新时代戏曲教育与传播方式思考

孙良

中国艺术研究院

在2017年召开的中国共产党第十九次全国人民代表大会中，习总书记提出了中国发展新的历史方位，即中国特色社会主义进入了新时代。对于文艺工作者来说，这一重大判定不仅为当代艺术作品设立旗帜，也让我们反思以往的创作实践，为未来文艺事业发展制定新的规划。戏曲教育和传播是落实艺术传承工作的根本，是建立良好戏曲生态的关键环节。戏曲教育面向着本专业学生，他们代表着戏曲艺术的未来；戏曲传播涵盖社会各界群体，他们决定着戏曲艺术的市场基础。因此，随着我国社会主要矛盾和发展历史方位的调整，这两项工作均需要做出相应变化。戏曲研究者应坚持理论联系实际的学术原则，与艺术家们共同思考戏曲的发展和未来。

一、新时代戏曲教育的主要方案

（一）夯实传统戏基础

建国以来，新编剧目创作的热潮从未停止。由于我国经济繁荣发展，世界艺术纷至沓来，促成了各艺术门类相互吸收、百花齐放的局面。然而，随着新创作的涌现，也逐渐暴露一个问题，即是许多戏曲演员在排演新戏时，无法合理运用程式技巧刻画人物，反映出传统戏基础不够扎实。

目前，有一些刚刚从戏校毕业进入剧团的青年演员，会两至三出拿手的传统戏，就满足于现状。而面对新编戏创排，他们则避而不及，不愿意做超出自己表演范围的尝试。这类演员属于高呼恪守传统，却又技艺不精的“保守派”；还有一类演员，热衷于排演新戏，但不在技艺上做深究。当导演提出加入传统技艺要求时，却不知从何入手。这类演员就是具有创新意识，但无传统根基的“激进派”。在继承与创新的问题上，戏曲界已基本形成共识——我们既不赞同恪守成规、全无创新观念的“保守派”，也不支持以创新名义解构戏曲艺术的“激进派”。而是秉持前辈艺术家和学者对传统技艺的态度，认为戏曲艺术创新首先在于继承，学戏只有“学死”才能“演活”。

同样，由于每个人的自身先天条件的不同，很少有人真的把戏学“死”了，反而更多的是演员一板一眼、亦步亦趋地学，但最终却呈现着个人气质。正所谓“盖自凤凰鸟兽，以至巴渝夷鬼，无不能舞能歌，以灵机自相转活，何况吾人。”（汤显祖《宜黄县戏神清源师庙记》），人所具有的灵性和对艺术的体悟具有化腐朽为神奇的能力。唯有对于传统艺术保有敬畏之心，尽可能地传承其本来面貌，才能在如今的各种社会现象、艺术思潮的裹挟下，保留本民族传统文化的精粹。

（二）树立审慎通达的创新意识

审慎通达的创新意识以开阔的艺术视野为前提。“审慎”是严谨周密地分析外来艺术形式是否与戏曲传统程式相适应；“通达”是强调戏曲从业者以通达包容的姿态，学习西方戏剧或本国其他艺术形式，同样坚持“以‘我’为主，为‘我’所用”的理念，博采众长。因此，对于一些标榜“舞台剧”的戏剧样式，戏曲从业者应做出判别，厘清体裁。在新时代的创新之路上，艺术创作更容易通过作品的思辨性、人物情节的戏剧性和反映社会问题的深刻性方面，感染新时代观众。

为培养学生独立创作能力，在附中的教学实践中，应更多融入对艺术创作的解读。例如，在传统折子戏的学习中，向学生讲述全部剧情的来龙去脉，以帮助了解人物的心理线索；在教授新的程式技巧时，讲述它与生活原型的关系；在戏曲唱腔教学中，分析人物与唱腔设计的联系，类比不同的板式等，培养学生举一反三、总结规律的能力；开设戏曲锣鼓、曲牌、音韵相关课程，了解戏曲音乐的艺术特性等。这些工作是让学生“知其然，亦知其所以然”，有助于达到提升学生创新能力的教学目的。

（三）培养艺术家的理性自觉

所谓“理性自觉”，即要将一种信念转化为常态，成为自发式的遵守。对于表演艺术家们，就要时刻铭记传承艺术的使命，同时积极探索新的表演形式。

任何艺术创作均需要解决在有限空间中表现无限生活的矛盾。有限与无限的关系，既是一种制约，也是一种条件。戏曲程式就是戏曲的表现形式，它可以通过组合、创造变化成无穷尽的艺术样式，表现大千世界。尤其是在新时代背景下，戏曲程式的探索应紧跟时代步伐，力求更好地反映现代生活。由于在艺术创作中，编、导、演三者的关系并不存在绝对的“中心论”，而是因某个人的艺术修为更高，能力更强，艺术思维更多元而定。因此，演员的职责就不能仅仅在于依照导演的指示去表演，而应尽可能地发挥自身专业优长，丰富剧本文字之外的广阔天地。戏曲表演艺术家创作基本方法来源于生活，主要有：在日常生活中时刻保持敏锐的观察力，注意社会上形形色色的人物，思考生活原型与戏曲程式的联系；多看相关的戏曲视频资料和其他舞台剧演出，广泛吸收艺术营养，丰富生活阅历；积极参与排演新戏，勇于提出个人观点，在交流中学习等。这种状态是艺术家的理性自觉，应成为演员习惯性地思维定势，日常的必修课。

二、新时代戏曲传播的基本对策

（一）注重传统剧目的复排

戏曲传统剧目是新时代戏曲艺术发展最丰厚的宝藏，其中蕴含着无数前辈们的智慧和民族艺术的精髓。但随着老一辈艺术家的逝世，带走了大批珍贵的传统技艺，使得传统剧目数量骤减，产生舞台上戏码重复，观众兴趣度不高，演出收益不好等一系列问题。许多戏曲从业者面对这样的态势，迫切地想通过创排新戏的手段吸引观众群体，但对于传统剧目的“抢险”的工作，却迟迟没有开展。这是戏曲从业者的观念问题——没有充分认识到传统戏曲剧目的精粹，或是在面对那些进入“博物馆”的史料视频等内容时，缺乏钻研的学术态度。

基于对戏曲传承与发展的宏观把握，江苏省昆剧院的柯军老师曾运用“两个极点”的概念表述戏曲艺术的传承工作。他提出：“昆曲其实有两个主体：一个考古队，一个探险队。考古队保护遗产要做到不折不扣，探险队发展创新要毫无畏惧，他们各自背着行囊向相反的两极进发，他们之间的距离，就是昆曲发展的弹性空间。”[1]秉持这样的理念，江苏省昆剧院积极实践，在五年规划中，挖掘了200多出传统剧目。同时排演了新戏《红楼梦》《桃花扇》《梁祝》等，让这些符合昆曲规律的文本和唱腔，经过不断打磨，吸纳为新的经典，进入昆曲的大仓库。江苏省昆剧院之所以能够在短短几年复排出二百多出传统剧目，也是由于院团管理层对演员限定指标，要求演出剧目数量。并提供大量机会让演员向老一辈艺术家学戏，这必然获得剧团年轻一代的追捧。青年人出去学习传统，学了本领再去创新；或出去做创新，汲取能量再回来搞传统。这种观念就使江苏昆剧院成为了昆曲“最传统”和“最先锋”的大本营。这种对于传统剧目的态度，值得全国范围推广。

对于复排传统剧目这项工作，不仅需要大批的戏曲演员和教师，也需要戏曲理论研究人员，从影像资料、文献史籍等入手，挖掘整理传统资料，剔除其中不适应现代人思想观念的成分，同时注意分析表演上是否有光彩之处，技艺绝活等能否用到现代的剧目创作中。只有深入挖掘整理传统剧目，才能最大化的了解戏曲艺术的博大，并从中汲取充足养分，培育新时代的戏曲作品。由此可以看出，有许多方式可以推动恢复传统剧目的进程。

（二）关注“名角”效应

戏曲固有“名角”传统，其受民众欢迎的程度不亚于如今当红影星，“角”的名字更是整个剧团的金字招牌。但这样的传统在建国之后逐渐被“推举新人”的呼声所取代，人们更愿意给予青年人更多机会，壮大戏曲的继承队伍，却相对忽视了“角”背后的巨大经济效益和社会影响力。其实，在现今许多的地方团体中，名角不仅意味着其在艺术上具有极高造诣，深受当地群众的喜爱，同时还是剧团的核心人物，具有强大的号召力和领导能力。人们往往因喜欢某个演员，而关注一个剧种。这对于一些地方剧种的传承发展具有深刻意义。例如，被台湾誉为“梨园皇后”的曾静萍老师，其细腻迷人、入木三分的表演，骀荡春风、挥之不去，让众多观看完演出的人，皆发出与梨园戏相见恨晚的感叹。在曾静萍老师的带领下，梨园戏剧团多次受邀前往日本、印尼、新加坡、港澳台等多个国家和地区演出，形成戏曲界的“梨园热”。这种蔚然成风也就是名角效应。又如，在2017年开展的“唱响新时代——河南稀有剧种北京公益展演周”活动中，由豫剧表演艺术家李树建老师的河南李树建戏曲艺术中心承办，将九个河南稀有剧种（如”太康道清”、“四平调”、“宛梆”等）带到北京，在梅兰芳大剧院掀起一波“河南戏”热潮，受到观众们的一致好评。这些案例都可以表明，戏曲艺术作为传统文化，同样需要张扬名角的个人魅力。“名角效应”如同“明星效应”，它满足人们的审美体验，也就具有舆论宣传作用。在信息化高速发展的今天，我们可以利用各种媒体手段，将宣传的力度更多放在演员身上，尽可能地发挥演员的个人优势，并通过一些轻松快捷的方式，如拍摄排练花絮、制造周品产品、做宣传片剪辑、录制短视频采访、开设讲座等等，将戏曲如电影、戏剧一样进行推广宣传，吸引青年的观众群体，走入大众生活。

(三)打造品牌概念

品牌在如今市场经济中，一直扮演着灵魂角色。如果说明星效应会随着时间的推移所淡化，那品牌的魅力却会愈久弥新。它涵盖着企业的精神文明，是人们对于它内在价值的认可。那对于新时代戏曲艺术的发展，“品牌”的树立就更为关键。“戏曲”这个名词，包含着民族文化的精髓，是中华的瑰宝，但一些青年人提到“戏曲”，就觉得阳春白雪，或是刻板老套。这与我们一直用“国粹京剧”这一大的艺术范畴进行宣传有关。若是以主题系列演出、经典人物番外等，打造新颖、鲜活、灵动的戏剧活动品牌，或许会得到更多年轻人的关注。如江苏省昆剧院推出的“春风上巳天”系列演出活动，旨在邀约青年学子于春风四月，效仿古人雅趣，听一场昆曲。这种品牌概念就具有文化内涵，既新颖又典雅。每年两场的演出如约而至，观众们也对此津津乐道。

“名角”效应和品牌概念两者可以相互交织，演员精湛的技艺加上精心策划的活动，也就是戏曲表演艺术与媒介宣传的融合。这是传统与现代的碰撞，必然也会产生出新时代的火花。

三、结语

戏曲艺术在今天仍是小众文化，它无法追赶时代日新月异的步伐，也无法像信息化电子技术那样除旧布新，但它流淌着传统文化的血脉，有着无法割舍的民族基因。它的魅力会随着时代的发展而被人熟知，但在这段的时光里，就需要戏曲人不懈的努力，传承和传播戏曲文化，让更多的人走近戏曲，为它驻足。

“一旦你选择了昆曲或者被昆曲选择，都将揉碎自我，成全昆曲。”[2]戏曲艺术的继承与发展在于每一个戏曲人，是沉重且甜蜜的负担，是责无旁贷、心无旁骛地将戏曲事业引向光明。再充实丰富的理论文章也无法替代舞台实践，它需要继承者一步一个脚印地前行。从戏曲教育入手，将目光聚焦到每个新时代的戏曲接班人，坚持恪守传统，稳扎稳打，延续戏曲艺术源远流长的文化内蕴；同时，积极发挥名家优长，充分运用多元媒介平台，展现戏曲艺术和戏曲人的时代风采。我们是在继承与创新的实践基础上，推动戏曲事业的发展，迎来民族艺术的振兴。