陈洪绶绘画中的“情”与“色”

赵江江 （西北大学 艺术学院，陕西 西安 710000）

明代是中国画发展的一个复兴阶段，中国画在经历落寞、沉寂之后得以复苏发展。这一时期在活跃的文化氛围下，孕育了大量杰出的中国画画家，如戴进、唐寅、仇英、陈洪绶等，也分离出不同的派别，如浙派、吴门画派等。各家对传统的各种艺术手法和风格语言广摄博取、不拘一格，并加以创新突破。晚明的陈洪绶借此良机，博采众长，融合发展，形成独具特色的艺术语言，既为明代中国画的发展起到推动作用，又为明代以后中国画的发展奠定了基础。

一、动之于“情”

陈洪绶的诸多人物画作品中，不少是以旷达悠然的高士和雅致柔美的仕女为创作题材。这一份偏爱也正折射出他内心的用情之处。唐初僧人颜悰评展子虔：“触物为情，备皆绝妙。”他指出，画家在参物绘形期间，会触发眷恋之情，进而由“情”产生创作的欲望，在创作过程中以“情”入画，其作品才能打动人，因此也就成了绝妙之品。陈洪绶的作品得此精妙，体现在他作品的毫厘之间，给人以无限遐想。

中国是诗词大国，而诗词往往与书画紧密相连，唐代诗人王维开辟“诗中有画，画中有诗”之先河。后来随着文人画的兴起，更多的文人士大夫在舞文弄墨的同时，会在画里聊表自己的诗书之情。陈洪绶一生虽放荡不羁，但这是他在历经坎坷之后对人生、对生活的一种释然。在他的诸多人物画中，借古怀今的作品有很多。借以古人闲适放达的生活状态，慰藉自己所遭遇的不幸。陈洪绶的《玩菊图》（图一）约于1645年所作，纸本设色，长118.6厘米，宽55.1厘米，现藏于台北故宫博物院。晚年的陈洪绶纵酒自放，追求陶渊明般的田园生活，平日里更是乐于与花草为伴，通过赏花作画表达情思。

《玩菊图》中，一石、一木、一人、一花束，极为高雅静谧，高士手扶杖，端坐于木瘤矮凳上，神情自若，静赏眼前的菊花花束。画中每一物都设计得十分精妙，布局细微得当，古拙雅趣，表现了作者热爱生活的高雅情怀。陈洪绶晚年经历坎坷，起起落落，艺术创作便成了他抒发内心情感最好的方式。他似乎对生活中的每一物都饱含热情，他笔下的一树一叶、一花一草都充满了生命力，以至于看他的作品有栩栩如生之感。

陈洪绶作品中用“情”之处不仅在画面的情境设计，还在于他构图的意境之美、笔墨韵味之美、色彩清新淡雅之美。《玩菊图》留白居多，为主体形象的高士处于画面的中心位置，左右衬以石与木，与题跋呼应，形成近似三角形的构图形式。后景的大片留白空灵幽谧，带给人无限遐想。画面整体给人以沉稳、和谐的美感。作者创造性地将人物与花鸟相结合，巧妙地运用笔墨技巧将不同的物体“随类赋彩”，笔墨的浓淡干湿，一气呵成。在人物上他以刚劲、曲折、飘逸的线条描绘出老者的幽静与洒脱，与用笔古拙妙趣的木瘤凳形成对比；插花与石头用笔一刚一柔，和谐稳定。整体画面用笔多变呼应，浓淡疏密，气概成章，意蕴无穷，给人以强烈的审美感受。陈洪绶惯用清新淡雅之色，画中多透露出高古的格调，他不趋时流，摒弃艳俗，以墨为格，“以笔为帅而色从之”，强调笔与墨化，墨与色化，在色与墨的交互运用中，营造出古韵盎然的画面。画中整体色彩淡雅，插画以石、人与木为题材，黑白相间对比鲜明，充满节奏感和韵律感。

陈洪绶佳作诸多，《玩菊图》只在其一。陈传席曾评价：“陈洪绶的画是当代所无，前代不能笼罩，后代亦难以企及的。”可见其影响之大。后人多喜欢他个性的人格，艺术独特的风格，可想“骐骥千里，非一日之功”。他艺术风格的形成不仅需要千锤百炼的研习，更是需要一颗多“情”的心。

图一 《玩菊图》

图二 《调梅图》

二、好之于“色”

每个时代都有各自不同的审美标准，对“美女”也有着不同的审美准则。我们在陈洪绶的仕女图中看到了明代的妇女形象，看到了陈洪绶这样好“色”之徒眼中的美女。陈洪绶“好女色”，对此他从不避讳，更是在绘画作品中大量表现，代表作品有《行乐图》《对镜仕女图》《调梅图》等。陈洪绶所画的仕女，没有脱离其人物画奇崛高古的总体特征，但又留有艳丽柔情的风韵。

《调梅图》（图二）是陈洪绶写意性人物画中的典型之作。以绫为材，长129.5厘米，宽48厘米，藏于广东省博物馆。图中描绘的是主仆三人在火炉旁调梅的情景。桌案旁，两个丫鬟围于火炉之间，相对而立，一人端盛梅子的托盘，另一人一手拿筷子伸向盆中，一手正要去拿盘中的梅子。身后的石椅上坐着一位贵妇，清雅素朴，却又不失雍容华贵。中国传统绘画不论山水、花鸟、人物都以留白凸显意境之美，开阔空灵的视觉效果，令人心驰神往。《调梅图》亦是如此，主体人物处于画面中心位置，背景大片留白，下图又以比例被缩小的侍从相衬，明显突出主要人物。画中女主人，神情淡然，若有所思，眉目间的女性忧郁之美被体现得淋漓尽致。女主人手持落墨团扇，似乎表明此女子腹有诗书之气。

陈洪绶在人物用线上清雅、柔美，塑造手法极为细腻，将古代女子的特有质感完美地表现出来。画面中的三个人物以动、静相对体现，女主人的静谧和侍从的活泼为整体画面增加了些许趣味、生机。陈洪绶人物画除了新奇的造型特征让我们惊叹，他对画面表达的细腻程度让人更是钦佩。画中除人物之外的一花、一石乃至每一器物都可看出他所投入的情感，单一取出一部分都可称为完美精致之作，但他又不拘泥于传统的工细刻画，还加入了自己对客观事物的理解和改造，画面才多了分意趣、怪诞之美。同样，《调梅图》在设色方面依旧清新、雅致。人物衣褶、插花、木圆凳等经过晕染、赋色，物体体积感明显加强。整体而言，墨色与淡彩相间，清雅点缀，追求典雅脱凡之美，摒弃艳俗，显画面高雅之风。

众人都说老莲好色，但又何尝不是被这种“好色”精神所折服。爱美之心人皆有之，更何况才华出众的大艺术家，并且他不只是简单表达爱，而是付诸行动，爱得厚重，把爱化为艺术，化作一种精神力量，成就伟大的艺术事业，为中国画的传承与发展作出巨大贡献。

陈洪绶的好“色”还表现在绘画中色彩的运用。不难看出，陈洪绶的作品大多都赋了颜色，他紧紧抓住《六法论》中“随类赋彩”这一艺术准则，尚古意，色彩复古、淡雅，时有艳丽颜色，但也不落俗套。

老莲的花鸟画堪称一绝，造型特征和构图方式前无古人后无来者，色彩的运用更是独树一帜。作品《荷花鸳鸯图》（图三），工笔重彩设色卷轴画。他生动地描绘了这样一番祥和之境：盛夏之时，一对含情脉脉的鸳鸯在长有荷花、奇石的池塘里悠闲戏水，待捕食物的青蛙、觅香的蝴蝶、漂浮的荷叶，令人心旷神怡。画面整体赋色古朴淡雅，石绿色的荷叶沉稳典雅，衬托出荷花的玉白柔美，印证了刘禹锡所说的“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”，敷以赭石色的怪石，瞬间拉开了画面的纵深感，青蛙和蝴蝶的用色很难与荷叶荷花区分，近乎一体，不仔细看很难发现，但这正是陈洪绶的情趣所在，他似乎要给观者一个惊喜。鸳鸯的用色相对整体画面略显丰富，但不跳眼，精细的画法和靓丽的色彩属于点睛之笔。

中国画虽没有西方绘画中的色调一说，但是在整体色彩把握上，同样能做到统一、协调。《荷花鸳鸯图》纵长183厘米，横长98.3厘米，尺幅很大，设色难度相对较大，但是陈洪绶把握精准，画作整体用色呈赭石色，随类赋彩但又紧密相连，富有节奏感、层次感，虚实相接，可以说是传统绘画色彩中的典范作品。

图三 《荷花鸳鸯图》

三、结语

发展需创新，而这种创新需站在传统的肩膀上才能做到，陈洪绶立足于此并付诸行动。明代中国人物画的发展绕不开陈洪绶，他继承传统、开创新风，形成了自己的审美风致和文化个性，不断超越前人，为中国人物画、花鸟画的复兴发展增添了新动力。

今天，陈洪绶的作品依旧能够为我们提供许多启发，这不单单是关于技法层面，更重要的是在于艺术思想层面。

首先，陈洪绶研究学习优秀的传统人物画家，比如李公麟、唐寅等，博采众长，更是大量地临习。他不仅学习传统人物画，还学习金石学、花鸟画、山水画，在不同的艺术语境下迸发创作灵感。

其次，更重要的是，他“情”与“色”的投入。好的作品仅有技法是远远不够的，能打动人的往往是作者倾注的情感和文化思想。陈洪绶一生历经坎坷，内心情感丰富，对生活的理解与认识也是超过事物本身，他的作品是有感而发，画面所呈现的意境也是让人慨叹的精神世界。还有，陈洪绶之所以被人称为“老莲”，是因为他嗜画莲花且如痴如醉，所画莲花精美绝伦。“老莲”这一称号附加的更是他追求艺术的不懈精神。

中国画是中国文化体系中不可或缺的一类，其所承载的民族文化思想和时代特征是其他艺术类别不可替代的，发展中国画是建立文化自信的重要手段。画家需要有社会担当，肩负起促进艺术发展的重任，陈洪绶为明代中国画的复兴作出了巨大贡献，为后世提供审美价值，树立文艺精神，这是我们艺术学习者理应追求的目标。