英国舞台管理专业教育的百年演进——以伦敦大学皇家中央演讲与戏剧学院为例

星海音乐学院/高骊萍

1906年，41岁的埃尔西·福格蒂（Elsie Fogerty）女士在伦敦皇家阿尔伯特音乐厅西廊创办了一所学校，它就是皇家中央演讲与戏剧学院（Royal Central School of Speech and Drama）的前身。这位曾为英王乔治六世治疗过口吃问题的著名言语、演讲训练专家坚信教育对于社会的重要性，一生致力于将戏剧研究与教学作为一门学科去推动。

一、1906-1947：初创时期的课程与专业

中央演讲与戏剧学院（下文将简称“中戏院”）最早的“三驾马车”是言语纠正、舞台表演以及师范专业。福格蒂本人就是演员加言语治疗师出身。她不但进行朗诵、辩论、韵律与诗学、戏剧史等课程的教学，还在伦敦南岸的圣·托马斯等多家医院开设门诊，进行言语纠正临床治疗。舞台表演方面，中戏院向世界输出了众多的杰出人才，劳伦斯·奥利弗（Laurence Olivier）和佩吉·阿什克罗夫特（Peggy Ashcroft）就是1925年毕业，经由福格蒂训练出来的杰出表演艺术家；其言语治疗和师范学生更是遍布全球，在各自的领域担当要职。1942年，76岁的福格蒂不再担任校长，继任者格温妮丝·瑟本（Gwynneth Thurburn）在接着下来的25年中，因同样坚毅执着的工作作风以及在言语治疗、演讲和嗓音训练方面的声望而使得中戏院一直保持着领先地位。

二、1947-1960：舞台管理从课程发展到专业

哈佛大学戏剧系成立于1912年，耶鲁大学戏剧系成立于1925年，而英国历史上的第一个大学戏剧系则是由托马斯·塔伊格（Thomas Taig）于1947年在英国的布里斯托尔大学开创的。

早期，中戏院的舞台表演专业和师范专业一直都在进行舞台管理技巧方面的教学，涉及服装、道具建构以及灯光应用物理学。作为课程训练的一部分，舞台表演专业的学生演出时，其它学科的学生必须作为舞台管理人员参与。中戏院招收舞台管理专业的学生也始于1947年，每年仅招收两名学生。从中戏院毕业的学生斯蒂芬·约瑟夫（Stephen Joseph）回到母校，成为舞台管理专业的第一位负责人，在技术设施极其有限、只有最基本照明的阿尔伯特音乐厅西廊小剧场开始了一整套全方位的舞台管理专业课程。

在50年代初，中戏院形成了“四足鼎立”的专业格局，在原先言语纠正、舞台表演及师范专业的基础上增添了舞台管理专业。1953年，有10名舞台管理专业的学生入学，学习舞台照明、布景设计、道具制作和服装管理。1957年，学校从皇家阿尔伯特音乐厅迁出，主体搬到了伦敦西北部瑞士农舍片区的使馆剧院所在建筑，舞台管理的学生增至12名。

三、1961-1989：化教学为技能与作品

1961年，中戏院设立了三个不同的系部，分别是舞台表演系，为期三年；舞台管理系两年；师范系学生通过三年的学习则可以获得教师资格证以及伦敦大学戏剧艺术文凭。1963年，舞台管理专业更名为技术专业，与舞台表演专业一起划归到戏剧系。舞台管理专业的招生简章明确说明：这个为期两年的技术专业是为不当演员或设计师，却想要在剧院工作的人准备的；为想要成为舞台经理、制作人、导演或专业人士的人提供舞台灯光、音响、舞台管理或电视方面的经验。在接下来的十五年中，从这个专业中走出了许多业界精英，包括因对莎士比亚、布莱希特、布里顿和易卜生等人作品的诠释而闻名并获得英帝国二等勋位爵士（CBE）的戏剧导演黛博拉·华纳（Deborah Warner），在音乐剧、古典和现场演出方面卓有成就的音乐总监杰·亚历山大（Jae Alexander），以及为全世界所熟知的、被称为“世界上最成功、最有影响力、最具影响力的戏剧制作人”，并于1996年获皇家封爵的卡梅伦·麦金托什（Cameron Mackintosh）。

20世纪70年代，剧场风格出现了显著的改变，而中戏院技术课程则与时俱进。与表演专业不同的是，技术专业的学生除了必须上朗诵及声乐（包括个别课）、形体、阅读、音乐、化妆和舞蹈课，还要学习服装和舞台表演历史、灯光和音响课程；布景及道具工作坊；流程与组织课。他们学习剧目，参加制作研讨会，在剧院里练习，制作模型，研究不同的历史时期，建造布景，在服装部门工作。他们还要学习设计和电工学，懂得如何绘制照明图，制作提示手册和绘制比例图。第二年，也就是最后一年，技术专业的学生被派到表演专业学生三年级的毕业作品中去做舞台经理、服装、灯光、道具或工作人员，学为所用。“……我（在中戏院）所受的舞台管理训练和经验在此后的每一份工作中都是无价的。”做过伦敦南岸中心表演艺术总监和华威艺术中心总监，并在英国艺术委员会担任过戏剧艺术评估师的朱迪·迈尔斯（Jodi Myers）是72届的技术专业学生，她回忆说：

“我想我在中戏院学到的最重要的课程之一，就是做好准备每天进行长时间的工作，并去承担责任——其实，在中戏院比入行后还要辛苦的（这么说并不是说在剧院工作就很轻松），但它是一个丰富多彩的学徒期。我从1974年开始就不再从事舞台管理工作，但在艺术委员会所从事的市场营销、场地管理、委托与展示以及咨询工作等职业生涯中，一直都在使用在中戏院学会的许多技能。舞台管理培训是非常棒的专业，而我们还小小地体验了一些演员要学的课程，帮我们更好地理解他们所承受的压力，理解他们的工作是怎样的。

在80年代初，中戏院的技术专业得到了全国戏剧培训委员会（NCDT）的认证，从1982年进校的第一批舞台管理学生在1984年夏天获得商业/技术教育理事会（B/TEC）高级文凭。

四、1990-1999：锐意改革成果斐然

整个90年代，中戏院不仅开始反映戏剧的变化，也帮助塑造了戏剧的未来。由于师资、场地、学位授予等多方面复杂因素，作为中戏院立校根基的言语纠正专业被取消了，而成立了制作、艺术和设计系。这是将近半个世纪内中戏院成立的第一个新系，取代了之前的“三驾马车”，成为全英国最大的“戏剧系”。1993年开始的戏剧研究文学学士专业（BATS），第一次把戏剧设计带到中戏院的本科教学。这个专业促进表演、舞台管理和设计诠释密切合作，开创了一系列的表演活动，将灯光、声音设计、木偶戏以及布景和服装、设计专业的学习与实践过程完全地融入了合作和排练过程中，去创作毕业作品。1997年，戏剧研究文学学士专业与舞台管理和设计诠释文凭合并成为戏剧实践（荣誉）学士专业。世纪末，外部评估员在对整个90年代十年的本科专业教学进行评估时，制作、艺术和设计系全部 课程均取得了全优评级。配合新兴学科的开设，中戏院还租用了距离学校1.5公里，拥有60个观众席的狮子与独角兽酒吧剧院，为本校培育的剧团提供演出场地。而在20世纪90年代早期，两个独立的设计和创意戏剧的研究生文凭专业合并成高级戏剧实践硕士（MAATP）专业。在其中，包括演员在内的所有表演者、编剧、布景、灯光和音响设计师、木偶师和创意制作人共同协作成立了剧团，策划并呈现不同主题的节目。

这个时期中戏院的学生作品像中戏院的专业教学一样明显超前。其开创性的特点就是利用废弃的教堂、工厂、船坞、仓库等特定场地所进行的戏剧制作。其中颇有影响的包括刚从学院毕业、任巴特西艺术中心（Battersea Arts Centre）艺术总监的大卫·朱布（David Jubb）在名为“剧终”的夜总会合作演出的主题俱乐部表演《剧终》，彰显了伦敦外西区的活力和独创性；毕业后成为苏格兰戏剧公司格铁（Grid Iron）联合艺术总监的本·哈里森（Ben Harrison），从《血腥的房间》这部作品开始，不断“开创了一种追求场地与主题完美结合的艺术风格”。1998年，10名背景各异的高级戏剧实践硕士学生决定成立一家剧团，他们共同承担伦敦东区一座铁路拱门的租金，为剧团和演出场所命名“分流”（Shunt），并制定了“探索现场活动”的院团使命，将戏剧与马戏、舞蹈和视听艺术相结合起来主导空间，策划创造出由本团成员以及客座艺术家共同打造的特定场所的夜间合作表演，并通过酒吧这样的社交空间丰富观众的体验，通过对空间和观众的利用改变了英国的戏剧舞台，成为沉浸式戏剧的早期实践者。

五、2000-2020：用作品体现成绩

进入21世纪，在获得独立的学位授予资格，并成为伦敦大学的一个学院之后，中戏院设立了三大板块的本科及研究生课程，分别是表演、嗓音与形体，创意、设计与制作，以及戏剧与应用戏剧。其中舞台管理专业设置在本科阶段的戏剧实践学士学位课程当中，与服装结构、表演设计、作品灯光、道具制作、舞台和屏幕布景绘制、舞台和屏幕布景搭建、技术与制作管理、照明设计、剧院音响等专业并行，三年学制，每年三个学期。通过学习，要求学生建立对当前的文化景观和艺术在社会中的重要性的理解，在与专业公司和个人的合作、实验和交流中学习到涵盖戏剧制作各个方面的基础知识和核心技能，并能通过参与制作的机会，体验到多种多样的实践方法，包括社区剧场、小规模边缘戏剧、设计、实体、视觉、特定场地制作和沉浸式剧场等。

2020年3月，在中戏院校内的一个排练演出空间上演了戏剧实践系（Theatre Practice）一年级的学生作品《迷情——基于2017年同名电影的画面呈现》（The Beguiled -a tableau inspired by the 2017 film）。在被学生引导员带入演出前厅区域后，映入眼帘的是投影在白色幕布上电影《迷情》尾声的画面：7位女性角色端坐餐桌前。随后，观众被带入下一个黑暗空间，在微弱的灯光中，可以看到角落里舞台控制和音响工作台几位男生工作人员的面庞。等所有的观众在指定区域随意站定后，灯光伴随音乐亮起，投影画面上的7位女性由学生着装带妆静态呈现，餐桌上的餐具食物、身后的壁炉炊具是故事所发生的美国内战时期的风格、色泽与质感。大约五分钟后，音乐结束，大灯亮起，演员起身谢幕。接下来是演创人员与观众随机交谈的时间。原来，地面上标识出了最佳视角，站在那里所看到的就是与投影上角度完全一致的电影画面。从交谈中还了解到，学生们为了这个项目准备了三个月，史实研究花去了最多的时间。家具和道具有租借的，有从祖父母家中搜寻来的，还有一些是用现代的日常用品改造的；毒死剧中男主角约翰·麦伯尼的一小篮子毒蘑菇是由一位负责道具的女生在市场上买到形状大小合适的蘑菇，然后通过颜料涂画等方式加工的。演出场地后面的区域设置了展览，分别摆放了道具、布景、服装等部门从原材料、制作设计图以及展现每一步制作过程的模型。

五、2020-未来：因应疫情预备重启

2021年，舞台管理专业三年的学习目标为“三级跳”：完成专业戏剧制作概论—导师辅助探索个人目标—准备入行。中戏院舞台管理课程负责人彼得·麦考埃（Peter Maccoy）说：舞台管理“是把一个作品粘在一起的胶水”，具有制作前、排练中，演出中以及演出后的全盘的协调职责。而今天的公司会议、大型活动、音乐节现场、直播的电视节目和历史剧中等许多行业都有舞台管理人员，如何组织和管理人员、安排事务和时间，中戏院教会了他们许多可转用的技能。

中戏院的研究生阶段不再有专门的舞台管理课程，而是融合在创意制作、高级戏剧实践和应用戏剧等多个课程里。早在招生阶段，就注重吸纳来自不同背景的学生，其中不乏有经验的舞台管理人员或制作人，以及来自不同国家的志在戏剧投资与管理的人选，“让学生从自己已经拥有的东西开始”。秉持“职业教育”的大方向，注重实践能力的培养，给与学生面对问题、解决问题的工具与信心。研究生创意制作学科负责人杰西卡·鲍尔斯（Jessica Bowles）说：理论是建立在更大的行业概念上，而在中戏院的学习当中，会让你“打开冰箱，看看里面具体有些什么”。总结其教学特色有：

（一）“引进来”：常年聘请行业专业人士作为客座教授，教学内容与行业发展同步，强调学习过程中导师针对个人的引导作用；

（二）“领出去”：在校内学习阶段通过具体的项目和实习工作与行业广泛深入接触，学生时期已入行；

（三）“与人连接”：对沟通能力的培养高于书本知识的灌输，通过磨练与人打交道的技能更好地完成项目；

（四）“同学互助”：建立学生群组，把互相帮助支持作为课程要求，学生在作为独立个体的同时，学会给与支持和寻求支持的工作方式。

2020年初，面对一场突如其来的疫情，全球的戏剧业一夜之间陷入了停工停产的处境。英国国家剧院、皇家莎士比亚戏团和著名音乐剧创作人韦伯等表演艺术机构将自家先前录制好的剧目放到网上视频平台，每周定时进行免费播放，发挥了艺术引领民众共度难关，聚拢民心、提振人心的作用。中戏院则通过网课和云开放日等方式，积极展开了导师与行业、教师与学生、学校与考生之间的对话，共同谋求面对疫情最佳的可行性解决方案，提出对未来戏剧制作与传播形式的思考。

六、结语

作为最早进入世界高等教育的戏剧学校之一，百年来，伦敦大学皇家中央演讲与戏剧学院的发展远远超出了其创始人的想象。在各个历史时期，它的教学与艺术实践既受到时代的推动，又为时代所影响和制约。不同的校领导和学科带头人也在自己的任期内表现出了不同的治学理念与特点。这样因时因地因人而治，注重与广泛的艺术环境密切联系，不断创新的办学，体现在了舞台管理的课程演进当中。

随着我国经济实力的飞速增长，各地市在文化场馆的建设上投入巨大，而目前全国仅有为数不多的院校开设了剧场管理和舞台管理的课程与专业。如何让这些硬件精良的剧场在专业的管理下健康运营，成为了接下来摆在业界和教育界面前的重要任务。英美国家戏剧教育的百年演进，从宏观的发展脉络到微观的院系运作，都值得我国艺术管理教育者的观察与借鉴。