二十世纪初抽象绘画中视觉音乐的表现方式

摘 要：视觉音乐是一种具有多元化表现形式的视听联觉艺术，二十世纪初大量的画家如康定斯基、克利、德劳内等都在抽象绘画中进行视觉音乐的探索，通过文献研究可以归纳出他们在创作中使用了以绘画表达音乐特征及传达精神、利用元素塑造音乐的节奏与结构以及强调色彩与音乐音符的对应关系的三种主要表现方式，大量的实践创作，进一步强化了绘画与音乐的关系，推动了视觉音乐历史的发展。

关键词：视觉音乐；抽象绘画；节奏；对应

中图分类号：J205文献标识码：A文章编号：2096-0905（2023）02-00-03

一、视觉音乐

光学艺术家、视觉音乐中心艺术研究者、图像绘制程序Zip Art的创始人保罗·弗里德兰德（Paul Friedlander）认为视觉音乐有三种类型：第一种，视觉音乐是一种使用一组系统或规则将音乐转换成图像的方法，这些规则可以用机器或计算机代码来实现；第二种，视觉音乐是一种以视觉形式表达音乐的方式，需要艺术家、设计师或导演的积极参与来诠释音乐；第三种，视觉音乐是创造一种随着时间而改变抽象图形运动、形状及色彩的视觉关系，它与音乐本身没有太大关系，尽管它的观看总是伴随着音乐或与音乐并列出现。杰瑞米（Jeremy Strick）也称视觉音乐包括绘画、摄影技术、彩色风琴、抽象电影、摇滚音乐会、装置艺术以及数字媒体[1]。可见，视觉音乐形式丰富且属于多个领域相互交叉影响而形成，但也由于这个原因，使视觉音乐的概念与抽象影像相重叠，即认为视觉音乐是指利用形态、颜色、大小等视觉构成要素组成的影像作品[2]，故许多文献中，均以“视觉音乐”指代早期的抽象动画电影。而首次提出“视觉音乐”（visual music）这个术语的是英国艺术批评家罗杰·弗莱（Roger Fry），他在1912年以“视觉音乐”描述了俄国艺术家瓦西里·康定斯基（Was-sily Kandingsky）的抽象绘画作品。因此，视觉音乐即可以是抽象影像，也可以包含抽象绘画，甚至其他形式，它是一种广泛的概念，并会随着时间及技术发展不断地扩充。

二、抽象绘画与视觉音乐的关系

卡米尔·莫克莱尔（Camille Mauclair）曾在1902年结合莫奈（Oscar-Claude Monet）的绘画作品和德彪西（Achille-Claude Debussy）的音乐得出结论：“色度、和声、明暗度、主旋律以及主题动机是可以被音乐家和画家共同采用的。”在绘画领域中，抽象绘画是最能够体现音乐视觉化的创作方式。抽象绘画的形式分为热抽象与冷抽象两种类型，分别以康定斯基和蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian）为代表人物。热抽象的代表人物康定斯基把音乐定义为所有艺术形式中最高级的、最抽象的，表达真实与直接的情绪的，认为绘画形式应该借鉴音乐的表现方式，他在作品中一直探索音乐的旋律和内在精神的表达，他著名的作品《构成7号》被称为是一支音乐狂想曲，作品《构成8号》（Composition VIII，1923）被称为“可以看见的音乐”。热抽象在元素的表达上强调自由、随性的特征，富有激情，色彩应用上包含个人情感。冷抽象的代表人物蒙德里安在他的直线的框架中表达音乐的节奏性与协调性，著名的《百老汇爵士乐》（Broadway Boogie Woogie，1942），以三原色红、黄、蓝的块面营造节奏的变换，风格明快。冷抽象则具有理性的、秩序性的、结构性的特征，强调直线、水平线的运用，色彩应用上倾向三原色。相比之下，热抽象更加注重与音乐的关系。

三、二十世纪初抽象绘画中视觉音乐的表现方式

（一）以绘画表达音乐特征及传达精神

康定斯基即以形式和色彩塑造具有音乐特性的抽象绘画用以传达艺术的精神，罗伯特·德劳内（Robert Delaunay）通过表现光与色的韵律来传递音乐旋律。

康定斯基是一位把音乐的情感力量作为创作灵感源泉的抽象画家，他运用点、线、面的抽象形式以及色彩，创造出极具音乐特性的视觉形式。他认为“艺术必须从音乐中汲取养料”，“内在精神才是它们的唯一动力”[3]。他的不少作品均以“即兴”“构成”等音乐用语来命名。在《构成8号》中包含了直线、曲线、直角、锐角、圆形、三角形等元素，直角传达着冷静的情绪，锐角表现了尖锐和运动的性质，这些元素的精神特征在他的著作《点线面》（Point and line to plane）中均有说明。作品的左上角的圆圈是整个画面的重点，具有协调其他元素的平衡作用，康定斯基解释为：“它是许多对立的融合，它集合向心与离心于一形，使之平衡”，整个画面的元素均类似音乐符号一样流动着。

德劳内擅长表现光与色的韵律美，他把光分解为彩虹的七色，并用一种新的方法将它们在画面上重新组合，形成纯粹的抽象形式。如图1所示，在《节奏》（Rhythm）系列作品中，色彩通过圆形形式的叠加、交错组合产生音乐的节奏。作品《城市的窗口》（Windows overlooking the city，1912）也是以色彩通过不规则的几何形组合成类似万花筒效果的窗外城市景象。在他的画面中都传达着音乐和色彩的节奏，他擅于以节奏感来传递音乐的韵律以及色彩的华丽[4]。

（二）利用元素塑造音乐的节奏与结构

弗朗齐歇克·库普卡（Frank Kupka）以形式和色彩表达音乐的节奏或结构，保罗·克利（Paul Klee）通过色块和线条呈现音乐的音符、节奏及结构。

库普卡认为，绘画和音乐是紧密结合的，声音可以通过色彩和形式体现出来。他曾经说过：“我可以在视觉和听觉之间找到某种东西，并且可以像巴赫在音乐中产生赋格曲一样去完成它。”他的作品从2010年左右开始变得抽象，反映了他对运动、色彩以及绘画和音乐关系的理论探索。其中，很多作品以“赋格曲”命名，图2《Amorpha，两种色彩的赋格》（Amorpha， Fugue in Two Colors，1912）就是两种颜色以圆圈、抒情的构成方式相互旋转，表现了音乐与色彩的抽象潜能之间的密切联系。他还将光谱的色彩以节奏为基础构成画面，这点展现在他的作品《牛頓光盘》（Disks of Newton，1912）中，他把光谱中的几种色彩以圆形为基础，依据节奏性的扩散形式进行了画面塑造。此外，《垂直练习曲》（?tude pour le language des verticales，1911）中是通过垂直线、色彩的变化来表现教堂的建筑，因此，他的作品也被评价为“色彩的音乐建筑”。

克利致力于音乐与视觉艺术，他的线条和色块的组合表现了某种观念的符号、童稚的想象、客观形态本身的节奏以及乐曲的音符或结构[5]。图3他的作品《红绿色和紫黄色节奏》（Red-green and Violet-Yellow Rhythms，1920）、《蓝橙色的和谐》（Harmony in Blue-Orange，1923）和《新和谐》（New Harmony，1934）都是使用色块的组合，运用色彩与形式呈现音乐的结构，传达节奏与和谐感。《在热带花园里降温》（Cooling in the garden of the torrid zone，1924）則使用了线条，以类似五线谱的形式将元素进行构成，其中符号、字符等模拟了音乐的音符。作品《红色赋格曲》（Fugue in red，1922）中是利用运动感表现音乐旋律的，阶段性地使用色彩的明暗表现音阶的强度，创造出让人联想起多种和音的效果[6]。

（三）强调色彩与音乐音符的对应关系

罗伊·代·迈斯特（Roy De Maistre）提倡色彩音乐的理念，探索音色与色彩的对应，摩根·罗素（Morgan Russell）依据交响曲的音符排列方式进行色彩组合，奥古斯特·麦克（August Macke）寻求色彩和弦与音乐和弦的关系（见图4）。

《色彩与绘画的关系》（Colour in relation painting）是迈斯特在1919年时做的演讲，流露出了他通过色彩寻求抽象的精神变化。他与其他艺术家合作，共同探索艺术与音乐之间的关系，联合举办了“艺术中的色彩”展览来阐述自己的“色彩音乐”理论观点。目前仅存的作品《黄绿小调有节奏的构成》（Rhythmic composition in yellow green minor，1919）即把音色联系到色彩的变化上，通过多种色彩的抽象形式把声音视觉化，作品传达出他倡导的光谱颜色与音阶音符之间的和谐思想。

罗素在1912年与斯坦顿·麦克唐纳德·赖特一起创立了Synchromism，主要进行纯抽象的创新创作。罗素将色彩比作音乐，认为色彩可以与作曲家在交响乐中排列音符相同的和谐方式进行编排。他的作品《色彩交响》（Synchromy）系列均使用不规则的多种色彩几何块面通过旋转与拼接方式进行组合，画面呈现层次感，形成色彩交响的特征。

麦克认为：“是什么让音乐如此神秘可爱，并且对绘画产生了迷人的影响。但是，它需要超凡的力量才能将色彩带入音符系统。颜色确实包含音乐对位，高音和低音谱号，大调和小调，就像音乐一样。”因此，他遵循了色彩和谐或节奏的概念，不断寻找音符和弦与颜色和弦之间的密切关系。他的作品《彩色构成》（Farbige composition，1912）就是向巴洛克时期的作曲家及演奏家约翰·塞巴斯汀·巴赫的致敬，巴赫被认为是音乐史上最杰出、最重要的作曲家之一。作品中运用线条、图形以及色彩传达了巴赫音乐的视觉效果。

四、结束语

二十世纪初的抽象绘画与视觉音乐的关系密切，由于音乐性思想的存在，大量作品展现出视觉音乐的效果，或者说本身就是“视觉音乐”。在绘画作品中表现视觉音乐主要有以绘画表达音乐特征及传达精神、利用元素塑造音乐的节奏与结构以及强调色彩与音乐音符的对应关系三种方式，分别由不同的艺术家为此探索与创作。康定斯基、德劳内运用绘画元素表述音乐精神；库普卡、克利擅于以形式和色彩呈现音乐的音符、节奏及结构；迈斯特、罗素、麦克热衷于探索色彩与音符的对应关系。虽然表现视觉音乐的方式有所不同，但都是在强调绘画与音乐之间的共通性。抽象绘画的视觉音乐表现为之后抽象动画的出现与发展奠定了一定基础，并影响深刻，其也成为视觉音乐发展史上不可或缺的一部分。

参考文献：

[1]克里·布劳赫，奥利维娅·马蒂斯，等.视觉音乐：自1900年以来的艺术与音乐通感[M].纽约：泰晤士何与哈德逊公司，2005.

[2]朴尚贤.视觉音乐的美学特征[D].韩国数码设计学研究，2012.

[3]瓦西里·康定斯基.艺术中的精神[M].重庆：重庆大学出版社，2017.

[4]金智妍.关于通过音乐可视化进行纹理样式设计构思的研究——以大众音乐不同体裁的特征表现为中心[D].韩国中央大学，2012.

[5]乌苏拉·雷恩·沃尔夫曼.保罗·克莱绘画与音乐2016[EB/OL]. https：//interlude.hk/paul-kiee-painting-music/.

[6]金浩.关于视觉音乐中出现抽象性共鸣的研究[D].韩国内容学会，2016.

作者简介：成寓寓（1988-），女，江苏泰州人，博士，讲师，设计学专业，从事视觉传达及影像设计研究。