钢琴和小提琴作品二重协作性分析——以贝多芬《春天奏鸣曲》第一乐章为例

范迪雅

小提琴第五号奏鸣曲《春天》创作于1800年下半年，是贝多芬小提琴奏鸣曲中最为著名的一部作品。创作这部作品时贝多芬已31岁，创作技法及个人风格已经基本形成，作品中所呈现的自信乐观、充满朝气的精气神正是贝多芬个人精神面貌的体现。此时的贝多芬创造力旺盛，他孜孜不倦的向海顿、莫扎特等古典主义大师们学习，从他们的作品中汲取养分，悉心研究作曲技法，同时寻求突破，所创作的作品具有划时代的突破性。值得一提的是，“春天”这个标题并非贝多芬本人所作，是谁给其命名为春天现如今已无从考证，但可从这首奏鸣曲春天般生动明媚的主旋律中窥见一斑。贝多芬创作这部作品期间正值法国大革命时期，法国大革命所宣扬的“自由、平等、博爱”的思想深深打动了贝多芬，受此影响，这部奏鸣曲中到处充满着积极向上的旋律和思想。[1]他的小提琴奏鸣曲既遵循了古典主义严格规整的格式，又有着浪漫主义时期音乐的精神内核。

《春天》奏鸣曲共有四个乐章，笔者在这篇文章中重点分析该奏鸣曲第一乐章中钢琴和小提琴之间的二重协作性。

一、第一乐章音乐分析和演奏分析

F大调，奏鸣曲式。在乐章的曲式结构上，贝多芬沿用了传统的奏鸣曲式，并未在结构上作出革新。

呈示部是1-25小节，前10小节为该奏鸣曲的主题，共三个乐句。小提琴先奏主题，旋律动听优美、家喻户晓，钢琴用Alberti和弦为主题伴奏，随后主题再由钢琴变奏呈示了一遍。三个乐句之间运用了“鱼咬尾”的创作手法，青春洋溢的主题旋律不禁让人联想到春日暖阳和闪着波光的小溪。演奏主题声部时要着重练习后两拍的十六分音符，既要清晰又要连贯，精致短巧的十六分音符不断向前流动发展，但这种发展仅限于旋律自身的发展而不是速度上的加快，演奏时要注意得将二八节奏和十六分音符对整齐，两个声部的节拍重音可以适当弹出。前10句主旋律在小提琴声部中，钢琴声部应该适当的弹弱一点以突出主旋律，钢琴声部右手的主要织体为Alberti和弦，那么在演奏时则要将此和弦弹得更加连贯缠绵，突出和声感，丰富整体的音响效果。11小节到25小节主题旋律在钢琴声部中，钢琴声部需要突出，提琴声部旋律置于其下方。25小节出现了“Sf”，贝多芬在这部作品中突破了古典主义时期音乐的力度表现，使用了大量的突强和突弱标记，演奏者需要遵循谱面标记严格将作曲家的意图表达出来。

26-38小节是连接部，f小调。在这一段落中钢琴和小提琴采用问答的方式发展进行，钢琴不是小提琴的衬托，两个乐器均独立发展，贝多芬赋予了两个乐器同等的重要性。26小节钢琴左右手同时以十六分音符下行展开，快速且坚定，通过4个四分音符的下行引出了小提琴声部，该声部与钢琴声部形成强烈对比，提琴声部具有歌唱性。在演奏这里时钢琴要将十六分音符弹得清晰明了，适当把小节重拍奏出。

38-86小节是呈示部的副部，C大调，明亮且坚定。钢琴的柱式和弦和小提琴的切分音交融在一起，与主部主题形成了鲜明的对比，坚定且气势昂扬。在演奏钢琴声部时需要将和弦演奏的饱满激昂，钢琴是对提琴声部的支撑，整体情绪一直在作递进，所以在演奏时要增加踏板的使用频率，为达到饱满而高亢的情绪做准备。除了踏板以外，笔者发现左右手的柱式和弦非常容易缺音或者不齐，故而在练习时需重点练习，演奏和弦时手架子一定要支撑好，依靠手腕来演奏，由慢至快的练习，否则就会欲速而不达。在74-77这几个小节中，钢琴的左手声部的柱式八度和弦下标记了“Sf”，在演奏时需要将手架子立好，1指和5指站稳抓键，将整个声部的力量支撑上去。

87-123小节是展开部，A大调，材料来自副部主题，演奏方式由原来的问答语气变成了齐奏和重奏。91、95小节提琴声部单音断奏旋律线条往上发展，越来越明亮，而钢琴声部在93、97小节用八度音程断奏旋律线条向下，越来越沉重，两个声部在音色和情绪上都有明显对比。91、95小节中钢琴声部用双音音程和八度音程在下方支撑着旋律，这里的演奏方式和副部如出一辙，钢琴负责衬托气氛，而提琴声部负责旋律进行。在演奏中钢琴声部需要将左手的音程弹的干净且整齐，此时左手声部八度音程的处理并不单纯是力量上的加重，更多的是加深触键，烘托整体的氛围，抬高音量。右手需要将装饰音弹得清晰灵动，和深且长的八度音程作出区别。99小节小提琴声部的单音断奏变成了流动性更强的三连音，情绪不段的向前推进，随后很快101小节钢琴声部由较稳定的四分音符变成流动的三连音，与小提琴声部形成呼应，进一步加深了不稳定性，音乐的紧张感持续向前推动，此材料随后一共重复三次，直到113小节达到高潮，钢琴持续进行的三连音和提琴声部坚定的切分音持续向前竞技发展，力量和情绪通过前段的积累达到了顶端，双方在此可尽情释放情感和力量。在演奏这一段时钢琴声部一定要先编配好三连音的指法，笔者通过实践发现此处的三连音若不是适宜自己手大小或演奏习惯的指法时，演奏起来会非常别扭，所以在练习时就要尽可能地多试试不同的指法，以追求最好的演奏效果。117小节起钢琴和提琴声部都从激烈的情绪中迅速收回，取而代之的是小心谨慎、如同耳语般的颤音。在演奏这一段时，最难的是提琴声部和钢琴声部颤音的统一，在演奏如此细碎的音符时，容易弹不整齐，速度也很难统一。经过实践总结，笔者认为，在合作之初一定以慢速开始，嘴念颤音，脚打合拍，慢速合奏，在慢速中形成默契后再逐步的加快速度，最终达到整齐划一的效果。

124-209小节是再现部，F大调，材料来自呈示部。此时主部主题首先出现在了钢琴声部，提琴声部用Alberti和弦给钢琴伴奏。135小节主题重回提琴声部，悦耳动听的旋律在小提琴声部再次出现。演奏中需要注意的细节与呈示部几乎无差。同时值得格外注意得是138-144这几个小节中，钢琴左手低声部同样也是旋律，需要将这个声部的音量稍稍突出，尽可能地和提琴声部的旋律保持一致，在演奏上需要把左手弹深、弹长，指尖尽可能地往下探。

210-247小节是尾声，F大调，材料来自呈示部和展开部，既出现了提琴声部和钢琴声部的问答式语气，又有提琴和钢琴同时进行的旋律片段。211小节采用两拍长音加十六分音符主的旋律片段，在演奏这个片段时，要将八度和弦演奏的深且长，而十六分音符演奏的轻巧短小，作出鲜明强烈的对比。231小节经过两拍此时无声胜有声的休止符后，通过提琴和钢琴同时进行的强颤音进入到由三连音为基本材料构成的片段。在钢琴声部中，高声部以持续进行的三连音为伴奏音型，低声部的旋律在底部缓缓流淌，并持续进行。241小节小提琴声部开始用三连音进行伴奏，旋律来到了钢琴声部，钢琴流动的十六分音符和提琴声部均匀的三连音所构成的复节奏会构成听觉上的错位，所以在双方在合作这个段落时，先将自己的节奏烂熟于心，再牢牢地对齐每拍的第一个音，控制好自己的速度。245小节两个声部在三个八度中齐奏主题旋律材料，激昂辉煌地结束了第一乐章。

二、《春天奏鸣曲》第一乐章协作性分析

（一）齐奏

齐奏是器乐合作中最常见的手法，《春天》出现了多处齐奏。开头第一个音就需要演奏配合默契，看好呼吸，同时进入演奏。齐奏的最大难点就是如何在不同的乐器上演奏相同速度、相同音高的旋律，若是出现了一点对位、语气上的差别，则不能算齐奏。再如第一乐章117-124小节就是钢琴和小提琴的同步颤音齐奏，在演奏122小节时，钢琴和小提琴的触键都要灵敏轻巧，指尖保持垂直，触键迅速且自如。在练习之初首先要将自己声部的节奏对准节拍器一个一个的对齐，再将另一个乐器加入进来，合作时，双方都要保持高度集中来听辨三个声部的是否整齐，以及渐强渐弱是否统一。

（二）重奏

重奏是室内乐最基本的表现形式，强调乐句之间各个声部的均衡，独立又统一。在第一乐章的副部主题53-61小节中，钢琴的两个声部和提琴的一个声部各自独立发展，同时又在同一个和声中，彼此制约同时又彼此联系。此时两位演奏者要明确好自己声部的任务，钢琴声部的右手八度音程在两个声部当中为最明亮的部分，演奏时要强且深，可用小臂发力，左手的琶音处理的色彩较暗，为八度音程作铺垫，烘托整体的氛围。提琴声部以向上不断进行地断奏单音为旋律线条，往上发展。在两个乐器合作时要注意将整体情绪进行高度统一，这里情绪是坚定且勇敢乐观，故而在演奏清晰整齐的基础上，还要将整体情绪推到一个较高点，双方在演奏自己声部同时又要仔细聆听对方的声部，尽可能地让两个乐器在合作时出现一加一大于二的效果。

（三）主奏和伴奏

关于主奏与伴奏在二重奏中，主奏与伴奏的意思是两件乐器在演奏某段旋律时，其中一件乐器处于主导地位，主导乐器之外的另外一件乐器则处于伴奏地位。[2]譬如第一乐章1-19小节，主题旋律先是出现在提琴声部（1-10小节），钢琴声部此时处于伴奏地位。在处理这时，应将钢琴声部音量减弱，在提琴声部的下方均匀的演奏Alberti和弦，钢琴此时的任务是烘托明亮温柔的氛围，不要喧宾夺主，也不要消极被动地演奏，而是跟随着主旋律一起律动，对背景进行细腻的描绘。11-19小节中，两个乐器的地位出现了对调，此时钢琴声部应该迅速地转换地位、情绪和音量。在演奏上立刻将指尖立起，声音要集中饱满，将整个声部的音量置于提琴声部的上方。

在协作时，双方切莫随心所欲地演奏自己声部的旋律，或者是不顾作品整体，只表现自己声部，这样会将作曲家精心设计好的布局沦为吵闹的市井骂剧。《春天》虽是一部小提琴奏鸣曲，但在演奏形式上，钢琴并不处于从属地位，而是与小提琴并架前驱，二者平分秋色。[3]双方要清楚自己的定位，是合作者而不是独奏家。

结 语

贝多芬的名字几乎成了古典音乐的图腾，象征着崇高的信念、顽强不屈的意志、充满震撼力的音乐、为表达情感而不拘规范的气魄。贝多芬的音乐创作承续了古典主义音乐的发展路线，开启了浪漫主义音乐的先河，并对19世纪的音乐产生了深远影响。[4]《春天奏鸣曲》作为贝多芬早期的作品，既体现了古典主义时期的均衡克制，又有浪漫主义音乐动人的旋律和深刻的情感，是贝多芬早期代表作之一，以极具生命力的情感和充沛的热情闻名世界。

通过对这首奏鸣曲的第一乐章进行探索和分析，笔者认为在演奏贝多芬的作品前，要结合贝多芬的创作背景，分析作品的曲式结构和和声，最后再进行实践。合作时不仅需要注意到自己的声部，最重要的是多去聆听对方的声部，感受对方的呼吸、情绪发展和旋律走向等。器乐合作最大的魅力所在就是演奏者在合作中的碰撞、交流以及产生的新火花，通过抒发彼此对作品的不同解读和看法，形成你中有我，我中有你的默契，最终达到一加一大于二的目的。■