是你第一次与Dior合作制作大型秀场装置。相比起之前创作的那种放在博物馆里供人观看的作品，这次需要创作一个让模特在里面穿梭的秀场装置，既是艺术品同时也像建筑，这一点会让你在创作过程中有新的考量吗？

Joana Vasconcelos（简称Joana）：每个作品都会被放置在一个空间内，而这个作品的故事自然会与空间、建筑与当地文化产生联系。比如我之前在丹麦的一个5层的博物馆办展，我需要将这5层的空间串联起来，所以作品的体积就会很大。特拉维夫的艺术博物馆内部空间有自己的特点，那我会根据这个空间来创作，每个空间都有自己的历史和创作用途，我在创作的时候也会尊重这些特点。就像本次的空间是秀场，这里正在发生一场时装秀，所以我设计了这些环绕四周的臂膀，可以与模特的动作产生联系。

ELLE：就像你之前说的“对话”是你作品中重要的概念，这次你想通过作品开启一个怎样的对话？

Joana：没错！这场对话是关于空间、故事和人的，当我构想一些模特穿着时装四处走动会发生什么时，我想到了面料，这个作品通过花卉的面料和模特身上的衣服产生联系。花卉的灵感同样将这个系列与致敬的另一位女性Catherine Dior相联系，她喜欢花，有自己的花园。也正是通过这个想法，我让这个装置的整体形态看上去像是一朵盛开的花，而当你去细看，会发现组成这个整体的每一部分都有花的元素。

ELLE：这件作品Valkyrie Miss Dior致敬了两位女人，北欧女战神和Miss Dior。有趣的是，当我们构思女战士的时候总会想到坚硬的盔甲和强硬的女性，但你的作品却是圆融的、浪漫的。

Joana：我觉得当我们构思一个女战士，总会把属于男性的想象套在她身上，坚硬、暴力，寸步不让。然而我们从女性思维出发，战士可以是强大且温柔的。我一直说一个坐在王座上的女人，总是意味着孤独，但为什么有权利的女性不能是快乐、强大又幸福的呢？

ELLE：这个系列的作品自诞生以来就在不断演化，你会用不同颜色和质感的织物包裹它（ 比如Valkyrie Girl是粉红色，而Valkyrie Victoria则是全黑的），好像这件作品换上不同的衣服就变成了不同的人，就好像时装设计一样，某种程度上，你是否是艺术领域的时装设计师？

Joana：也许可以这么说，不过我的想法是，我与时装深深地联系着，与此同时我也是雕塑家，是传承文化的人，我通过艺术与时尚、建筑、电影等多种领域建立起桥梁，我也和音乐家、舞蹈家合作过，我希望从自己出发尝试各种类型的合作。

ELLE：你与Maria Grazia Chiuri用不同的形式来呈献“女性主义”这一议题，在你看来时装和艺术这两个领域在未来是否会在“女性权力”这一主题上更强烈地彼此影响？

Joana：当然，万物相连，息息相关。如果万物之间没有联系，那我们之间的对话也不会发生。不仅仅是女性主义，而且是时尚、政治、文化、艺术，任何一环的改变都会牵动其他事物结果。这个作品诞生在法国，现在它因为文化与时尚来到了中国，如果这种相互连接的灵魂不存在，今天的一切都不会发生了。

ELLE：你的作品有一些很有趣的女性人生中会出现的寻常之物，比如钻戒、高跟鞋、婚礼蛋糕和假面舞会面具，这些东西是你刻意寻找来成就自己的艺术表达，还是自然地出现为你带来灵感。

Joana：它们就这样出现了。这么说吧，当你要通过艺术来转译某种现实，翻译一些你的想法，那你需要找到正确的工具，这些工具可以用更现实的方式来呈现另一个维度的观点。所以我使用这些在每个人的家庭環境中都会出现的东西，来表达我的创作精神。当人们看到饭锅、高跟鞋这些所有文化的共同对象，就会立刻唤起某种共识。无论你是什么文化背景，讲何种语言，你看到鞋子、锅子就会立刻明白背后的意涵，通过这些寻常之物，女人们的生活彼此相连。这些事物就像是现代女性共同思考的话题。比如家庭与事业的平衡，如何定义自己的独立性，如何达成更好的人生目标等等，即便大家出身不同，选择不同，但是我们的目标是相同的。

ELLE：你是个对传统手工艺不断探索的人，但是在本次秀场装置中，我们同样在LED灯光交互性上达成效果。这让我们想起关于技术的讨论，你是否担忧人工智能会对艺术家的创作造成某些威胁。

Joana：我拥抱技术，没有技术的进步就没有文明的发展。但我始终认为人工智能缺乏魔法和那些诗意的、神奇的创造力。我是个感性的人，我愿意相信感性的力量。

ELLE：你在作品中灵活运用各种丰富的色彩，为什么色彩对你来说如此重要？

Joana：因为色彩就是光，而光是生命。