浅谈丹纳“艺术批评的三种尺度”在创作中的应用

摘要：丹纳在《艺术哲学》第五编《艺术中的理想》中提出了艺术批评的三种尺度，分别是特征重要的程度、特征有益的程度以及效果集中的程度。其中“特征的重要程度和有益程度”为我们指明了何为重要的特征，这是为创作者指明方向，而“效果的集中程度”则是为创作者提出找到这个方向的原素以及优秀的艺术典型。这三种尺度阐述了艺术家应该如何将他的理想运用到创作当中，按照自己的观念最终将实物转变为精美的艺术品的过程。本文结合笔者自身的创作经历，谈一下这三种尺度在创作中的应用。

关键词：重要特征;有益程度;效果集中

正文：

丹纳在《艺术哲学》的第一章《艺术品的本质》中对艺术品下过一个定义：“艺术品的目的是表现其基本的或显著的特征”。艺术家往往以自我的观念为基础，将所观察和要表现的事物进行主观的改造，再将其表现出来，事物不再是具体、客观的事物，而是经过艺术家思维的改造，也就是“理想”的;若要使事物成为理想的，艺术家便要发挥自己的特长——辨别和升华出事物的主要特征，将这主要的特征遴选出来进行更为理性和主观的表现，促使特征居于主要地位，这就是特征的重要程度。一个非常经典的系列问题，艺术家灌输在作品中的观念有没有高级低级之分呢？能不能指出一个特征比别的特征更有价值呢？是不是每样东西都有一个理想的形式，其余的形式都是歪曲的或者错误的呢？能不能发现一个原则给不同的艺术品规定等级呢？其实可以很明确的解答这个问题，例如伦勃朗·凡·莱因的《以马忤斯的晚餐》和保罗·委罗内塞的《伽拿的婚宴》，这两幅油画作品，都是以耶稣为题材的作品，伦勃朗的这幅画中耶稣是穷人的耶稣，在一个昏暗破旧的小饭店里，耶稣在和穷人对话，这里的耶稣是围绕着下层人民展开的。而委罗内塞的画中，富丽堂皇的建筑，欢快娱乐的氛围，一看就是富人的聚会，是上层人民的耶稣。这两幅作品同时都是描绘的有关耶稣的场景，那么哪一副是好的呢？由此可见，贫穷，愁苦，微光闪烁的阴暗的气氛，固然产生了杰作，但富庶，快乐，白昼的暖和愉快的阳光，也可产生同样的杰作。再如米开朗基罗、达芬奇、柯勒乔所画的《丽达与天鹅》，同样的题材三位大师不同时期不同创作，你又能说出哪一个更好呢？所以，快乐与悲哀，健全的理性与神秘的幻想，活跃的精力或细腻的感觉，心情骚动时的高瞻远瞩，肉体畅快时的尽情流露，一切对待人生的重要观点都有价值。

有关特征重要的程度，比如以人为例，最表面的就是在我们身上持续三四年的一些生活习惯和思想感情，这些是比较短暂的，再往里就是持续20年、30年、40年、大概半个历史时期的事物，像是一代人在当时的社会情况下受到的影响，下一代人就不会受到这种影响了。再往里的影响就可以存在一个完全的历史时期了，比如文艺复兴时期、古典时代等。由此可见，历史挖掉第几层所费的时间，即指出那一层的深度，也说明那一层的重要程度。在创作时也一样，要找到“最里层”的那个特征，简单来说，这是一种特征本身与其他的特征力量间的博弈，哪一个更接近事物的本质，越趋于稳定、长久，哪一个特征就占主导，就更重要。

第二种尺度丹纳将其定义为：“特征位置的高低取决于不受外界影响的时候，是否具备这些特征的个体或集体趋于消灭或发展，而特征本身也趋于消灭或发展，并且要看消灭或发展的程度如何”。这就是是特征其自身是否有益于其发展的一种力量—特征的有益程度。比如“爱”，在个人有益于别人时，有益于团体，社会时，爱是最有益的特征。又比如在表现人体的艺术当中，提到有益的特征，毫无疑问一定是健康。特征的重要程度与否，决定了它是否是稳定的，根本的和长久的，而特征的有益的程度，决定了它是否对表现自身的特征有帮助，可以助其特征的表现更直接，更突出。

第三种效果集中的程度，比如在创作时，我们观察一件物品，表面的质感就会让人产生不同的创作手法，在绘画青花瓷（图一）和陶制品（图二）时的表现技法就会不同。会观察到物体最明显的特点，抓住其与众不同的特征将其表现出来。有时这些特征可能会放大、夸张，以更好地表达绘画者内心的想法。在画风景写生的时，会主动地在画面中移动树木;茂密的树叶，挺拔的树干，蜿蜒曲折的树枝，需要天空的地方，可能树叶太过茂密了，我们需要挪动，甚至是删减，这里的树干需要换一种造型，将另外一棵树挪到画面中的另一个地方，一切的景物都在观者心里，而外界只是成为了一种参照，艺术家一切观察到的特征，更显著的表现在了他的画面中。效果就越集中，特征占支配地位越高，艺术作品越能打动人心，艺术品的价值就越高。“作品的各个部分通力合作，表现特征。不能有一个原素不起作用，也不能用错力量，使一个原素转移人的注意力到旁的方面去”。要使一件艺术作品，无论是何种表现形式，能够将特征在其艺术作品中占支配一切的地位，将特征表现的淋漓尽致，发挥在该艺术作品中的最大价值，那么所有的效果都应当集中，集中程度的强弱决定其价值的高低，使效果集中的关键称之为原素。我认为，为了表现特征，艺术家竭尽所能，利用其独特和敏锐的观察力，感受力，捕捉，并放大某一他所观察到的事物的特性，將其概括，总结，表现出来，这就是艺术家在创作时的本能状态。从上面的分析中可以看到，“原素”是使效果能够集中的核心，但是在具体分析“原素”前，还有一个非常重要的词汇需要再次提到，那就是“特征”一词，而作为艺术家，会把这些特征放大，比实物所呈现出的更加明白，清晰，甚至是夸张变形。我们经常能看到一些艺术作品的夸张成分。弗洛伊德的《沉睡的救济金管理员》，从画中可以看到弗洛伊德故意把女性的肥胖夸张化，这里艺术家所描绘的不再是直观的形体，而是其观念，这种观念是主导他绘画的核心力量，他会围绕这个观念，改造所描绘的客观物体，而经过改造，描绘出的形象也就与其观念相符合了，这也就是“理想中的了”，而艺术品必定是经由创作者主观的意识而改造，这不仅仅是大脑“理想的”因素，还有其绘画的习惯、方式，理解事物的观念、方法等等。

丹纳在《艺术哲学》中所论述的衡量艺术品价值的标准，目的是为了表现所描绘事物的稳定的，基本的，核心的特征，而“特征的重要程度和有益程度”为创作者指明方向，而“效果的集中程度”则是为创作者提出找到这个方向的原素。这三个方面的通力合作，应用到我们的创作中，就会产生出美妙的火花。

作者简介：张子洋（1995-），女，聊城大学美术学院美术学专业研究生。

（作者单位：聊城大学）