《倒数时刻》的再创作：兼论百老汇音乐剧的电影改编

尹 达

(长春大学音乐学院，吉林 长春 130022)

一、《倒数时刻》的电影再创作

《倒数时刻》的文本源头相比于其他改编类电影创作更加复杂，从内容上讲，这部电影主体框架改编自美国知名音乐剧编剧乔纳森·拉森的同名音乐剧作品，同时电影的改编也在剧作家的真实生活中大量取材。从音乐剧原作和作者现实生活的关系上看，《倒数时刻》音乐剧本就是乔纳森·拉森在处女作屡次被拒后创作的带有自传性质的作品，这部音乐剧在人物和场景上的要求都非常少，以相对简略的叙事完成了主人公的创作生涯自述。此时他最具代表性的作品《吉屋出租》还未诞生，个人生活处于前路不清阶段，因此在剧作中表现出主题的也只是对当下生活的苦闷思索以及对创作理想的坚持。[1]从现实生活和音乐剧本的关系上看，《倒数时刻》剧本的出现实际上是乔纳森·拉森人生阶段的一种记录，不论是在体量上还是在主题内蕴上相对而言都比较精练。而从电影改编的角度上看，《倒数时刻》的电影文本虽然主体框架来自同名音乐剧本，但是在内容上涵盖了乔纳森·拉森取得辉煌艺术成就和不幸患病去世的人生阶段，在文本内容和主题表现上有更大的表现空间，呈现出的艺术效果也与原剧本之间产生了极大不同。

具体来说，在文本内容方面，电影《倒数时刻》的开篇通过具有怀旧风格的场景明确交代了两方面的问题，一是文本叙事的主人公身份，二是在现实生活中主人公取得的创作成就和遭遇的不幸人生。电影一开始所表达的这两个方面的内容，前者和音乐剧文本有着密不可分的联系，这也是接下来文本叙事的主要线索，而后者则是电影对音乐剧文本的一种补充，这一补充与原作剧本的主要内容形成了非常强烈的反差。原作剧本中这一阶段的作者人生即将步入下一阶段，身边的好友和恋人都因现实生活而离开了曾经钟爱的艺术领域，作者在艺术创作上的境遇以及现实生活的艰辛也让他开始重新思考自己对艺术创作坚持的意义。这种对理想坚持的呐喊与现实生活相对应之余更显露出了一种困惑和迷茫；而电影文本中因为增加了其个人生活的结局与成就，这样对艺术理想的坚持也就更容易收获观众的青睐。同时，电影在内容上补充了大量主人公的生活细节，如果说音乐剧原作是创作者在表达自己生活所面临的重大转变的话，那么电影创作则在内容上具体描述这种转变产生的重要原因，原作中具有抒情、抽象的感情描述在电影中转变成了具体、现实的生活内容。这就形成了更为具体、真实的电影的观感，这也是电影再创作的一个重要进步。

从文本创作的视角看，音乐剧由乔纳森·拉森本人亲自创作，其中与现实生活的密切关联在文本中以非常主观的方式表现出来，剧中的表演正是“我”对生活的思索与探问，但是对于电影改编来说，这种自传体通过一种“致敬”的他者眼光叙述出来。这种“我”与“他”的区别在电影的叙述形式上有着非常充分的体现。乔纳森·拉森的个人生活都是在音乐剧的主要曲目中展开的。比如电影开篇的第一首曲目《30/90》，在电影的表演中除了还原原作音乐剧的舞台表演之外，还补充了好友和女友在生活场景中的合唱，这种场景的快速转换是音乐剧所不能及的，同时在电影的叙述过程中更加强调了“旁观”的叙事视角。在这个曲目中，镜头对舞台表演的叙述首先带给观众的就是旁观式的，在曲目表演过程中出现的生活化场景既是对这一曲目的影像注解，同时也是一种观看舞台的延续。在电影结尾的曲目LouderThanWords的表演中，主人公的好友、女友悉数到场观看演出，演唱中也添加了众人为主人公庆祝生日的场景作为电影的结束。这些叙述方式将创作者的自我言说变成了一种他者的记述，虽然同样是传记性质的文本，但是原本音乐剧中具有主要叙事功能的曲目，在电影中成为带有章节划分功能的音乐蒙太奇，不仅成为叙事内容的一部分，也在叙事结构上发挥着作用。

原作音乐剧中叙事连贯性、舞台纵深感在观感上都是比较弱的，在主题方面也同样如此。这部音乐剧的创作是作者自己对前路还抱有犹豫和期待，所以在剧作的主题方面可延展的内涵空间是有限的。但电影的改编除了继承原作在对人生理想的追求、艺术原则的坚守的主题之外，也添加电影创作者对这位才华横溢却命运多舛的剧作家的敬意。电影中有很多相关从业者参与客串，甚至电影导演正是知名音乐剧《汉密尔顿》的作者曼努尔·米兰达。在表现音乐剧创作和表演的背后的辛酸历程这一主题上自然也是水到渠成了。

二、从剧本到电影：新世纪百老汇音乐剧的电影化潮流

百老汇是西方重要的音乐剧表演胜地，不仅拥有着大批拥趸，更是音乐剧作品质量的保证。在其发展的漫长时间中，涌现出了许多艺术审美和市场评价都非常高的优秀作品。[1]在这些作品中被改编为电影的当然也不在少数。

众所周知，音乐剧的表演是存在于舞台上的，它必须由观众观看和演员表演共同组成，这种演出艺术特点具有很强的时效属性和阶段属性。时效属性自然是体现在具体的每一场表演因为现场表演的原因都会存在着细微的差别；阶段属性则是不同的表演团队在艺术诠释上都会存在着不同。[2]因此，虽然从整体上看，一部音乐剧是一部完整的、自足的艺术作品，但是内部依旧存在着丰富、复杂的变化。从艺术类型上看，音乐剧区别于一般舞台剧的最主要特征是音乐剧中大量的歌舞作品，这些音乐作品有时并不是聚焦于叙事的功能，而是在整体文本中发挥着抒情的作用，虽然客观上也可以为叙事提供主观情感色彩的氛围，但是将音乐剧简单地归类为音乐作品或者剧本作品都是不完全正确的。而正是这种浓厚的抒情性特征，让音乐剧更容易将文本中的感受与情绪传递给观众。

电影对于音乐剧的改变，尤其是对对知名音乐剧作品的改变基本上都保留了原作中的主要音乐作品，甚至将音乐作品作为电影的主要叙事内容，进而形成了非常成熟的歌舞类型的电影。事实上这种改编的历史可以追溯到20世纪中叶，而新世纪以来这种改编取得的成绩和规模都是前所未有的，首先音乐剧改编成电影是一种艺术发展的必然，音乐剧因其艺术表现形式的特殊性，导致作品的呈现无法在新媒体盛行的今天进一步扩大自身的艺术影响，即使现场录制，也不能完整地还原出文本艺术的全部内涵。这时能够准确还原现实、表现更加稳定、视听技术更加成熟的电影艺术类型无疑是音乐剧在新的时代背景下克服自身问题的最好选择。

其次，音乐剧在新世纪电影改编的初次尝试就取得了巨大的成功，电影的艺术魅力通过改编彻底地显露了出来，音乐剧的电影化改编步入了新的阶段。“2002年美、德合拍音乐片《芝加哥》由初出茅庐的电影新导演罗布·马歇尔和著名编剧比尔·康登根据百老汇热门舞台历史剧改编而成。影片被影评家评为2002年十佳片之一，囊括2003年美国第75届奥斯卡奖13项提名和6项奖是本届金像奖最大的赢家。”[3]《芝加哥》的电影改编保留了音乐剧中的主要音乐作品，并在电影中搭建了种类多样的“舞台”进行专门的表演，歌舞与叙事巧妙地结合在一起，通过歌舞形式表现人物的内心世界从而完成对主要人物的塑造，将音乐剧的艺术优势同电影的艺术优势紧密地结合在了一起。[4]这部电影的出现与成功宣告着音乐剧电影改编逐渐走向成熟，紧随而来的诸如《吉屋出租》《倒数时刻》等电影化改编正是这种再创作走向成熟并形成潮流的有力佐证。

最后，新世纪以来电影改编的文本风貌同之前的改编作品相比有着内在的显著不同。从改编创作中不难发现，这些堪称经典的改编严格意义讲都不是音乐剧原作的“再现”。在20世纪的改编中，电影往往忠于音乐剧的原作，不论是演员表演、叙事空间建构还是主要的情节，都紧密地围绕着音乐剧的原作风貌。这种改编其实是将音乐剧的文本呈现固定下来，形成一种“经典”版本，虽然可以弥补音乐剧的艺术表现短板，但是并不能使其真正脱离音乐剧的审美方式，从而彰显出电影文本的艺术优势。而新世纪以来的电影改编中，创作者不仅会对原作中音乐的出现顺序进行调整，甚至在主要情节及文本主题的表现上也会出现再创作的现象。《倒数时刻》中的这种现象自不必说，像《吉屋出租》中，音乐剧中开场是主人公进行的无主题拍摄，拍摄这一行为所带来的旁观式观察只能停留在对身边个体的观察上，很难延伸到整个社会空间中去，但是电影中开场的拍摄，是从展现城市、展现社会开始的，这样就使文本的主题更容易走向深刻。电影的改编还将能够凸显主题，SeasonsOfLove原本放在开篇，在音乐剧中这首歌则是安排在了结尾处。因此相比音乐剧卒章显志的表现方式，电影改编更加需要在短时间内吸引观众。也正是因此，电影化之后的文本在主题上更便于理解，形式上也更多变，成为电影再创作的潮流。

三、电影改编与对音乐剧的扬弃

综上所述，我们可以将电影改编的优势总结为三个方面。一是在传播过程中的便捷化。这一点在互联网、高清视频等多项技术走向成熟之后体现得更为明显。通过电影化改编，原作的传播形式得到了极大的拓展，这种拓展甚至会影响未来音乐剧的生产和消费方式；二是在表演版本方面可以将艺术表现方式基本固定下来，进而实现原作文本的经典化。电影版本的音乐剧可能会受到更广泛的关注，尤其是优秀的电影改编，不仅可以进一步扩大音乐剧原作的影响力，更能与原作之间形成互文，深化原作的审美内涵；三是在人物塑造、叙事空间以及文本主题等方面的进一步丰富。在电影改编中，会在原有的音乐剧基础上增添更多的人物，同时将叙事所处的社会空间进一步完整地再现，从而将文本主题更清晰地表现出来。

同时，改编作为一种创作过程也不应当局限在固定的文本模式中，但不能抛弃原作艺术形式的审美特点。音乐剧的改变还是应该在音乐的这一基本立足点上，将原本文本中的叙事和主题进一步与当下的社会需要和文化生活结合在一起，而不应该单纯为了传播便捷化、文本经典化、表现丰富化就罔顾原作中的艺术成就。